FILMES NOTA 04

"Talvez o filme mais inútil da década. E também não tem 1/100 do impacto do original, pois estamos em tempos diferentes e não há as surpresas a que fomos submetidos no filme de 1997." (Alexandre Koball)

"Não consigo enxergar um motivo sequer para a existência dessa refilmagem plano-a-plano, e ainda assim inferior." Andy Malafaya)

"A coragem, a tensão e a estimulação emocional permanecem. A irritante autoimportância também." (Carlos Vinícius) "Uma versão praticamente idêntica ao original. Dirigido pelo mesmo diretor e com ótimo atores, não vejo porque não pode ser um ótimo filme também, mesmo o original sendo melhor." (Guilherme Spada)

***** ''Dez anos depois de chocar plateias com o filme alemão "Violência Gratuita", o diretor Michael Haneke resolveu fazer uma versão americana da mesma história. Como sempre, nunca é bom esperar algo convencional desse cineasta. Assim, o filme de 2007 é uma cópia exata do original alemão. Não apenas cena a cena, mas plano a plano. Haneke posicionou os atores e as câmeras no cenário exatamente nas mesma posições. Foi um trabalhão insano, coisa de maluco. Mas vale muito assistir aos dois filmes e ver esse exercício de linguagem. E a versão americana tem ótimos atores: Tim Roth e Naomi Watts como o casal refém, e Michael Pitt como um dos jovens torturadores." (Thales de Menezes)

Suspense psicológico é refilmagem tão competente quanto obra original.

''Refilmagens são processos normalmente desnecessários que refletem não só a intenção de se recontar determinada história, mas também, principalmente em refilmagens americanas, a necessidade de expandir a abrangência de determinado produto cinematográfico a um público maior, visto que o cinema feito em outros países freqüentemente é ignorado pelo grande público nos Estados Unidos. A primeira notícia de uma versão americana para o subversivo Violência Gratuita causou espanto em quem cultuava o trabalho original, incluindo este que vos escreve, e tal espanto apenas cessou quando a confirmação do diretor da produção aconteceu: ele seria novamente Michael Haneke, diretor e roteirista do Funny Games original, de 1997. O fato de determinado diretor refazer um trabalho próprio não é algo inédito na história do cinema, sendo Alfred Hitchcock um bom exemplo para tal afirmação: o mestre do suspense lançou em 1956 o ótimo O Homem que Sabia Demais, thriller que já havia dirigido anteriormente em 1934, na Inglaterra. O primeiro Funny Games é uma produção austríaca falada em alemão e embora tenha deslumbrado a crítica, sendo inclusive indicado à Palma de Ouro no Festival de Cannes, ficou restrito a uma pequena parcela de público e destinado a circuitos artísticos mundo afora. A trama do filme apresenta um casal que, junto com seu filho e um cachorro, vão passar suas férias em uma casa de campo. A família então conhece dois rapazes que propõem uma série de jogos sádicos, os deixando sem alternativas além das de participar dos tais funny games, presentes no título original, que de divertidos não possuem absolutamente nada. Destinado aos consumidores de violência, o filme é um exemplar do cinema que faz do espectador participante ativo de sua narrativa, este servindo aqui como cúmplice de todas as ações do duo de psicopatas. A interação de um dos personagens com o público ainda é extremamente impactante, e embora a já clássica piscadela de Arno Frisch não seja repetida por Michael Pitt, a simpatia macabra e a calma de Paul continuam sendo elementos aterrorizantes do filme. Assim como o trailer e algumas fotos já mostravam, a nova versão de Funny Games não é tão nova assim. O filme é a transposição quadro a quadro da obra original, e o diretor utiliza os mesmos planos, seqüências e diálogos escolhidos em seu trabalho original, tendo como mudança apenas o elenco que, no entanto, em suas interpretações, recriam e transmitem os mesmos sentimentos passados pelos personagens do primeiro filme. Mas então, para que uma refilmagem? Primeiramente imaginava que Haneke fora inteligente ao aceitar o projeto, já que assim não deixaria que seu filme fosse deturpado por outro realizador. Então ele próprio comandaria o filme e faria tudo exatamente igual, criticando ainda a necessidade desenfreada da indústria americana de refazer filmes originalmente falados em outras línguas. Mas, como o próprio Haneke justificou posteriormente, aceitou participar do filme pelo propósito de ampliar a abrangência de sua mensagem contra a banalização da violência, que até então não tinha atingido o grande público. E existe lugar melhor para que tal questão seja levantada do que a América? Em Violência Gratuita Haneke tem como tema o excesso de violência que é propagado através das mídias de massa, que costumeiramente restringem cenas de sexo e linguajar baixo a um público adulto enquanto relevam a violência, normalmente glamourizada, utilizada principalmente no cinema. A abordagem singular de Haneke ao tema é quase que inteiramente implícita, uma vez que seus enquadramentos não evidenciam as cenas onde acontecem os diversos níveis de agressão propostos pelo roteiro, pois a intenção do diretor é criticar os filmes violentos e não fazer outro exemplar fílmico que exacerbe na utilização de tal recurso. Outra intenção declarada do diretor é a de não limitar a imaginação do espectador explicitando através de imagens o que pode ser feito por sugestões. Ironicamente, ''Violência Gratuita'' recebeu a classificação R para o público americano, que restringe o filme a maiores de 17 anos, sendo admitida a entrada de menores apenas acompanhados pelos pais ou responsáveis. A Motion Picture Association of America (MPAA), associação que classifica os filmes nos Estados Unidos, alegou que a produção contém violência em níveis altos, linguagem inapropriada e conteúdo sexual forte. Por este e outros motivos o filme não teve grande desempenho nos cinemas americanos, sendo rejeitado pelo público-alvo: foi lançado em 288 salas (circuito restrito) e lucrou apenas 1,3 milhões de dólares. "Violência Gratuita", em 2008, se tornou um exemplo de refilmagem que pode ser equiparada à obra original, porém os méritos do remake não são maiores já que, como disse antes, o filme é praticamente o mesmo. Mais uma vez a mensagem de Haneke é transmitida através de uma obra perturbadora, sendo apenas lamentáveis os fatos de que o filme não tenha atingido o público à que se destinava, assim como o tempo perdido do diretor aplicado a um projeto já conhecido, uma vez que o mesmo poderia ter utilizado o período para desenvolver algo inédito." (Conrado Heoli)

"Um diretor autoral dirigindo um filme comercial. Porém, o que era para funcionar como um viagra em sua carreira, acabou funcionando como um purgante." (Rodrigo Cunha)

"Surpreendentemente, a única coisa que funciona são as cenas de ação, ainda que repetitivas. De resto, uma história caótica, diálogos risíveis e uma construção precária daquele mundo, que jamais convence. A queda gradual de Shyamalan é algo impressionante." (Silvio Pilau)

"Um dos piores castings de cinema já feitos, roteiro risível, direção sem nenhuma personalidade, nada funciona nesse filme, que definitivamente, não merecia ser feito." (Felipe Tostes)

"O filme mais assustador de M. Night Shyamalan." (Luis Henrique Boaventura)

"Shyamalan aparece com essa adaptação de um desenho animado para provar que pode sim ser pior a cada novo filme. Se continuar nesse ritmo, seu próximo trabalho na direção será semelhante a um filme de Ed Wood." (Heitor Romero)

"As virtudes da delicadeza tendem a ser menos reconhecidas no cinema atual, e M. Night Shyamalan sofre com isso. Tanto A Dama na Água como o mais recente "O Ultimo Mestre do Ar" não andaram bem na bilheteria. Mas existe aqui um estranho e significativo poder visual que confirma Shyamalan como um cineasta invulgar. A história diz respeito a um menino que deve abandonar a infância por uma tarefa que só ele pode desempenhar, que é a de equilibrar os elementos naturais. Em outras palavreas: o Fogo pretende obter o domínio total dos elementos, submetendo a força de Água, Ar e Terra. Não faltam demonstrações de kung fu e nem guerra, mas não no grau homicida que a convenção do cinema contemporâneo exige. (* Inácio Araujo*)

"O começo é promissor, apresentando um ótimo clima tenso, mas à medida que o tempo vai passando, mostra-se ser apenas mais um suspense previsível e ordinário." (Josiane K)

"A primeira metade é interessante, com um razoável clima de suspense e uma boa discussão entre ceticismo e a fé. A partir daí, no entanto, o filme se perde em situações clichês e sem tensão, tornando-se apenas mais um do gênero de exorcismo." (Silvio Pilau)

"É bem fácil distinguir o real da ficção, já que a partir de certo ponto o roteiro começa a criar baseado em fórmulas típicas do gênero. Ainda assim, não é um filme chato ou ruim; é apenas mais um." (Rodrigo torres de Souza)

"Tem bom acabamento e é vibrante nos confrontos entre os personagens. Talvez seja um pouco longo demais apenas, mas seu público-alvo (crianças e adolescentes) têm aqui um passatempo limitado, porém excitante." (Alexandre Koball )

"Para ficar com uma recente entrevista de Jean-Luc Godard,"Um Tira da Pesada 3" é do tempo (1994, mais precisamente) em que havia autores no cinema. Tanto que John Landis, diretor, aqui é também roteirista. É do tempo em que Eddie Murphy ainda não tinha consagrado o tipo malandro simpático e, portanto, privava-se de exicibicionices de talento. Limitava-se a exercê-lo, e isso bastava. Aqui, ele contrapõe o estilo rude e pouco afeito a regras dos policiais de Detroit, a cidade onde trabalha, aos modos legalistas e cheios de não me toques de Los Angeles. Não é apenas que rimos com isso:Landis nos mostra também, nesses conflitos, um tanto do funcionamento da sociedade norte-americana." (* Inácio Araujo *)

"Onde fica o "Império dos Sonhos" do filme do diretor americano David Lynch? No cinema, em princípio. Nessa sala escura onde nos entregamos as imagens como se saíssemos de nos mesmos. Magia segura, a do cinema, que se constitui sobre imagens e situações que se repetem com constância. Mas, imagina Lynch (desde o filme Estrada Perdida na verdade), e se as identidades não fossem coisa tão óbvia assim? E se aquela loirinha que julgamos ser uma estrela ascendente fosse, ela também, uma sonhadora, como nós espectadores, trocando de lugar com a atriz que perdeu a memória, isto é, com a que é de fato uma estrela? Eis ai uma história sobre Hollywood que é ao mesmo tempo pouco e muito hollywoodiana. Pouco na formulação, que escapa as convenções a que os filmes tanto se entregam, e muito, na evocação de tipos e situações recorrentes que aparecem no cinema." (* Inácio Araujo *)

"Mesmo não fazendo muito sentido (mais uma vez), Lynch é um dos diretores mais climáticos, capaz de aterrorizar espectadores com suas imagens e sons. Isso salva a bagunça do filme, bastante inferior a Cidade dos Sonhos." (Alexandre Koball)

"Três horas a menos de vida." (Vlademir Lazo)

"Que tipo de lógica se pode aguardar de um filme que ata suas mãos e toma pelos ombros, te mergulhando num oceano desconhecido e hostil, sem qualquer ponto de sustentação? Eis aqui a maior espiral de loucura de David Lynch!" (Junior Souza)

"Por mais absurdo que seja, Império dos Sonhos é um filme que merece revisões, mesmo com sua longa duração. Na primeira vez detestei, na segunda aceitei melhor e na terceira consegui enxergar a genialidade de Lynch. Precisa de paciência, mas vale a pena." (Heitor Romero)

2006 Lion Veneza

ACONTECEU EM WOODSTOCK

"É até compreensível que "Aconteceu em Woodstock" não tenha sido um sucesso. Quem quer saber de um filme sobre Woodstock em que tem de tudo, menos a música? Diga-se em defesa de Ang Lee e seu filme que o tem de tudo não é pouca coisa. A história é a do sujeito travado que, por uma pequena fortuna, aluga sua casa para que ali funcione o escritório do festival. Veremos um formidável vaivém de engravatados misturados com hippies: a contestação como a música é antes de tudo negócio. O que não impedirá o festival de ter profundas repercussões na vida do rapaz." (* Inácio Araujo *)

"Ameno demais para os padrões de Ang Lee. Um filme sobre esse evento tão importante deveria se preocupar em ser mais ousado ou intrigante." (Emilio Franco Jr)

"Ameno demais para os padrões de Ang Lee. Um filme sobre esse evento tão importante deveria se preocupar em ser mais ousado ou intrigante." (Heitor Romero)

2009 Palma de Cannes

"Nunca sem Minha Filha", é um filme de 1991, auge da campanha norte-americana contra o Irã. Ali, Sally Field é a americana que casa com um iraniano e se dá mal quando o cara resolve voltar ao seu país, levando a filha do casal. Sally vai ao Irã fazer jus ao título do filme. É até justo. O que é menos justo é representar o Irã como uma espécie de associação de vilões dispostos a tudo para prejudicar a boa moça. Essa foi uma das vantagens do cinema iraniano: mostrar que podemos até ser contra seu governo, mas as pessoas são bem outra coisa." (* Inácio Araujo *)

"Nunca sem Minha Filha" me parece um filme mais atraente. Atraente não significa bom. Mas o que ele nos informa sobre os EUA e o mundo não é todo dia que se manifesta com tal clareza. Nessa trama, Sally Field é a jovem americana que se apaixona por um iraniano, casa-se, tem uma filha com ele. Mas só quando sai dos EUA para morar no Irã é que o marido se revela. Revela-se um religioso de quatro costados, faz ela usar o véu e tudo o mais. Sally resolve pular fora. Mas nunca sem sua filha. Começa então a odisséia da boa mãe americana em meio à barbárie asiática. O filme é de 1991, é importante dizer, e dirigido por Brian Gilbert (não tem a menor importância dizer). Faz parte da propaganda americana da época, segundo a qual o Irã era uma nação composta por seres demoníacos. Ou seja, o filme existe para nos convencer de que, se a gente esmagar esses demônios, eles não farão grande falta ao mundo. Pouco depois começamos a conhecer o cinema iraniano e a notar que esse país - não importa quais sejam as divergências que se possa ter com seus dirigentes- é composto por seres humanos como nós. Mussolini, que não era bobo, dizia que o cinema é a arma mais forte. Este filme nos ajuda a entender por quê." (** Inácio Araujo **)

''Mas não é por isso que, hoje, "Nunca sem Minha Filha" me parece um filme mais atraente. Atraente não significa bom. Mas o que ele nos informa sobre os EUA e o mundo não é todo dia que se manifesta com tal clareza. Nessa trama, Sally Field é a jovem americana que se apaixona por um iraniano, casa-se, tem uma filha com ele. Mas só quando sai dos EUA para morar no Irã é que o marido se revela. Revela-se um religioso de quatro costados, faz ela usar o véu e tudo o mais. Sally resolve pular fora. Mas nunca sem sua filha. Começa então a odisséia da boa mãe americana em meio à barbárie asiática. O filme é de 1991, é importante dizer, e dirigido por Brian Gilbert (não tem a menor importância dizer). Faz parte da propaganda americana da época, segundo a qual o Irã era uma nação composta por seres demoníacos. Ou seja, o filme existe para nos convencer de que, se a gente esmagar esses demônios, eles não farão grande falta ao mundo. Pouco depois começamos a conhecer o cinema iraniano e a notar que esse país -não importa quais sejam as divergências que se possa ter com seus dirigentes- é composto por seres humanos como nós. Mussolini, que não era bobo, dizia que "o cinema é a arma mais forte". Este filme nos ajuda a entender por quê." (*** Inácio Araujo ***)

"Antes os filmes juvenis tinham originalidade e coração, como Os Goonies, hoje são apenas um amontoado de jovens arrogantes e efeitos de terceira categoria, como este aqui e as séries Potter e Twilight." (Alexandre Kobal)

"Apressado come cru." (Rodrigo Cunha)

"Horrível, constrangedor." (Josiane K)

"Uma extravagância do produtor Dino De Laurentis, vale para quem tem fascínio ou interesse pelo Gênesis." (Vlademir Lazo)

"A existência dos gêneros por vezes é determinada muito mais por razões industriais do que por outra coisa. É o caso das superproduções. Esses épicos surgiram essencialmente para combater a influência da TV, da qual se diferenciavam seja pela tela gigantesca, seja pela produção idem. O problema é que cada superprodução tinha, no fundo, de ser maior do que a outra -o que já fazia prever o desastre econômico para qualquer momento. Exemplo da ambição que tomou conta do gênero é "A Bíblia". Já não bastava dar ao filme o nome de um episódio (é essencialmente no início de tudo que se detém a obra): era preciso abarcar toda a obra. Como na história da Torre de Babel, afundou este filme de 1996. E afundou o gênero." (* Inácio Araujo *) 39*1967 Oscar / 14*1967 Globo

"Percebe-se que existe uma visão de mundo e diversas ideias interessantes, mas a narrativa é desleixada, sem lógica e bastante difícil acompanhar. Ao final, o trabalho de Lucas não é complexo; é simplesmente caótico." (Silvio Pilau)

"O Filme "THX 1138" reúne diversas críticas aos modelos sociais, tais como o autoritarismo do Estado que passa despercebido sob uma ilusão criada de paternalismo, de preocupação com o bem-estar do cidadão, quando o real interesse é a manipulação e controle rígidos de cada indivíduo, para que continuem servindo ao Estado sem questinonamento e em tempo integral. Um aspecto interessante do filme é o uso dos medicamentos para manter os cidadãos passivos e satisfeitos com a situação. Esse foco pode ser analisado criticamente sob vários pontos de vista, um deles é a manipulação, já comentada, outro é o fato de a sociedade estar cada vez mais dependente de fármacos devido ao estilo de vida estressante, onde o laser ao ar livre, algo intrínseco da natureza do homem, portanto vital, está sendo substituído pela necessidade de compras, aquisição de bens materiais. Outro ponto chocante do filme é o despótico controle de natalidade, onde a relação sexual é crime e os cidadãos são vigiados e quando flagrados, rigidamente punidos. Os artifícios que o Estado utiliza para controlar a natureza humana, no filme, são dispositivos inibidores de libido e aparelhos simuladores de relações sexuais. À primeira vista esse filme pode parecer um exagero, no entanto, se formos analisar os modelos de governo, existe algum país que impõe o controle de natalidade? Existe algum país que incentiva freneticamente o consumismo? A tendência imposta pelo capitalismo é passar mais tempo trabalhando ou mais tempo com a família? Quantas pessoas já são dependentes de medicamentos por distúrbios psiquiátricos adquiridos pelo modo de vida?" (Thaís Mello)

Antes de Star Wars, George Lucas cria fantasia apocalíptica perturbadora sobre o futuro.

"Um filme lento, duro, opressivo e claustrofóbico. Quem se acostumou com o George Lucas que dirigiu a série Star Wars dificilmente vai imaginar que essa descrição possa caber em um longa-metragem dirigido por ele. Mas cabe, e como uma luva: “THX 1138” (EUA, 1971) é exatamente assim. Apesar de ter apenas 88 minutos, é um filme de compreensão difícil, com roteiro episódico de andamento truncado e uma estilização visual impressionante, que cria um futuro opaco, sem cor e sem vida. Trata-se de uma fantasia apocalíptica perturbadora sobre o futuro, uma variação alucinada do 1984, de George Orwell. O espectador demora a compreender o enredo de “THX 1138”. O filme se passa em um futuro distante (os releases da Warner nos indicam que esse futuro acontece em algum ponto do século XXV, embora o filme não faça nenhuma referência à época em que a história se passa). Nesse futuro, os homens não possuem mais nomes, mas siglas que mais parecem placas de carros. Na verdade, são praticamente zumbis, que vestem roupas brancas idênticas, possuem as cabeças raspadas e engolem pílulas de narcóticos que os mantêm anestesiados e sem vontade própria. A reprodução é feita em laboratório, pois as drogas inibem o desejo sexual. A sociedade vive em um labirinto mecânico nos subterrâneos do planeta, e é patrulhada por uma raça de estranhos robôs negros com rostos metálicos. “THX 1138” é um filme que sobrevive pela estilização visual. George Lucas criou, com inspiração de outros filmes (há uma evidente influência dos interiores elaborados por Stanley Kubrick na obra-prima 2001), um produto inteiramente novo, original. A criação visual dessa sociedade opressora, em que todos os habitantes são monitorados através de um gigantesco circuito interno de TV, é soberba. Nesse sentido, a mão de George Lucas aparece com força. Ele demonstra que, desde o início da carreira, já possui talento nato para criar um mundo em que homens e tecnologia co-habitam em constante tensão. Apesar de ser um filme pouco citado por outros cineastas, e ainda menos pelo público, “THX 1138” teve uma influência importante em muitas obras de ficção científica que viriam nas décadas seguintes; pense em “Matrix” (são praticamente duas dimensões vivendo em um mesmo plano espacial), e em “Os Doze Macacos” (os humanos estão confinados ao subterrâneo, e todos os que vivem na superfície são anões). Infelizmente, toda a portentosa criação meticulosa de imagem e som (o trabalho de Walter Murch na trilha sonora é realmente muito bom) é oca de significado, porque Lucas não soube criar um roteiro eficiente. A trama é simples: um homem, chamado exatamente THX 1138, deixa de tomar as pílulas junto com a companheira de casa. Os dois se descobrem apaixonados e, claro, fazem sexo pela primeira vez, em uma seqüência pesada e incômoda que inclui uma televisão robótica com imagens perturbadoras de uma negra despida praticando uma espécie de dança do acasalamento. A partir daí, são perseguidos pelo Big Brother messiânico, que se comunica através de gravações e hologramas. De certa forma, “THX 1138” só funciona como filme porque a platéia compartilha da confusão mental vivida pelo monossilábico protagonista (vivido pelo jovem Robert Duvall). O sujeito quase não fala, e quando o faz, não consegue expressar nenhum tipo de desejo ou emoção. Pior: não tem um objetivo evidente que não seja fugir de algo que nem ele, e nem nós (do lado de cá da tela), sabemos exatamente o que é. Tudo isso, aliado à perturbadora seqüência da prisão (uma sala gigantesca, inteiramente branca, sem que se possa divisar as paredes, o que cria uma sensação de infinito), gera um filme estranho, mas instigante. A caixa luxuosa do filme dá a impressão de que se trata de uma obra-prima do cinema. Para começar, o DVD é duplo. Qualidade de imagem e som, com certificado THX (que ironia…), é de primeira; há uma trilha de áudio com George Lucas e o co-roteirista Walter Murch comentando o filme, que tem imagem widescreen e som Dolby Digital 5.1. Uma outra opção é interromper o filme de tempos em tempos para ver pequenas entrevistas com Walter Murch (que viria a ser, depois, um renomado editor de imagens e som), a respeito da criação de sons futuristas. No disco 2, dois documentários são o prato principal. O primeiro, de uma hora, aborda o surgimento da geração mítica de George Lucas (incluindo Francis Ford Coppola e Steven Spielberg), no início dos anos 1970. O segundo, de 30 minutos, é um documentário de retrospectiva sobre o filme. Uma curiosidade é que o curta-metragem premiado de Lucas, o “THX” original, de 17 minutos, é aqui apresentado na íntegra. Por fim, um segmento de 8 minutos traz Coppola, produtor executivo, entrevistando Lucas, diretor, antes da produção do filme. Encontro histórico, em um disco que vale mais pela curiosidade do que pelo filme em si." (Rodrigo Carreiro)

"Para quem usou e abusou da polêmica com "JFK" e "Nixon", surpreende a timidez e a superficialidade do retrato que Stone pinta de Bush, defeito que pode ter origem na abordagem de uma figura ainda carente de uma perspectiva histórica que só o tempo trará." (Regis Trigo)

"O retrato de Bush é mais brando do que se poderia esperar - e, por vezes, parece enxergá-lo como vítima -, mas Stone consegue imprimir um tom de farsa e sátira ao filme, com alguns momentos bacanas de pura ironia. Irregular, mas sempre interessante." (Silvio Pilau)

59*1987 Oscar

"Refilmagem. Uso intenso de CGI. Atuações caricatas. Textos pobres. Mas é um dos mais divertidos filmes-pipoca de seu ano, as batalhas são verdadeiramente intensas, tiram um sorriso do rosto." (Alexandre Koball)

"O remake é válido, afinal, a tecnologia evoluiu desde que o original, que já era dependente de efeitos, foi realizado. Porém, a história continua mal contada, o que desqualifica a necessidade desta produção." (Rodrigo Cunha)

"Sim, é um espetáculo de efeitos visuais com algumas boas cenas de ação. Mas a história é pessimamente desenvolvida, sem personagens interessante e com diversos furos de lógica na trama. A interessante mitologia grega continua sem um filme à altura." (Silvio Pilau)

"Bobo e desnecessário." (Felipe Tostes)

"Não sei se os filmes de Elvis Presley já eram ingênuos na época ou se o tempo só deixou isso mais claro. Esse aqui, ao menos, tem a direção do sempre confiável George Sidney e a gostosura de Ann-Margret, uma das musas da minha adolescência." (Régis Trigo)

"Pouca lógica e muitos furos à parte, além de ser mais óbvio do que pretendia (aparentemente), Presságio funciona como entretenimento pois mantém os espectadores (alguns, pelo menos) atentos até seu final, que é especialmente melhor do que tudo até ali." (Alexandre Koball )

"A apreciação do filme depende muito da reação de cada espectador ao terceiro ato: comigo não funcionou. Além disso, alguns bons momentos, efeitos especiais e o eficiente clima de mistério são prejudicados pelo roteiro repleto de furos de lógica e clichês." (Silvio Pilau)

"Ainda que toda a conclusão seja espetacular, o que vem antes disso é de uma bagunça indescritível, que torna quase impossível estar atento até lá." (Rodrigo Cunha)

"Esteticamente primoroso e um dos pontos altos do faroeste, se fosse preciso um único filme para justificar Sam Peckinpah como o poeta da violência, esse filme seria Pat Garret & Billy The Kid. " (Vlademir Lazo)

"I feel like I’m knockin’ on heaven’s door." (David Campos)

"Uma realização monumental de Peckinpah, com uma das maiores coleções de cenas geniais da história. A sequência do homem se retirando para junto ao lago para morrer, ao som de Knockin on Heaven's Door, é uma das coisas mais lindas que já vi em um filme." (Silvio Pilau)

A mais romântica e alegórica crônica sobre o fim do Velho Oeste. "

Antes de produzir "Pat Garret & Billy the Kid", Peckinpah (e Mann, e Leone, e tantos outros realizadores revisionistas) já havia decretado o fim da era western no Cinema, mas jamais de forma tão romântica e alegórica quanto neste monumento erguido à passagem do tempo – que muito bem pode ser encaixado como epílogo deste gênero. Em um único plano, sutilmente posicionado no início da fuga que estabelece a caminhada derradeira de Pat e Billy rumo à morte, Peckinpah de certa forma resume tom e substância de seu próprio filme: um take em contraluz mostrando a silhueta de um dos protagonistas enquanto anda a cavalo às margens de um lago, durante o crepúsculo. É talvez o plano mais representativo de todo o Velho Oeste. Não este do filme de Peckinpah, mas a própria ação e o exercício de se fotografar o caubói em passos lentos rumando em direção a qualquer lugar, com o horizonte ao fundo, abusando de uma atmosfera romântica, épica. Mas Peckinpah filma tudo ao contrário. Não é no horizonte que se forma a silhueta – ele está encoberto por tantos outros contornos pretos que compõem a paisagem arborística da locação. O que vemos é o reflexo invertido nas águas do lago, sempre balançantes, deixando o caubói desfigurado, torto, com linhas tremulas. O que encontramos neste Peckinpah não é o nosso Velho Oeste, aquele que tanto adoramos: vigoroso, embrutecido, musicado pelo tilintar das esporas e recheado com a macheza e violência corriqueiras do velho caubói americano. "Pat Garret & Billy the Kid" é a distorção, ou o fim definitivo de tudo isso, mais do que qualquer outro ensaiado anteriormente. O filme não aborda simplesmente o desencaixe do velho código de honra do Oeste, que aos poucos foi vencido pela civilização e pelo desenvolvimento social, mas a punição a quem ainda não havia se entregado aos novos costumes, através dos quais a lei finalmente tomava o posto de maestro numa forma de tentar coibir a violência e encobrindo, automaticamente, a justiça autônoma que vingava por aquelas bandas em tempos passados. Garret e Kid, assim sendo, representam dois lados de uma mesma moeda. Ambos são homens à moda antiga e, acima de tudo, grandes amigos, mas acabam desenvolvendo uma diferença determinante: enquanto Pat se rende ao novo modelo de sociedade que se estabelecia, Billy nega a adaptação. O fato que os coloca em lados opostos de uma mesma batalha – enquanto um permanece como caça, o outro se transforma em caçador – também motiva a melancolia que tanto as imagens, que surgem como força contrária aos ícones cristalizados pelos clássicos do western, quanto à trilha sonora de Bob Dylan, constroem através de cada seqüência. Por sinal, o momento-chave do filme, quando Pat finalmente encontra e assassina Billy the Kid, pode ser visto também como o último suspiro do faroeste. Todos sentem, ali, o contragosto sempre explícito pelo amargor irrefutável com o qual o personagem de James Coburn mantém arduamente sua perseguição a Bill. Não simplesmente por estar realizando um trabalho do qual não se orgulha, mas por saber que, matando Billy the Kid, estaria fatalmente assassinando a si próprio – e a realidade em que viviam. A nós, portanto, resta apenas contemplar o homem caminhando por sob os raios solares, trilhando, rumo ao horizonte do deserto, passos mortos que celebram o fim de sua própria era." (Daniel Dalpizzolo)

"Os Coen entregam um filme bem pessoal sobre a... vida! Claro que não há respostas, apenas muitas perguntas, nesse sentido as bizarrices do roteiro são realistas. No geral, falta algo, pois a sensação é de um filme abaixo da média da filmografia deles." (Alexandre Kobal)

"O filme é um grande nada com ótimos diálogos e vários bons enquadramentos." (Rodrigo Cunha)

"De duas uma: ou eu não entendi nada, ou o filme beira o insuportável. Tendo a ficar com a segunda opção." (Régis Trigo) < > "Novamente, os Coen demonstram originalidade e visão diferenciada, mas a história do homem questionando a existência e em busca de respostas jamais parece se completar. Por outro lado, talvez seja exatamente esta a mensagem. Não deixa de ser decepcionante." (Silvio Pilau)

"Os Coen possuem precisão narrativa encantadora e enquadram com perfeição cada plano. O homem moderno, vazio por essência, e o vazio do discurso religioso são satirizados com eficácia pela dupla. Michael Stuhlbarg mostra-se um grande ator." (Emilio Franco Jr)

"Cada vez mais prefiro os irmãos Farrelly aos Coens ─ e não é de hoje. Trata-se de uma fábula moral um tanto oca, com um trabalho de encenação que se pretende excepcional, mas que resulta em uma mise en scéne morta." (Vlademir Lazo)

82*2010 Oscar / 67*2010 Globo

"Cada vez mais prefiro os irmãos Farrelly aos Coens ─ e não é de hoje. Trata-se de uma fábula moral um tanto oca, com um trabalho de encenação que se pretende excepcional, mas que resulta em uma mise en scéne morta." (Alexandre Kobal)

"Diversão do início ao fim. Raimi retorna às suas raízes trash com um trabalho criativo, mais engraçado do que assustador. O charme da produção é que diretor e atores não levam o roteiro a sério e parecem se divertir tanto quanto a plateia. Recomendado" (Silvio Pilau)

''A arquitetura de "Os Esquecidos" é baseada em planos aéreos. Ou seja, gente que está em cima olha aqui para baixo. É o observador invisível, que domina panorama e ações. E é bom saber que estamos em um exercício de suspense conspiração. Mãe, acabada com a morte do filho, perceberá algo errado, já que memórias (fotos e vídeos) somem. Querem convencê-la de que o menino nunca existiu, e pode-se pensar em um Preminger de 65, "Bunny Lake Desapareceu", que parte de algo similar. Logo nos dirão que são seres "de verdade", esses que vêm do céu. Mas, longe da verdade do filme, e mais significativo para a cultura dos EUA em 2004, podem ser entidades mais abstratas. Um Deus corporativo; os senhores sem-cara das planilhas e do tabuleiro político e econômico, talvez. Essencial: aqui, estamos na área do jogo conspiratório nacional. É uma história, a dos EUA, formada sob o eco da conspiração e de suas fascinantes sombras, vide Kennedy. Sempre é importante averiguar, publicar -crenças democráticas. Promover a contaminação entre público e secreto, dispositivos de filmagem e gavetas. O filme lembra Arquivo X, e portanto é justo pensar em Michael Moore e Oliver Stone também. E "Os Esquecidos" é isso, uma jornada por conexões negras e camuflagens do sistema, só que em nome de uma resolução afetiva: onde está meu filho? E é aqui que se transita de modo questionável no registro conspiração. Se a heroína confia, e ela confia, tanto em sua memória, o diretor Ruben banca isso tingindo o filme com cores de superdrama, já que mães e futuras mães vão ao cinema: a "grande conspiração" jamais poderá entortar os códigos do filme e, assim, trair a heroína ou a lógica mãe vs. todos. Além disso, sem construir tensão no não-saber e na "ausência", Ruben hipertrofia o filme via som e computador. Mas os seres do céu podem ser gente de cinema. Há uma febre do tema memória, sobretudo no cinema dos EUA. Não raro, são filmes que se estruturam na memória referencial e metalingüística, isto é, na memória cinematográfica (velhos filmes e reciclagens), para existir. Se na conspiração de "Os Esquecidos" os ocultos submetem pessoas a um desafio afetivo de memória, a "conspiração" do universo industrial do cinema americano mexe quase no mesmo terreno. São eles, divinos, que vigiam lá de cima." (Claudio Szynkier)

"007 sempre foi over-the-top, mas este aqui exagera e entra, definitivamente, no campo humorístico. A sátira de Austin Powers é muito mais divertida e emocionante." (Alexandre KobalL)

38*1966 Oscar / 23*1966 Globo

O AMANTE

"Impressionante como um filme tão equivocado conseguiu unir elenco desse calibre. Neeson e Linney são os únicos atrativos da obra, que conta uma história sem graça, pessimamente desenvolvida e com diálogos e situações vergonhosos." (Silvio Pilau)

"Um suspense que mantém a atenção e tem boas reviravoltas. Não é lá muito original ou especialmente bem dirigido ou interpretado, mas ao ser curto, proporciona um passatempo ágil." (Alexandre Koball)

"Tão raso quanto o jogo, porém pelo menos lá é você que mata os bandidos, podendo pular os diálogos e a história risíveis." (Alexandre Koball)