MOVIES {P}

[Mov 06 IMDB 6,8/10] {Video/@@@@@}

PROFANAÇÃO

(Phaedra, 1962)

''Adaptação moderna da personagem da mitologia grega Phaedra, filha de Minos e esposa de Teseus, que se apaixonou pelo seu enteado. Na Grécia atual, o pai de Alexis é um homem muito rico que faz fortuna na área de transporte marítimo. Ele se casa com a jovem e sensual Phaedra, que consequentemente torna-se madrasta de Alexis. O intreresse do rapaz pela moça é imediato. Ela corresponde aos flertes e logo ambos estão mantendo um caso amoroso secreto." (Filmow)

"Nunca aos Domingos/Never on Sunday, de 1960, e "Profanação"/Phaedra, de 1962. Os dois filmes de Jules Dassin são elogiadíssimos, faladíssimos, badaladíssimos, clássicos. Nunca aos Domingos teve cinco indicações ao Oscar, levou o de canção (a de Manos Hadjidakis), fora outras oito indicações importantes – Cannes, Bafta, Globo de Ouro. Phaedra teve indicações ao Oscar, ao Globo de Ouro, ao Bafta. E, no entanto, achei os dois filmes ruins, muito ruins.Os dois são daqueles filmes dos quais ouvi falar muito entre os 11 e os 14 anos, no começo dos anos 60, quando foram feitos, e que não pude ver na época por causa da censura de faixa etária. Vi os dois, pela primeira vez, na mesma semana, em julho de 2004. Primeiro vi Phaedra, a adaptação de Dassin da história da Grécia clássica para a moderna Grécia da época em que o filme foi feito. Melina Mercouri, a legendária atriz, então casada com o diretor, faz a Phaedra do título original, que tem uma das paixões mais proibidas de todo o gênero humano, uma das essências da tragédia grega, a tragédia grega em si: a paixão de uma mulher pelo filho, aqui suavizada para a paixão pelo filho do marido. O marido da Phaedra moderna de Dassin, interpretado por Raf Valone, é um milionário armador grego – teria Dassin se calcado na figura de Aristóteles Onassis? O filho dele é feito por Tony Perkins, então no auge da fama, depois de Sublime Tentação, um imediato clássico de William Wyler com Gary Cooper, de1956, Até os Fortes Vacilam/Tall Story, uma simpática comedinha de Joshua Logan com a iniciante Jane Fonda, em 1960, e no mesmo ano, Psicose. Enquanto via Phaedra, me lembrava do meu irmão Geraldo me contando com os mínimos detalhes a história do filme que eu não podia ver porque seria barrado na portaria por ter menos de 14 anos. A narrativa dele nunca me saiu da cabeça – eu ficava imaginando Tony Perkins correndo no carro esporte em uma estrada perigosa ao som de Bach e berrando contra o destino: Até aqui você me persegue, Johann Sebastian? Ao final do filme, visto 40 anos depois da época em que deveria ter visto, conclui: o filme não é bom. Na verdade, o filme é muito ruim. E me perguntei: mas então era um mito? O Dassin não era bom, afinal de contas? Um ponto alto dos dois filmes, que não pode deixar de ser mencionado: as trilhas sonoras. Jules Dassin teve o privilégio de contar com os dois maiores compositores gregos nas trilhas sonoras. A de Nunca aos Domingos, como já se citou, é de Manos Hadjidakis. A de Phaedra é de Mikis Theodorakis. Não importa se foi porque na época ele era casado com Melina Mercouri, a estrela dos dois filmes e um imenso ícone da Grécia da segunda metade do século XX. É uma honra grandiosa, gigantesca." (50 Anos de Filme)

35*1963 Oscar / 20*1963 Globo

Joele Melinafilm

Direyor: Jules Dassin

712 users / 126 face

Check-Ins 34

Date 25/07/2012 Poster - ########

[Mov 02 IMDB 3,4/10 {Video}

PIRANHAS 2 - ASSASSINAS VOADORAS

(Piranha Part Two: The Spawning, 1981)

''Clube Elysium, pode parecer um paraíso. Mas a poucos metros da praia, surge uma nova onda de terror que não poupa ninguém de sua fome selvagem e insaciável. Enquanto investigava a morte misteriosa de um mergulhador, a instrutora de mergulho Anne Kimbrough, faz uma descoberta arrepiante: peixes parecidos com piranhas e dotados de asas são os responsáveis pela morte do mergulhador. À medida que o número de cadáveres aumenta, Anne, desesperadamente tenta convencer o gerente do resort a cancelar a celebração anual do peixe frito na praia. Mas ele está determinado a proporcionar aos seus hóspedes um verdadeiro banquete." (Filmow)

Brouwersgracht Investments Chako Film Company

Diretor: James Cameron

5.034 users / 662 face

Check-Ins 78

Date 04/11/2012 Poster - ###

[Mov 02 IMDB 4,5/10] {Video/@@} M/47

PSICOSE

(Psycho, 1998)

"Todo cineasta tem um filme pelo qual se envergonhar em sua filmografia (pelo menos a maioria), e no caso de Gus Van Sant este Psicose é o dito cujo. Sério, ele podia ter passado sem essa, que só serviu pra fazer Hitchcock se revirar no caixão." (Heitor Romero)

"Que fique entendido que não é um filme ruim. Mas, a audácia de refilmar um clássico torna o projeto inútil. Copiar o original também é feio, um desserviço. Por fim, as más escalação e direção dos atores, medíocres, tornam esse o pior trabalho de Van Sant." (Rodrigo Torres de Souza)

***** "Estranha e reverencial ideia a de Gus van Sant: posto diante da hipótese de um remake do clássico "Psicose" de Hitchcock, optou por fazer um "Psicose" que fosse a retomada do primeiro, plano a plano, como a dizer não se pode melhorar o que já é perfeito. Aceitemos. As mudanças, a parte a cor, são irrelevantes: apenas adaptações ao comportamento do tempo presente. Então, será difícil responder a pergunta: para que fazer algo que apenas retoma o original? Talvez para provar que, se não se pode melhorar o perfeito, pode-se bem piorar. E o resultado é esse: sem vida, sem psicose." (* Inácio Araujo *)

"A segunda metade dos 90 representou para o diretor como uma época de intenso flerte com o mainstream. Talvez em função disso, esse seja um período bastante irregular em termos de qualidade de produção. É indicado ao Oscar de melhor diretor por Gênio Indomável (1997), seu primeiro blockbuster. Recebe, no entanto, uma série de críticas pela refilmagem de Psicose, de Alfred Hitchcock, lhe rendendo inclusive o notório prêmio “Framboesa de Ouro” por Pior Diretor. Após o abalo provocado pela péssima recepção de Psicose, o diretor sente a necessidade de uma renovação de seu trabalho. Renovação que só poderia ocorrer com um retorno às origens do cinema experimental e introspectivo." (Tubo de Ensaio)

Top 100#49 Cineplayers (Bottom Editores)

Universal Pictures Imagine Entertainment

Diretor: Gus Van Sant

33.388 users / 1.193 face

Soundtrack Rock = Sourcerer

Check-Ins 82 23 Metacritic

Date 24/09/2012 Poster - ##

[Mov 02 IMDB 5,6/10] {Video/@@@} M/50

POSEIDON

(Poseidon, 2006)

Um filme que vai contra todos os méritos do original. Mais uma refilmagem desnecessária e mal feita.

"Quando, em 1972, saiu nos cinemas O Destino de Poseidon, fora classificado como um thriller de ação, mas havia algo de diferente nele; trabalhando numa lógica de microcosmos, tínhamos um grupo de personagens enfrentando uma situação adversa, cujos laços entre eles eram apenas tão fortes seus instintos de sobrevivência, lutando não contra uma pessoa física, ou um grupo de pessoas ou seres, mas contra a situação e contra o tempo, dentro do confinado e ameaçador universo de um navio afundado por um acaso natural, funcionando como um deus-ex-machina a testar a sorte dos protagonistas e a força de vontade de escapar. Nascia o cine-catástrofe. Não só esta nova fórmula foi uma bem-vinda mudança para os thrillers, como rendeu ao estúdio 42 milhões de dólares em locação apenas; querendo lucrar tudo isso de novo com uma geração adversa a filmes antigos, mas que potencialmente se interessaria pela premissa, os produtores liberaram verba para fazer esta perversão do filme clássico. Mas engana-se quem acha estar levando mais do mesmo: Poseidon (2006) também se foca tão e exclusivamente no navio como o personagem principal, evitando estender a história para fora daquele ambiente, e acaba por aí as semelhanças com o filme original, bem como os méritos deste. Praticamente tudo que transformava o original em um grande filme e uma ótima diversão foi retirado, deixando apenas uma roupagem levemente parecida. Não que este tente modificar a história, muito pelo contrário, todos os eventos são iguais ou muito parecidos, a seqüência das cenas, tudo seguindo o manual de criatividade-zero das refilmagens, apenas adaptando a trama ao contexto atual e ao espectador atua, que – de acordo com os produtores – parece ser bem mais idiota que há 30 anos atrás. Os efeitos especiais, brilhosos e artificiais demais, nos fazem perguntar como conseguiram gastar 30x o orçamento do filme original e conseguir um resultado pior, mas diante de tantos defeitos do filme, este passa quase desapercebido. Em O Destino de Poseidon, as situações de desespero eram causadas, em grande parte, não pela adversidade em si, mas pelo eclético grupo de personagens que tentava escapar juntos da desgraça. Aqui, eles são substituídos por um grupo de jovens atletas, cujos únicos membros que distoam são um sujeito cinquentão que era bombeiro, um velho arquiteto que aparenta estar na sua melhor forma física e um garotinho de 10 anos – não surpreendentemente o mais esperto de todos. Acabou também qualquer companheirismo e união que os personagens tinham, aqui é cada um por si, de preferência ainda dando uma rasteira em quem estiver na frente. No original, quando o navio vira, há uma discussão entre os passageiros no saguão para saber o que fazer, entre aqueles não queriam fazer nada, os que já haviam perdidos as esperanças e os que queriam lutar para sair dali, resultando na tensa cena da árvore de natal; em Poseidon, afim de criar um grupo de personagens o mais antipáticos possível, atitudes como a do reverendo Frank de tentar convencer a todos que a melhor saída era permanecerem unidos e tentarem escapar é inadmissível, preferindo o grupo dos ‘espertos’ a saírem sorrateiramente, deixando os outros passageiros que seguiram a cartilha dos comandantes do navio a serem premiados com uma morte lenta e angustiante – e é curioso no mínimo que depois, o grupo que escapou fique se lamentando ao ouvir os gritos de desespero dos que ficaram pra trás. Além, é claro, de certas convenções do cinema catástrofe moderno que não poderiam faltar, como os personagens que estão lá apenas para morrer tragicamente e outros que estão lá apenas para atrapalhar nos momentos mais inoportunos, como o espoleta garotinho Conor, que, em certa hora, se desprende da mãe (outra vez) e acaba entrando não sabe como (lógico) numa sala e fica preso lá dentro, justamente (quem diria!) quando eles estão prestes a escapar. Assim como o final, que tenta imitar o drama do original, mas que acaba apenas copiando o dilema insosso de Armageddon, de tão mal construído só nos resta perguntar se alguém realmente caiu nessa jogada tosca de roteiro e se importou com personagens dos quais não sabemos nada. Aliás, sabemos alguma coisa sim, já que eles aproveitaram a única situação realmente tensa do filme para engajar numa discussão boba sobre costumes de casamento. Nem o próprio navio escapa da impiedosa mutilação da refilmagem: ameaçador e inóspito no original, aqui feito com a mais alta tecnologia para que tudo seja inflamável, e nos faz perguntar o porquê dos personagens andarem carregando lanternas, já que todos os ambientes são muito bem iluminados, mesmo submerso. A única coisa que talvez assuste são as pilhas de mortos, importadas diretamente de um filme do George Romero. Todo estruturado como um videogame de aventura nos moldes de ICO e Prince of Persia, a cada novo cômodo a câmera dá um travelling mostrando o caminho a ser seguido até a reta final, bem como as adversidades do local. O que não seria de todo mau, fossem as situações verdadeiramente interessantes e inventivas. No final das contas, que saiu pior na história foi o diretor, Wolfgang Petersen. A culpa do filme é bem mais de roteiro, de atuação e de produção do que propriamente da direção, que faz o que pode para não estragar ainda mais; mas, aos olhos da História, ele que vai sair como o culpado por ter cometido esta aberração. Se bem que, depois de Air Force One, ele já deve estar acostumado." (Roberto Ribeiro)

"Existem, basicamente, dois motivos que podem justificar uma refilmagem: dar uma nova visão, uma nova luz, a um tema já mostrado anteriormente pelo cinema, ou apresentar um assunto antigo a um público novo. Assim como o recente A Profecia, esta refilmagem de O Destino de Poseidon também só pode ser justificada pelo segundo motivo citado. Para as gerações que já curtiram o original de 1972, este remake nada acrescenta. Quem não viu o antigo pode experimentar o novo, mas com uma ressalva: o filme traz todos os cacoetes da onda cinema-catástrofe dos anos 70. A estrutura dramática é a mesma de sempre: primeiro, uma breve apresentação dos personagens tenta criar alguma empatia com público. Afinal, ninguém torce por alguém que não conhece. Depois, vem o grande fator desencadeador da catástrofe. Neste caso, uma onda gigantesca que deixa de casco para o ar um enorme e luxuoso transatlântico. Em seguida, começa o filme videogame, ou seja, o núcleo central de personagens é submetido a uma sucessão de situações-limite das quais são obrigados a escapar... Ou morrer. Uma sucede a outra com precisão matemática, como nas fases de um joguinho de computador. Daí, é sentar e deixar o tempo passar, sem levar nada muito a sério. Como entretenimento puro e simples, o filme funciona, mesmo porque esbanja nos efeitos especiais, enchendo os olhos da platéia. Quando sair em DVD, será também uma boa opção para os profissionais que fazem palestras de treinamento, já que seu roteiro é repleto de exemplos de trabalho em equipe, liderança motivacional e todos estes temas que a turma de Recursos Humanos adora. Difícil dizer se propositalmente ou não. O fato é que o elenco parece ter sido escolhido em função se suas experiências anteriores com situações catastróficas. Richard Dreyfuss esteve em Tubarão, Emily Rossum em O Dia Depois de Amanhã e Kurt Russell em Stargate. Isso sem falar em Josh Lucas, que atuou no catastrófico Stealth - Ameaça Invisível, mas isso já é outra história... O diretor alemão Wolfgang Petersen tem experiência no tema, pois foi justamente um filme sobre submarinos (o ótimo O Barco - Inferno em Alto Mar) que o lançou no mercado internacional. Depois, já nos EUA, Wolfgang não demonstrou o mesmo talento, tendo dirigido os medianos Força Aérea Um, Mar em Fúria e Tróia. E com certeza não será Poseidon o filme que reerguerá sua carreira: com um custo estimado de US$ 160 milhões, faturou pouco mais que ¼ desta soma nas bilheterias dos EUA. Com o perdão do trocadilho ruim, um verdadeiro naufrágio financeiro." (Celso Sabadin)

Remake do filme-catástrofe de 1972 é uma aventura ágil que peca pela falta de dinâmica entre os personagens.

''A falta de criatividade dos roteiristas e o medo cada vez maior de patrocinar filmes caros que fracassem nas bilheterias são os dois elementos responsáveis pelo enorme número de refilmagens lançadas pelos estúdios de Hollywood. Até mesmo produções medianas, mas já previamente testadas com sucesso diante do público, têm sido canibalizadas por essa prática. O caso de “Poseidon” (EUA, 2006) é exemplar, pois o filme assinado pelo alemão Wolfgang Petersen é a última peça de uma cadeia de obras que remete aos anos 1950. Trata-se de uma aventura de roteiro burocrático, filmada em ritmo ágil e com bons efeitos especiais, mas que carece de dinâmica entre os personagens e, principalmente, de uma história original. Oficialmente, “Poseidon” é o remake daquela obra que lançou a moda dos disaster movies (ou seja, os filmes-catástrofe), em 1972. O Destino do Poseidon, por sua vez, teve origem em romance lançado três anos antes, uma história que ficcionalizava o desastre real do Titanic, já filmado na década de 1950 nos Estados Unidos. Pode-se dizer, portanto, que a produção de 2006 atualiza um longa-metragem já baseado em um livro buscava inspiração em filmes baseados em um caso real. E também pode-se aferir, deste raciocínio, que “Poseidon” deseja tirar uma casquinha do sucesso (já antigo) de Titanic (1998). Para refazer a história do grupo de sobreviventes de um naufrágio que tinha que lutar para chegar à superfície de um transatlântico virado em alto mar por uma onda gigante, a Warner Bros escalou um cineasta experiente em filmagens aquáticas. Dois dos filmes mais bem-sucedidos de Wolfgang Petersen se passam no oceano: o ultra-claustrofóbico drama de guerra O Barco (1981) e a aventura dramática Mar em Fúria (2000). Petersen, que à época do convite saía do não muito bem sucedido Tróia, aceitou a tarefa. Entregou um filme trivial, cujo maior mérito está na recriação impecável – via direção de arte e efeitos especiais – do interior do navio virado de ponta-cabeça. Deve-se levar em consideração, claro, que há problemas com o realismo da situação. O tsunami ocorrido na Ásia, em 2004, nos ensinou que uma onda não quebra nunca em alto mar, como ocorre no filme. No mundo real, ela chegaria sem aviso, arrastando grande quantidade de água em enorme velocidade, e viraria o navio atirando-o para cima e para os lados simultaneamente, com violência. Uma catástrofe assim, porém, simplesmente não seria cinematográfica. Pareceria visualmente pouco dramática. Assim, Petersen preferiu abdicar do realismo e, com a ajuda do conceito de rogue wave (ou onda traiçoeira, que em tese aparece sem aviso e destrói barcos de vez em quando), filmou o impacto em câmera lenta e com grande quantidade de detalhes. Uma vantagem do filme é que Wolfgang Petersen tem consciência de que está realizando um filme-pipoca, com a única intenção de fazer a platéia vibrar por uma hora e meia. Ele não perde tempo desenvolvendo personagens: gasta apenas 10 minutos para mostrar rapidamente quem faz parte do grupo de sobreviventes que optará por se dirigir à superfície, contrariando as ordens do capitão. Há um ex-bombeiro e prefeito de Nova York (Kurt Russell), a filha dele (Emmy Rossum) e o namorado (Mike Vogel), um oficial da Marinha (Josh Lucas), um gay cinqüentão abandonado pelo companheiro (Richard Dreyfuss), uma latina que viaja como penetra (Mia Maestro) e uma mãe com o filho pequeno. A partir do momento em que o grupo decide rumar para a superfície, o filme assume um formato de videogame, em que os personagens precisam cumprir determinados objetivos para passar à próxima fase (ou seja, o compartimento seguinte do navio), e assim por diante, até encontrarem uma saída. De estágio em estágio, um ou outro personagem vai ficando pelo caminho, e Petersen não foge de uma narrativa burocrática e previsível, eliminando sempre as pessoas mais desagradáveis no começo e reservando um momento tocante para o final, quando um dos integrantes mais simpáticos decide se sacrificar para permitir a sobrevivência dos outros. A dinâmica entre os personagens simplesmente não existe. Aqui e acolá, alguns lampejos indicam que o filme poderia crescer como drama se esse fator fosse ampliado. O melhor exemplo está na curta cena em que a criança que integra o grupo começa a imitar o personagem de Josh Lucas, aquele que mais de aproxima do estereótipo de herói do grupo. Este tipo de interação entre pessoas submetidas a um acontecimento traumatizante é exatamente o que fazia “O Barco”, obra-prima de Petersen, um filme brilhante e um exemplo perfeito de claustrofobia cinematográfica. É verdade que o diretor alemão repete, em “Poseidon”, alguns truques aprendidos no filme de 1981. Ele realiza uma direção de arte impecável, que reproduz a decoração de um transatlântico de luxo com perfeição, inclusive de cabeça para baixo. Além disso, abusa de enquadramentos fechados e tonalidades escuras, o que acentua o clima claustrofóbico e aproxima a sensação do espectador do drama experimentado pelos personagens. Além disso, também o trabalho da equipe responsável pelo som é de tirar o chapéu – os ruídos ameaçadores que vêm do oceano e das entranhas do navio ferido lembram aos passageiros (e também ao público) que eles estão muito próximos da morte, o que eleva o grau de tensão ao máximo. Aliadas à curta duração, ao ritmo quase sempre frenético e às cenas subaquáticas filmadas de maneira bem realista, essas qualidades fazem de “Poseidon” um filme-pipoca satisfatório, desde que descontados a falta de originalidade e o excesso de estereótipos." (Rodrigo Carreiro)

79*2007 Oscar

Warner Bros. Pictures Virtual Studios Radiant Productions Next Entertainment Irwin Allen Productions Synthesis Entertainment

Diretor: Wolfgang Petersen

71.161 users / 1.330 face

Check-Ins 83 36 Metacritic

Date 24/09/2012 Poster - #

[Mov 09 IMDB 7,7/10] {Video/@@@@} M/76

PHILOMENA

(Philomena, 2013)

"Philomena" começa com a imagem de um jornalista político, Martin Sixsmith (Steve Coogan), em depressão após perder seu emprego no governo britânico. Em seguida é que entra Philomena (Judi Dench), senhora que, em sua juventude, na Irlanda, vivia num orfanato. Após uma gravidez inesperada, foi forçada pelas freiras a entregar seu filho de um ano a adoção. No dia em que o filho completaria 50 anos, Philomena tem em mãos a foto do menino que uma jovem freira lhe entregou em sigilo. É sua única prova da existência do menino. Sua angústia se manifesta com força nesse dia: quem seria hoje o menino, onde estaria, como se saiu na vida, será que algum dia ele pensou na mãe, ou chegou a lembrar-se dela? Daí começa a busca, na qual Martin se envolve por pura falta de opção. Ele despreza esse tipo de matéria de interesse humano, mas é um profissional e vai se empenhar na busca. Além de profissional, na verdade, Martin não é um grande fã do catolicismo: é ateu declarado e não compreende como ''Philomena'' pode ainda ser tão fiel à sua fé, depois da atrocidade que lhe fizeram as freiras. A partir daí a história se bifurca. Temos, por um lado, o drama (o melodrama, na verdade) de Philomena: a dor de não saber nada sobre próprio o filho, a dura luta para conseguir alguma informação só a partir da foto que, milagrosamente, ainda tem consigo. O segundo drama diz respeito à Igreja Católica, seus usos, costumes, certas crenças, seu apego à negação da sexualidade. Esse é o aspecto da história que mais parece interessar a Stephen Frears. A primeira parte da ação (a doação, na verdade venda de crianças) ocorre em 1957, pré-Concílio Vaticano 2º. E a segunda parte, em 2009, ainda no período de ortodoxia antissexualidade que marcou os pontificados de João Paulo 2º e Bento 16. Esse aspecto intransigente do catolicismo surge com força seja na figura da madre superiora (e a estranha teia que tece envolvendo a perda da castidade e os sofrimentos a que Philomena e outras pecadoras estariam condenadas), seja na de Michael, o filho, de cuja homossexualidade tomaremos conhecimento (sabe-se: os últimos papas foram restritivos quanto à sexualidade e ao uso de métodos anticoncepcionais). Se do ponto de vista da formulação intelectual esse é o eixo principal do filme, é a busca do filho perdido e o que a cerca que se mostra não raro comovente, não só pelas razões óbvias, como pela ligação que vai se criar entre essa mulher simplória e esse jornalista sabido, como a lembrar que a verdade não é feita apenas de simplicidade, mas também não só de sofisticação. Nem só de coração e nem só de intelecto. Diga-se a bem da verdade, Frears se desincumbe melhor da parte do coração. A do intelecto (a crítica à igreja) sucumbe pela frágil demonização de um ou outro personagem." (* Inácio Araujo *)

"Como sobreviver no cinema comercial contemporâneo? Eis aí a questão real que coloca "Philomena", em que Stephen Frears cede tudo, ou quase, à banalidade e ao sentimentalismo. Existe ali a história (real, no mais) de uma senhora que engravida quando era pensionista num convento católico. As boas freiras a forçam a entregar o filho. A isso junta-se a história do jornalista que, anos e anos depois, decide ajudar Philomena a encontrar o filho. Eis então o outrora livre-pensador Frears vendendo bons sentimentos, e o aceno inconformista em relação aos padrões do catolicismo não ajuda muito. Mas foi com isso que o filme entrou no Oscar; não ganhou prêmio, mas já se garantiu aí." (** Inácio Araujo **)

Novelão bem feito de Stephen Frears é alternativa para quem está cansado de ver a nova esquerda esbravejar clichês nas mídias sociais.

"Não espere do diretor Stephen Frears uma estética inovadora ou filmes visualmente impactantes: sua passagem por superproduções Hollywood produziu catástrofes como O Segredo de Mary Reilly, Herói por Acidente (Hero, 1992), ou o fraco, bobo Alta Fidelidade (High Fidelity, 2000). Com a carreira a perigo, voltou para sua Inglaterra natal e vem fazendo filmes menores, escancaradamente televisivos, com resultados variados, mas com um acerto: A Rainha (The Queen, 2006). A fórmula é clara: foco na direção de atores, quase nenhuma firula de câmera, diálogos escritos por excelentes roteiristas (quando não dramaturgos conceituados) e tramas que poderiam estar em qualquer novela brasileira. ''Philomena'', seu mais recente filme - e entre os melhores de sua carreira -, conta a história de uma mulher que teve de dar o filho em adoção na década de 60, quando a Irlanda ainda sofria com o obscurantismo da Igreja Católica. Adolescente grávida, enviada pelos pais a uma instituição religiosa que mais parecia uma masmorra da Idade Média, com freiras que deixavam as meninas sofrerem de propósito durante o parto, algumas delas até a morte, Philomena teve de trabalhar 4 anos na lavanderia do lugar para pagar os custos do nascimento do filho – tudo isso para no final vê-lo sendo levado por um casal de americanos. Apelativo? Sentimental? Popularesco? O filme tem sim algumas derrapadas populistas, com cenas tolas e gratuitas, implausíveis e mesmo estereotipadas – as freiras do convento, por exemplo, beiram a caricatura. Frears quis fazer um filme anti-clerical e exagerou, forçando o filme a um sem número de concessões populistas que enfraquecem sua estrutura. Mas há vantagens: inteligência e o bom gosto estão presentes, como o caráter humano. Frears não larga sua personagem e quando a ambivalência entra em cena, quando os maniqueísmos ficam de lado, o filme voa, sim, alto. O filme foi escrito, interpretado e produzido pelo comediante Steve Coogan (prêmio de melhor roteiro no Festival de Cannes), que faz um jornalista ressentido por ter perdido o emprego. Cínico, por vezes grosseiro com subalternos, só aceita escrever essa história de interesse humano por estava desempregado e deprimido. Com seu vocabulário Oxbridge (mistura de Oxford e Cambridge, as duas universidades da elite britânica), pronuncia o nome da personagem de maneira clássica, Failomina, em vez do mais comum Filomina. Quando recebe a proposta, dispara: para ele, essas experiências de vida nada mais eram que uma mistureba sentimental destinada a pessoas ignorantes (ou, no seu rebuscado inglês, mawkish concoction aimed to ignorant people). Vai levar uma admirável lição de vida da personagem, que serve também para a turma indignada das mídias sociais: Não comecei tudo isso para odiar ninguém, diz a enfermeira de classe média baixa, sem cultura e religiosa. É muito cansativo isso. Para preservar os leitores de spoilers, não vamos revelar a trama (uma pena, tantas discussões interessantes), mas saibam que o filme é muito mais as intervenções do jornalista cínico e desiludido com a enfermeira piedosa e sofrida do que a tal busca pelo filho perdido da trama. Dame Judi Dench, em seu segundo filme com Frears, está inesquecível. A horas tantas, vai se confessar e, de frente a um padre, não consegue dizer uma só palavra. O jornalista, ateu, diz q a Igreja é que devia pedir perdão, não ela. Que pecados você teria para confessar?, indaga. Estóica, a personagem não perde a fé; quando balança, Judi Dench está lá, firme, para defender sua personagem. Realmente tocante. O interessante é que jornalista (no caso, o ator, roteirista, produtor) e o diretor parecem andar juntos em contraponto à velha senhora católica. Vão descobrir que a senhora também tinha outros interesses. Surpresa? Nenhuma. No fim, a impressão que fica: um filme sentimental para pessoas não-sentimentais. Philomena é sofisticado e inteligente o suficiente para se deixar levar pelo mau gosto. É o mais próximo que podemos chegar de um folhetim televisivo sem chafurdar na grosseria e apelação. É Stephen Frears no seu melhor, ou seja, Ligações Perigosas (Dangerous Liaisons, 1998), clássico literário que ele dirigiu como um folhetim. Ao iluminar sua personagem principal, abrindo mão da narrativa digamos policial da trama (Hitchcock fazia o mesmo) para deixar mais espaço a Judi Dench brilhar da metade em diante do filme, some a discurseira contra a religião, homofobia, cultura pop, e entra silêncios, dúvidas e reflexões. Philomena indaga às pessoas que conheceram seu o filho se um dia ele falou da sua pátria de origem, a Irlanda, e de sua família. Envergonhada e insegura, tinha medo da resposta, tipo acusações de que ela teria abandonado o filho, o que não era verdade. No fundo, ela queria era dizer a todos que ele lhe foi tirado dela à força. Pode parecer cafona, brega e gratuito, mas esse cinema simples, de qualidade, feito de inteligência e bons atores, diretor sensível e acessível, sumiu do mapa e está cada vez mais difícil de se encontrar. A fórmula migrou definitivamente para a TV. É um caso raro, portanto. Mas na TV, o impacto talvez seria menor, perdido nas intermináveis durações das séries, nem suas firmes convicções humanistas se adaptariam ao imediatismo das mídias sociais e sua perpétua indignação vociferante. Personagens como Phimonena precisam de seu próprio tempo, porque suas inflexões são muito sutis; por isso, são ainda melhores de se ver na velha sala escura de um cinema." (Demetrius Caesar)

{Li uma reportagem muito engraçada num jornal satírico outro dia, sobre o terremoto na turquia: Deus superou os terroristas mais uma vez, O por que Deus sente a necessidade de aniquilar centenas de milhares de pessoas inocentes} (ESKS)

{O fim de nossa exploração será chegar onde começamos, e perceber o local pela primeira vez} (ESKS)

"Um relacionamento incomum e improvável através da oposição de moral e comportamento entre os dois personagens, trazidos à tela de forma sensível e, claro, naturalmente piegas." (Alexandre Koball)

"O tempo, irrecuperável, confronta mágoas e crenças. Lindo, lindo, lindo e Judi Dench é um monstro. Engraçado foi noatr que um dos filmes menos com cara de Oscar acabou se mostrando um dos melhores dessa edição." (Rodrigo Cunha)

"O primeiro ato é bem comprometido pelos apressados flashbacks iniciais. Quando a narrativa migra para os EUA, e o roteiro agrega novas camadas ao plot central (religião e homofobia), a coisa entra no prumo. O final é simplista, mas o saldo é positivo." (Régis Trigo)

"A protagonista - defendida com a nobreza de sempre por Judi Dench - é o grande achado do filme, dando um tom leve a uma obra que nem sempre acerta nos aspectos mais sérios (como nos flashbacks iniciais). Mas é divertido, agradável e por vezes tocante.(Silvio Pilau)

"Parece convencional, numa primeira olhada pode ser que alguém torça o nariz. No entanto é adorável, especialmente por Dench. É bastante consciente sobre o que deseja mostrar: a convicção inabalável de uma mãe." (Marcelo Leme)

"Bonitinho, fofinho, uma gracinha de filme... e nada mais que faça acrescentar algo na vida de alguém, apenas burocracia extrema. Lágrimas fáceis e uma grande Judi Dench. Só." (Francisco Carbone)

86*2014 Oscar / 71*2014 Globo / 2013 Lion Veneza

Weinstein Company, The Yucaipa Films Pathé BBC Films British Film Institute (BFI) Canal+ Ciné Baby Cow Productions Magnolia Mae Films

Diretor: Stephen Frears

63.429 users / 31.836 face

Check-Ins 598 41 Metacritic

Date 12/08/2014 Poster - #####

[Mov 8 IMDB 6,7/10 {video/@@@@} M/48

Projeto X - Uma Festa Fora de Controle

(Project X, 2012)

"O formato de falso-documentário está mais do que desgastado, mas aqui, mesmo entre dezenas de clichês, há um teor de novidade difícil de definir. É um filme muito divertido com alma verdadeira, algo que lembra Superbad, mas sem a mesma qualidade." (Alexandre Kobal)

"Sobre a construção de um mito contemporâneo." (Daniel Dalpizzolo)

"Lembra muito "Poder Sem Limites", que através da câmera subjetiva e da premissa da festa juvenil, também discutia a necessidade dos jovens serem aceitos pelos seus pares. Mas "Projeto X" não decola e o saldo geral é apenas boboca. Dessa festa, eu tô fora." (Régis Trigo)

"Daria um dedo para ter ido nessa festa. Mas também daria outro para não precisa ver esse filme mais uma vez." (Silvio Pilau)

"Em dado momento, diversos cortes indicam a falácia da câmera subjetiva. Ainda passa uma mensagem bem vazia dos esforços de que um jovem no Highschool é capaz pra se tornar popular, mas é razoável. Ir à festa teria sido uma experiência bem mais divertida." (Rodrigo Torres de Souza)

Que balada é essa!?

''A esta altura você já deve conhecer muito bem o nome de Todd Phillips, que faturou mais de 1 bilhão de dólares nas bilheterias ao redor do mundo com os dois filmes da franquia Se Beber, Não Case (Hangover). E é ele que, por meio de sua produtora Green Hat Films, rompe novamente as regras do que é socialmente aceitável e lança ''Projeto X'' (Project X, 2012). O filme conta a história de três adolescentes que fazem parte da turma invisível da sua escola, mas que, no aniversário de um deles, resolvem aproveitar que a casa estará vazia e fazer uma festa inesquecível. E - sem medo de spoilers, posso dizer - conseguem! Apesar de utilizar mais uma vez o estilo de filmagem encontrada (found footage) popularizado em A Bruxa de Blair, ''Projeto X'' consegue escapar das armadilhas da fórmula apresentada pelo gênero, ao focar basicamente na tal festa adolescente que foge - e muito!! - do controle, e acaba virando notícia nacional. A câmera na mão pilotada por um colega do trio protagonista faz todo o sentido aqui e te coloca no lugar em que você mais gostaria de estar, no meio da festa, dançando com muita gente bonita, tomando tudo o que aparece na frente e aproveitando ao máximo cada segundo. Somam-se à câmera principal trechos captados por iPhones, Blackberries e Flips que a produção forneceu aos atores e figurantes durante as 25 noites em que a balada durou, em Los Angeles. Já dá para imaginar que deve ter muito crítico por aí torcendo o nariz. Dou até um pouco de razão, primeiro porque as primeiras notícias que apareceram sobre o filme diziam que ele era uma comédia - o que ele não é. Mas a verdade é que este filme não é para eles, pessoas que gostam de cinema de arte, de preferênica com takes longuíssimos em que só se ouve o barulho do vento batendo no microfone. ''Projeto X'' foi feito para a geração YouTube, que vê o mundo em cortes rápidos, através das telinhas das filmadoras digitais barateadas, dos celulares que captam todas as cenas do cotidiano, enfim, do vídeo democratizado. Se você não vestir a jaqueta da Geração Y, jamais vai entender ou curtir o filme. Apesar de curto - apenas 87 minutos - o ritmo estroboscópico do longa faz parecer que ele é muito maior do que realmente é. Até aí, tudo bem. O problema é que o roteiro do promissor Michael Bacall (Scott Pilgrim, Anjos da Lei) não consegue manter o ritmo ou dar um desfecho que combine com o que havia sido mostrado até então. Ao trazer de volta um personagem que havia aparecido lá atrás, a história vira outra coisa e a festa apenas termina. Resumindo, ''Projeto X'' é um Negócio Arriscado batido com um Superbad - É Hoje, mas sem a parte cômica de um McLovin' ou o sexo no trem. De resto, estão lá a vontade de ser popular, o anseio de finalmente pegar alguém, a dificuldade de conseguir bebida, o carrão intocável do pai e até o final em que o festeiro se dá bem na vida. Como pai, eu acho que o filme realmente é uma afronta à sociedade. Mas o adolescente que ainda vive dentro de mim curtiu muito a balada." (Marcelo Forlani)

''Hoje vamos falar um pouco sobre o ''Projeto X: Uma Festa Fora de Controle'', dirigido pelo debutante Nima Nourizadeh e produzido por Todd Phillips, que ficou conhecido pelos dois filmes da franquia Se beber não Case. Um longa cercado de clichês e politicamente incorreto, que não demonstra nenhum arrependimento. Partindo de uma visão de reality show e documentário, temos uma direção propositalmente desleixada e documental, bem ao estilo found footage ou mockumentary. Algumas cenas foram feitas a partir de celulares e câmeras entregues aos figurantes e atores: uma idéia bem sucedida e executada. Os amigos Thomas, Costa e J.B., rejeitados em seu colégio, fazem a festa mais louca da escola Thomas(Thomas Mann), Costa(oliver Cooper e J.B.(Jonathan Daniel Brown) fazem parte do grupo invisível da escola. No dia do aniversário de Thomas, Costa resolve dar uma festa e finalmente entrar para o hall das estrelas do colégio. Para isso, Costa resolve documentar todo o evento em vídeo e acabará perdendo o controle sobre os convidados - para alegria de todos felicidade geral da garotada. À primeira vista, não será notada nenhuma poesia e profundidade em um filme adolescente, mas está tudo lá para se refletir. Não são eles que irão aprender nada no exato momento. Não teremos o impacto de Kids, ou veremos a moral da estória. Talvez de forma exacerbada, mas temos um retrato da juventude curtindo sem nenhuma noção do perigo e na velocidade dos novos tempos. As cenas seguem em velocidade acelerada e na linguagem que estamos cada vez mais acostumados a encontrar. Como vídeos postados na Internet, ou um grande reality show, nos tornamos expectadores de uma aventura que pode ser vista como apenas um novo Porks ou um Curtindo a vida adoidado da nova geração, mas que, na certa, deixará para os mais atentos uma leitura do que acontece em diversas festas. Claro que temos o exagero, mas aí que entra a magia do filme, e é certo que uma festa dessas já passou pela cabeça de um montão de gente. O roteiro de Michael Bacall não traz nenhuma novidade e todos os clichês de filmes teen estão presentes. Temos um bom ritmo inicial e uma velocidade interessante em maior parte do filme. Ao fim, perdemos um pouco a velocidade máxima e nos despedimos com mais um desfecho clichê. De positivo, não ter que assistir nenhuma lição final ou conscientização forçada. A garotada curtiu, sim, perdeu o controle e tudo isso faz parte do crescimento. Todos aprendemos com nossos erros. Tudo tem seu tempo." (Andre Prado)

Green Hat Films Silver Pictures

Diretor: Nima Nourizadeh

124.676 users / 29.014 face

Soundtrack Rock = White Arrows + Eminem + Yeah Yeah Yeahs + The Xx + Yeasayer + Queens of the Stone Age + The Hundred In the Hands + The Kills + Small Black

Check-Ins 97

Date 27/06/2014 Poster - #########

[Mov 09 IMDB 6,2/10] {Video/@@@@@}

PAIXÃO SELVAGEM

(Je t'aime moi non plus, 1976)

''Johnny (Jane Birkin) é uma garçonete que trabalha em uma lanchonete de beira de estrada, onde vive solitária e carente. Ela começa a se interessar pelo caminhoneiro Krassky (Joe Dallesandro), apesar dos alertas de seu chefe, Boris (René Kolldehoff), em relação à homossexualidade do rapaz. O fato é que, talvez por causa da aparência masculina de Johnny, Krassky também começa a se interessar pela garçonete, o que atiça o ciúme de Padovan (Hugues Quester), namorado do caminhoneiro." (Filmow)

{Acho lindo esse monte de merda. É a náusea das cidades. O vômito dos homens. A fonte de Styx. O rio do inferno. Na mitologia grega. Os que não eram enterrados, vagavam por suas margens pela eternidade} (ESKS)

1976 César

Président Films Renn Productions

Diretor: Serge Gainsbourg

Check-Ins 577

Date 08/06/2014 Poster - ##########

[Mov 07 IMDB 7,1/10 {Video/@@@}

PLANO DE FUGA

(Get the Gringo, 2012)

"Trabalho de Mel Gibson é cheio de energia e tem certa originalidade. Um refresco em uma carreira que demonstrava-se cansada." (Alexandre Koball)

"Ver Mel Gibson em um filme policial politicamente incorreto, bem humorado e violento é sempre um prazer. Dá até para ignorar uma coisa ou outra, principalmente as forçadas de barra da história." (Rodrigo Cunha)

"Mesmo com uma trama simples e onde nem tudo funciona, é um prazer ver Gibson voltando a interpretar o protagonista de um filme descompromissado ao misturar ação com humor. Depois de alguns esforços medianos, esta é a produção que marca o retorno do astro." (Silvio Pilau)

"Daqueles roteiros exagerados típicos em filmes de ação hollywoodianos, mas que não deixa qualquer ponta solta e oferece bom entretenimento ao explorar a melhor faceta de Mel Gibson, exibida à época de Máquina Mortífera: fanfarrão e divertido." (Rodrigo Torres de Souza)

{Um homem que não se abre com você é um homem que não se pode confiar} (ESKS)

Tragam-me a cabeça do gringo.

"O filme de estreia de Adrian Grunberg, que já havia trabalhado como assistente de direção de Mel Gibson em Apocalypto (idem, 2006), não é uma obra exatamente ruim, pura e simplesmente, e sim – entre outras coisas – refém das limitações que geralmente são imanentes a muitos primeiros trabalhos e à vontade de ser algo, mas sem ter como. Grunberg carace daquela malícia que só os gênios ou então aqueles realizadores bastante experientes têm, e isso muitas vezes salta à vista durante a projeção. Em "Plano de Fuga" (Get the Gringo, 2012), Mel Gibson interpreta um sujeito, ladrão mais que profissional, que depois de passar a mão, junto a um comparsa, numa bagatela de cerca 2 milhões, é preso na fronteira entre EUA e México. Logo ele é levado a uma prisão mexicana, que mais parece uma cidade à parte, pois lá, além dos detentos, encontramos mulheres e seus filhos, divisões sociais e até mesmo um negócio imobiliário liderado por Javi (Daniel Giménez Cacho), o grande chefão, aquele que é respeitado por todos e que cumpre sua pena gozando de diversas regalias. Tentando adaptar-se ao lugar, o “Gringo” começa a fazer aquilo que mais sabe: roubar. Em pouco tempo, conhece um garoto de 10 anos (Kevin Hernandez) com quem inicia amizade e que daí em diante o ajudará com informações preciosas sobre aquela sociedade ali formada. A primeira coisa que vemos em "Plano de Fuga" é a imagem de um cachorro e logo em seguida a de um homem guiando uma carroça. Mas não demora para que naquela região seca e com muita poeira surja o contraponto a esses primeiros elementos exibidos. Trata-se da primeira tentativa de Grunberg de preencher o tempo de seu filme com alguma cena teoricamente estimulante, algo que, mesmo com a inserção de algumas outras (cenas) onde o ritmo mais ágil parece ser tudo, só irá se repetir com considerável sucesso durante os 25 ou 30 minutos finais. Nesses momentos iniciais assistimos a uma perseguição policial, na qual estão envolvidos dois ladrões com máscaras de palhaço, um deles com hemorragia interna e vomitando sangue sobre as notas que acabaram de roubar. O carro dos perseguidos capota, o palhaço ferido morre, o motorista é desmascarado e o resto já foi contado no parágrafo anterior. Durante alguns minutos, o filme se limita quase que inteiramente à apresentação da feia e suja cadeia e à voz em off do protagonista, que nos passa algumas informações essenciais. Daí pra frente, Grunberg erra, e com certa frequência, pois a maquiagem de que dispõe para disfarçar certos problemas não é suficiente para todas as situações. Da primeira hora talvez o maior destaque seja a cena da trocas de tiros em câmera lenta, onde a personagem de Gibson consegue a façanha, que chega a ser engraçada e exagerada, de sair correndo em direção a uma granada para catá-la ainda no ar e devolvê-la para quem a atirou. Não sei, todavia, se um mestre do recurso como Sam Peckinpah aprovaria. Nas camadas menos superficiais do filme, contudo, o já parceiro de longas datas de Mel até que manda bem, especialmente quando realiza aproximações bem funcionais com o western: homem sem nome que chega a uma terra onde – quando não é um renegado do próprio lugar que como um fantasma ressurge – é simplesmente um indesejável estrangeiro; o poder capital passa a ser ameaçado pela presença do forasteiro; mulheres e crianças – cedo ou tarde – cedem ao lado carismático desse herói; e existe um momento em que para ambos os lados uma aliança é a melhor alternativa. Há ainda, lá pelas tantas, o uso do nome de Clint Eastwood; isso sem falar de seu título original, que de imediato nos traz à consciência aqueles da famigerada vertente spaghetti. Retomando, porém, o que é de fato essencial, é importante destacar que Get the Gringo tem por volta de 60 minutos de exatidão de formulário. Grunberg não deixa fios soltos, pois o choque poderia ser fatal. Entretanto, sentindo o insuportável peso que é camuflar de artifícios um filme que sem muitas dificuldades se resumiria a – talvez – metade de sua duração, ele acaba cedendo e buscando na meia hora derradeira compensar com uma sequência de cenas que, diferentemente das que assistimos até então, realmente podem nos fazer mover pelo menos um músculo facial. Esses momentos mais intensos coincidem com a saída do protagonista da cadeia, o que parece empurrar por água abaixo boa parte da força que emana deste que é o principal palco do filme. Essas cenas são bem calculadas, concebidas perfeitamente para nos livrar de certa frouxidão que acompanha algumas curvas e irregularidades a que somos submetidos durante boa parte da narrativa. É aí onde ocorre uma sutil, mas importante, mudança de tom, porque em 2/3 de projeção temos um ritmo, que não me agradou tanto, e na etapa remanescente o filme, invertendo consideravelmente esse tom, coloca a cabeça pra fora e brada que existe. Para elucidar o que digo, cabe lembrar as palavras do crítico André Setaro: O realizador que tem timing faz com que seus filmes deem a impressão de que um fio elétrico de alta tensão está inserido na estrutura narrativa. Mesmo em momentos de calmaria, há sempre uma expectativa de que algo possa acontecer. É exatamente isso que não sinto em Plano de Fuga. Até que o diretor, com seu ritmo ágil, tenta alcançar isso, mas o que havia para ser filmado era pouco e ele não soube extrair daquilo nem mais um fiapo de possibilidade – o que, por conseguinte, não pôde fazer com que esperasse nada além de um ainda mais desgastante ato final. Timing, portanto, não é só a equação perfeita que concebe cenas literalmente agitadas, ou algo do tipo, e sim o compasso que faz com que nos entreguemos ao que se coloca diante da gente, seja na exaltação ou na serenidade. Deixando aquilo que alguma maneira pode ser aproveitável para o final, Grunberg simplesmente tenta nos iludir com alguns minutos de pequenos êxtases, tática muito malandra e costumeira que geralmente esconde desajustes narrativos. O que resume esse debute é, antes de qualquer coisa, a falta do que dizer. Se o observarmos bem, constataremos que seus problemas de pique muito se aliam à escassez do que filmar, porque não há muito a ser transmitido ao espectador, quase todas as cenas mais atraentes da história se concentram em sua última meia hora e tudo que precisamos conhecer já está metodicamente disposto na primeira parte. Assim fica difícil manter o fio condutor. É como ter 2 horas para fazer um pornô sem cortes. Mas como Grunberg é esperto, buscou segurar as pontas e não se tornou inteiramente exaustivo, pois, do contrário, meteria de vez o pé na jaca. O jeito foi tentar ocupar pelo menos uma hora com alguns ornatos que jamais falham com a maioria do público: momentos de inegável habilidade de Gibson; uma explosão aqui, um tiro acolá; uma piada sem compromisso de vez em quando; umas sacadas típicas de filmes de gênero e mais um punhado de coisas que não precisam ser citadas aqui porque identificá-las é tarefa fácil para qualquer espectador. Tudo isso, claro, está aliado a uma montagem que não foge à regra. Assim sendo, ao contrário do que parece, Plano de Fuga não é algo completamente descartável. Para muitos a sessão certamente será compensadora, apesar dos desmantelos." (David Campos)

Mel Gibson roteiriza, produz e estrela seu novo filme de ação - e continua mandando bem!

''Ainda no começo deste ano foi divulgado que ''Plano de Fuga'' (Get The Gringo, 2011), novo filme roteirizado, produzido e estrelado por Mel Gibson seria lançado nos Estados Unidos direto em Video on Demand (sistema de pay per view que deixa os espectadores pagarem para ver o filme em casa, quando quiserem), pulando assim uma estreia nos cinemas. Tal atitude pode ser facilmente entendida pela atual ruptura do ator/cineasta com Hollywood, depois de andar bebendo demais, ter arranjado problemas com a ex-esposa e, principalmente, ter desfilado um anti-semitismo justamente na terra que é controlada - em grande parte - por judeus. O boicote já havia prejudicado sua participação em Se Beber, Não Case! Parte II (The Hangover Part II) e parece longe de acabar. Enquanto isso, ele vai fazendo seus filmes independentes. ''Plano de Fuga'' é tudo isso e ainda uma auto-prova de que ele ainda aguenta estrelar um filme de ação, correndo, atirando e mantendo a pose aos 56 anos. O projeto foi rodado majoritariamente na mesma cidade de Veracruz, no México, onde ele filmou Apocalypto e o diretor estreante é o argentino radicado no México Adrian Grunberg, que foi primeiro assistente de direção de Gibson no épico maia. A falta de experiência aparece em alguns momentos, mas não compromete. O filme começa com uma perseguição de carros na fronteira entre Estados Unidos e México. Após ser preso, o protagonista é logo levado para a cidade-presídio de El Pueblito. O local, ele vai descobrir, é comandado por uma família de bandidos locais, que dá ordens até mesmo no diretor do presídio e tem por ali tratamento de rei. O comércio local é liberado e o pagamento não se restringe apenas a cigarros. Após usar suas artimanhas para conseguir os primeiros trocados, que lhe renderão um certo conforto, Driver (Gibson) é abordado por um menino de 10 anos e vai aprendendo com ele mais sobre o local e seus costumes. O roteiro - com final bastante previsível, mas um bom desenvolvimento - mostra tudo o que há de mais politicamente incorreto. É boca suja, todos os mexicanos são corruptos e corruptíveis, o local é um grande lixão superpovoado e o menino faz de tudo para conseguir saciar seu vício com a nicotina. Este cenário, que poderia perfeitamente ser mostrado em um filme ambientado no Brasil, é tão ou mais interessante que os próprios personagens - principalmente os secundários, que são completamente bidimensionais. Além de toda a ação e a parte detetivesca de descobrir por que ele está ali, o que ele roubou e de quem, e como fará para sair daquela, o filme também se utiliza bastante do humor. Um humor diferente, que não tem medo de arriscar para arrancar um sorriso do rosto do espectador, e até a gag física, do tapa na cara do palhaço - literalmente. Ainda no cenário mexicano, Mel Gibson vai em breve estrelar como o vilão de Machete Kills. Resta saber quando é que Stallone o chamará para entrar para a trupe dos seus Mercenários. Em Plano de Fuga ele prova mais uma vez que ainda é um ótimo astro de ação e mantém a sua cara e jeito de louco desde os tempos de Máquina Mortífera." (Marcelo Forlani)

''Depois de algum tempo longe do cinema, no qual se dedicou com afinco a protagonizar escândalos, Mel Gibson voltou à ativa em 2009 com o policial O Fim da Escuridão, um retumbante fracasso. Seguiram-se mais alguns escândalos envolvendo excesso de álcool, prisões, antissemitismo, homofobia e agressão até que Jodie Foster o resgatasse no bom drama Um Novo Despertar. Mas os fãs queriam velho Gibson, o cara carismático e durão de séries como Máquina Mortífera e Mad Max. ''Plano de Fuga'' não tem o vigor necessário para reaver a carreira do ator. Tanto que nem chegou às salas de cinema americanas, sendo lançado direto em VOD (Video on Demand). Mas se está difícil para Gibson recuperar o prestígio, a culpa, definitivamente, não é do filme. A indústria de cinema estadunidense é até bastante indulgente com os arroubos de suas estrelas, mas fica difícil perdoar um astro que bate em mulher, critica judeus, negros, homossexuais e toda e qualquer minoria, além de não perder a oportunidade de se mostrar arrogante e megalomaníaco quando pode. Existe um limite, mesmo em Hollywood, e o ator parece tê-lo excedido. ''Plano de Fuga'' não foi ignorado por sua qualidade. Coescrito e produzido pelo ator, o longa marca a estreia na direção de Adrian Grunberg (assistente de direção de Gibson em Apocalypto). Tem início com uma ótima sequência de abertura, com o astro de Coração Valente ao volante de um carro sendo perseguido pela polícia, vestido de palhaço e com alguns milhões de dólares no banco de trás. Sem grandes pretensões, mas bem conduzido, o filme resgata o Mel Gibson dos velhos tempos: sarcástico, sensível (só o necessário) e perigoso no papel de um ladrão que passa o infortúnio de parar em El Pueblito, um presídio mexicano insólito e violento. Controlado por bandidos e policiais corruptos, o local funciona como uma pequena cidade onde pessoas não condenadas convivem com os criminosos, o comércio é livre e existe um esquema de saídas relegado aos chefões locais. Gringo, como fica conhecido o personagem de Gibson, só quer reaver seu dinheiro e dar o fora dali. Antes, se envolve com um morador local, um menino esperto cuja vida tem uma relação bizarra com a do chefão do presídio. O que segue são cenas de ação e tiroteio muito bem dirigidas, diálogos divertidos e uma trama intricada na qual tudo se encaixa a contento graças ao roteiro bem-amarrado. O filme tem certa previsibilidade, mas é agradável de ver muito em virtude do carisma do ator. Plano de Fuga não vai resgatar Gibson do limbo nem entrar na galeria de seus melhores filmes, mas é uma boa diversão descompromissada, ainda mais para quem estava com saudades de ver o ator fazer o que sabe melhor." (Roberto Guerra)

Airborne Productions Icon Productions

Diretor: Adrian Grünberg

71.675 users / 12.700 face

Soundtrack Rock = Ten Years After

Check-Ins 105

Date 05/02/2013 Poster - ####

[Mov 08 IMDB 7,3/10 {Video}

PÂNICO NAS RUAS

(Panic in the Streets, 1950)

"Pânico nas Ruas" é um momento privilegiado para conhecer o cinema de Elia Kazan e sua personalidade. Ali desenvolve, antes ainda de ser molestado pela Caça às Bruxas, sua ideia sobre a delação necessária. Estamos em situação limite: por um navio, a peste chegou ao porto e ameaça expandir-se. Qual o único mecanismo capaz de impedir sua proliferação descontrolada? A delação, como veremos. Tudo aqui evoca a dificuldade de viver, a estreita margem de manobra do humano frente ao mundo. Kazan pensava com a própria cabeça. Isso lhe custaria um preço enorme em troca de uma bela obra, que teria como ponto de chegada O Último Magnata.'' (* Inácio Araujo *)

23*1951 Oscar / 1950 Lion Veneza

Twentieth Century Fox Film Corporation

Diretor: Elia Kazan

4.230 users / 240 face

Soundtrack Rock = Billie Holiday

Check-Ins 129 Date 10/03/2013 Poster - #########

[Mov 03 IMDB 6,8/10 {Video}

PAR OU ÍMPAR

(Pari e Dispari , 1978)

''Com o apoio de Johnny Firpo (Terence Hill), Amiral O’Connor declara guerra contra Parapolis, o Grego, líder de uma rede de jogos e apostas de Miami. O meio-irmão de Johnny, Charlie (Bud Spencer), é um ex-jogador que trabalhava para Parapolis e é agora um motorista de caminhão. Ele não pretende retornar ao submundo do jogo, mas Johnny o convence inventando que aquela é a única maneira de pagar uma operação para seu pai, que está ficando cego. Juntos eles vão lutar contra toda gangue de Parapolis para depois enfrentar um problema ainda maior: o que fazer com os milhões que conseguiram ganhar?'' (Filmow)

Columbia Pictures Corporation Derby Cinematografica

Diretor: Sergio Corbucci

3.735 users / 117 face

Check-Ins 140

Date 18/03/2013 Poster - #

[Mov 05 IMDB 4,9/10 {Video/@} M/48

POPEYE

(Popeye, 1980)

{Deus deve ter aportado aqui, por que mais nos deixaria perdidos aqui. Onde o ar é agradável e puro. Doce "Zweethhaven", a ilha do Popeye} (ESKS)

*** ''Robin Williams vai bem como o marinheiro Popeye, mas não se pode imaginar outra que não Shelley Duvall para fazer Olivia Palito em "Popeye", o muito rejeitado filme de Robert Altman, que vi com prazer há uns bons anos, em grande parte devido à escolha (e ao desempenho) dos atores, mas também porque a adaptação da aventuras do marinheiro (feita por Jules Feiffer) me pareceu graciosa e fiel ao espírito do original. Não sei como terá envelhecido esse filme de 1980, mas vale uma espiada, em todo caso." (* Inácio Araujo *)

***** ''Se existe um filme de Robert Altman objeto de desprezo este é "Popeye". Pessoalmente, eu o colocaria na galeria dos subvalorizados. Isso porque é difícil um personagem de animação dar certo quando passa a atores de carne e osso. Ora, Robin Williams está perfeito como o velho marinheiro e não há ninguém melhor que Shelley Duvall para dar carne e osso (muito mais osso) a Olivia Palito. No filme, os dois se conhecem e se apaixonam, claro. E Popeye enfrentará seu velho inimigo Brutus, também indispensável. Pode-se apreciar, ainda, fotografia de Giuseppe Rotunno e roteiro de Jules Feiffer, bastante fiel à saga já célebre - que não exclui nem as baixezas de Brutus nem sua queda por Olivia e, menos ainda, a força que o espinafre dá a Popeye -, e Altman deu-lhe uma forma cinematográfica de acordo.'' (** Inácio Araujo **)

''Aventura semi-esquecida oferece a chance de ver grande produção infantil dirigida por Robert Altman. Um cineasta iconoclasta e autoral, especialista em montar complexas teias de relações humanas, no comando de uma produção infanto-juvenil? Vista em retrospectiva, a decisão da Paramount em pôr o cineasta Robert Altman no comando de “Popeye” (EUA, 1980) já prenunciava um fracasso antes mesmo que uma única polegada de celulóide fosse rodada. Deu no que deu: renda nas bilheterias abaixo dos US$ 50 milhões, quantia minúscula para um longa-metragem que trazia como protagonista um dos personagens mais populares dos desenhos animados da TV norte-americana. Se conferido com atenção, o trabalho não é exatamente ruim. “Popeye” tem qualidades: a escalação do elenco é impecável, a caracterização dos personagens ficou perfeita, e os cenários põem o espectador diretamente no ambiente de um porto. A Paramount não economizou na pré-produção: mandou erguer uma cidade inteira, na ilha de Malta, durante sete meses de trabalho duro, e o resultado é tão bom que seria possível sentir o cheiro de peixe, se o filme tivesse odor. No entanto, os longos números musicais e as raras e anêmicas seqüências de ação deixam o filme com cara de aventura para adultos. Não são poucos os críticos que põem “Popeye” como o pior trabalho de toda a carreira de Altman. Considerando a qualidade geral dos filmes que o cineasta dirigiu (M.A.S.H., Nashville, Short Cuts – Cenas da Vida e Jogos e Trapaças – Quando os Homens São Homens), este fato não chega a ser desabonador; não é nem mesmo uma surpresa. De qualquer forma, o longa-metragem vale uma conferida atenta, nem que seja para avaliar a estréia do comediante Robin Williams no cinema. No papel-título, turbinado por um par de braços de espuma e murmurando frases incompreensíveis a todo momento, o ator impressiona pela semelhança espantosa com o marujo comedor de espinafre das tirinhas. Boa parte da má vontade de público e crítica com “Popeye” vem do fato de que o roteirista Jules Feiffer privilegiou a fase inicial do personagem, roubando elementos nas tirinhas de jornais dos anos 1930 para criar a história. Naquela época, só para citar um exemplo de como Popeye era diferente, o marujo odiava comer espinafre – isto só acontece uma vez nos 114 minutos da aventura, e olhe que o personagem engole a pulso a latinha esverdeada, cujo conteúdo é empurrado goela abaixo pelo eterno inimigo Brutus (Paul L. Smith, numa ótima caracterização). No todo, é uma história simples, que começa com a chegada de Popeye no porto de Sweethaven. O marujo viaja pelo mundo procurando o pai desaparecido. Na cidade dominada pelo violento Brutus (Altman usa rosnados de tigres para criar os ruídos ferozes que o personagem faz quando está comendo), ele conhece e se apaixona por Olívia Palito (Shelley Duvall, perfeita no papel), adota o pirralho Gugu (Wesley Ivan Hurt, neto do diretor) e implica com o comedor de hambúrgueres Dudu (Paul Dooley). Um enredo simples e direto, esticado excessivamente pelos longos e desnecessários números musicais, com coreografias explicitamente inspiradas em números de circo – Altman contratou malabaristas e ginastas para interpretar os habitantes da cidadezinha. Além disso, há pouquíssimas seqüências de ação. Na única cena longa que merece ser chamada assim, o cenário é adornado por uma patética lula gigante de borracha que não faria feio num filme de Ed Wood, mas provoca constrangimentos em uma produção tão cara. “Popeye” vale pela curiosidade de ver Altman no timão de uma aventura infantil, mas não deixa saudades." (Roberto Carreiro)

Paramount Pictures Walt Disney Productions

Diretor: Robert Altman

19.200 users / 2.297 face

Check-Ins 150

Date 07/05/2013 Poster - #####

[Mov 07 IMDB 7,2/10 {Video/@@@@} M/65

PROMETHEUS

(Prometheus, 2012)

"O desacreditado Ridley Scott tratou muito bem a franquia que o lançou. Prometheus é melhor do que o esperado e uma ficção científica revigorante. Um raro motivo para desejar uma sequência." (Alexandre Koball)

"Boa expedição espacial bem filmada por Scott e abarrotada de referências. Abre com potencial crítico e reflexivo, termina como um thriller. É bem realizado em ambos." (Marcelo Leme)

"Scott merece aplausos por inserir ideias e questionamentos de verdade, mas o roteiro jamais se completa, deixando muitas lacunas e furos. Ainda assim, é um filme muito bem executado, com diversos bons momentos. Mas poderia - e deveria - ter sido melhor." (Silvio Pilau)

"As questões são levantadas com obviedade e se desenrolam de forma cretina. Os personagens são clichês e repeteco do passado. A discussão sobre Deus é boicotada por um roteiro que não quer se comprometer nem aqui, nem acolá. A direção também não se salva." (Emilio Franco Jr)

"Ridley Scott volta ao que sempre deu certo com seu cinema e faz de Prometheus uma grande produção visual, que apesar de não se mostrar tão profundamente filosófica como promete, brilha quando encontra paralelo com o personagem mitológico de seu título." (Heitor Romero)

"As personagens são uma cambada de malas e o filme nem sempre mantém o pique. Mas Scott por vezes consegue explorar bem os pontos limítrofes da ficção científica e construir uma meia dúzia de momentos realmente apreciáveis. Mas acho que é só." (David Campos)

"Embora privilegiado por um roteiro cheio de conveniências (negligência e ingenuidade duma tripulação espacial inconcebíveis) e cercado de ideologia rasteira, tecnicamente excelente, explora bem rimas visuais com Alien e tem ação na medida certa." (Rodrigo Torres de Souza)

"Boa expedição espacial bem filmada por Scott e abarrotada de referências. Abre com potencial crítico e reflexivo, termina como um thriller. É bem realizado em ambos." (Marcelo Leme)

"O que o mundo menos precisava era de uma versão sentimentalóide e melodramática de Alien." (Bernardo D I Brum)

Mexeram com quem estava quieto.

''Muito se falou sobre este ''Prometheus'' (idem, 2012) quando ele foi anunciado, o famoso prequel de Alien – O Oitavo Passageiro (Alien, 1979). A desconfiança era grande, afinal, o retrospecto recente de Ridley Scott não é dos melhores: se O Gângster (American Gangster, 2007) apresenta-se como um grande filme, Robin Hood (idem, 2010), Um Bom Ano (A Good Year, 2006) e Cruzada (Kingdom of Heaven, 2005) não são títulos lá muito animadores. Porém, conforme os trailers e novas informações foram sendo divulgados, criou-se uma certa esperança de se ter o retorno daquele cineasta que um dia entregou filmes como o próprio Alien e Blade Runner - O Caçador de Andróides (Blade Runner, 1982). Bom, certamente Prometheus está longe de ser um desses trabalhos mais conceituados de Scott, mas também não pode ser visto com um olhar indiferente. A boa verdade é que de prequel de Alien essa fita nada tem. Sim, há uma ponte com o original, assim como é o mesmo universo. Também é o retorno de Scott para a ficção científica voltada para a ação, com uma fotografia perfeita que conecta genialmente os filmes ao recriar aqui a mesma ambientação alcançada lá no final dos anos 70. Mas só. O tipo de abordagem é diferente, os objetivos são diferentes. Não estamos enclausurados em uma nave em busca de sobrevivência, mas sim em um planeta distante da Terra em busca de respostas sobre a existência humana. Depois de indícios de que o homem pode ter vindo de uma raça alienígena, uma expedição embarca na nave Prometheus e segue pistas até um planeta distante, onde descobrem perigos que não colocam apenas suas vidas em risco, mas também de toda a humanidade. Lógico que Scott não é Kubrick e muito menos Tarkovsky, mas as inspirações tanto em 2001: Uma Odisséia no Espaço (2001: A Space Odyssey, 1968) quanto em Solaris (Solyaris, 1972) são óbvias. Prometheus é muito mais filosófico em seu discurso do que Alien, e isso cria um clima mais épico, principalmente pelas imagens distantes; planos gerais que mostram naves imensas, que perto de planetas ficam minúsculas, assim como montanhas, chuvas e demais ambientações magníficas. Visualmente, ''Prometheus'' é riquíssimo e proporciona uma experiência como poucos filmes do gênero conseguem hoje, ainda mais se visto em alta definição. A ambientação é forte e, mesmo que o público comum não perceba, é levado a reconhecer esse ambiente. Deixando os efeitos especiais impecáveis apenas para quando são necessários, há muitos cenários sendo feitos em estúdio de maneira convincente, à moda antiga, resgatando um tipo de ficção que não se faz mais, suja, explícita, escura, caótica, sem frescuras. O sentimento é de que estamos vendo um trabalho dos anos 80 feito nos dias de hoje, com direito a luz contra a lente e tudo, tanto por seu desenvolvimento paciente quanto por suas decisões e personagens. Por falar neles, algumas ações da equipe podem ser vistas como ingênuas ou estúpidas para o naipe de seus currículos, porém, o lado humano e sua reação ao inesperado são conhecidos não de hoje. Então, quando um personagem tenta interagir com um ser de porte ameaçador, sabemos que muita gente faria o mesmo, ou pela curiosidade, ou pelo medo. Apesar de contar com um vasto elenco, há dois nomes que devem ser destacados dos demais. Michael Fassbender é David, o robô apresentado no começo do filme que auxilia a equipe com informações e tudo o que for necessário. Apesar de estar sempre com um discurso amigável, suas intenções nunca ficam claras e ele é, de longe, o personagem mais complexo e interessante de Prometheus. Sua inspiração em Hal 9001 de 2001 é clara e pertinente. Já Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) é a nova Ripley e sofre com a sombra da heroína do filme original. Porém, Noomi se sai maravilhosamente bem e convence não apenas como intelectual, mas quando precisa lutar por sua vida – Scott sempre se deu bem com personagens femininas fortes. A cena da operação é uma das mais tensas do filme e certamente fará algumas caras virarem quando estiver em tela. Encerrando sem fechar tudo o que abriu para discussão (o que era esperado, afinal, um dos roteiristas é ninguém menos que Damon Lindelof, de Lost), Prometheus é uma viagem sensacional que se prende um pouco demais na parte filosófica e que provavelmente decepcionará quem esperar um discurso um pouco mais profundo. Porém, quando o filme esquece disso, volta a ser aquilo que faz de melhor e que todos esperavam dele: entretenimento eficiente, abastecido por uma produção impecável e personagens com força para marcar história. Potencial tem, basta lembrar que Prometheus é Prometheus, e não Alien, como alguns assim esperam." (Rodrigo Cunha)

{Se você não pode estar com quem você ama, ame a pessoa que está com você} (ESKS)

Vamos falar sobre sexo?

''Prometheus'', o prelúdio de Alien - O Oitavo Passageiro que conta a história de uma expedição espacial a bordo da nave que dá nome ao filme, marca não só o retorno de Ridley Scott à franquia e ao gênero da ficção científica depois de 30 anos, como também responde a uma das mais perturbadoras questões que assolam a humanidade: afinal, quem veio primeiro, o ovo ou a galinha? Há outras perguntas, claro, como aquela feita pelo escritor Erich von Däniken no livro de 1968 Eram os Deuses Astronautas?, que Scott diz homenagear com o filme. Embora Prometheus aborde as supostas origens extraterrestres da raça humana, porém, é de maternidade, em particular, que trata todo Alien. E este prelúdio, assim como os demais longas da série, reorganiza de um modo menos sutil e mais calculado as metáforas feministas propostas em O Oitavo Passageiro. Sem Ellen Ripley (que segundo o cânone nasceu na Lua terrestre em 2092, um ano antes da chegada da nave Prometheus à lua LV-223 nos confins do universo), temos agora como protagonistas a cientista Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) e a executiva Meredith Vickers (Charlize Theron). A primeira acredita que a humanidade veio de alienígenas e quer conhecê-los, já Meredith busca resultados mais práticos na viagem que a empresa dela, a Weyland, financia com base nos estudos de Elizabeth. Credulidade e racionalidade opõem as duas, mas como estamos no terreno de Alien há mais diferenças em jogo. Elizabeth diz ser estéril e se ressente de não poder ter filhos, enquanto Meredith se orgulha de seu sexo; quando o piloto negro e forte da Prometheus dá em cima da fria loira, ela só cede na hora em que o homem questiona se ela não seria, na verdade, uma robô. Como em todo Alien, a afirmação pessoal é acima de tudo uma demonstração do sexo - o que consequentemente leva à questão materna e ao velho nó do ovo e da galinha. O retorno não só de Scott mas também do suiço H.R. Giger, o criador do design do alien original, como consultor em ''Prometheus'' rende uma nova leva de símbolos - das cobras fálicas ao engenheiro (nome dado ao criador da raça humana) retratado como um ultramacho, com seus músculos definidos - então os desafios às mulheres só aumentam. Estamos em um sci-fi de terror sobre violações e fecundações, afinal, e há uma cota de secreções viscosas a atingir. O 3D valoriza essa variedade de texturas quando as ressalta da tela - não só as gosmas mas também o vapor, o metálico, o terroso - e torna Prometheus mais táctil, mais imersivo. De resto, convém não esperar nenhum milagre do cinema. ''Prometheus'' reproduz o primeiro Alien não só no subtexto, mas também na estrutura, que envolve novamente um contato prometéico com o desconhecido, que então gera um castigo do espaço a ser resolvido com muitos sacrifícios. Descontados os atalhos apressados da narrativa, os diálogos literais e os desencontros de continuidade (Prometheus não se encaixa perfeitamente com a situação em que encontramos o Space Jockey em Alien), o filme tem seus momentos. A cena do parto, especialmente, é linda, com a injeção de anestesia paralisando a câmera à altura dos olhos da pessoa deitada, que então assiste ao resultado do seu desafio aos deuses. Nesse sentido, Prometheus, embora tenha toda uma vocação para a megalomania, é muito coerente com outros Alien, que não são mais do que contos de cautela sobre o horror de ser mulher em um universo de homens.'' (Marcelo Hessel)

''O retorno de Ridley Scott ao gênero que ajudou a definir no cinema era algo muito esperado pelos fãs desde 1982, quando lançou seu último filme de ficção científica Blade Runner e nada poderia ser mais apropriado do que um prólogo de Alien. Com boa parte da tensão e visual que estamos acostumados a ver em produções anteriores do cineasta, Prometheus é um filme ambicioso que até pode ser considerado o Alien do século 21, porém isso não significa que ele cumpra a expectativa criada a sua volta. A questão é que o longa é ambicioso demais e acaba sem conseguir abarcar tudo o que pretende. Ele trata da procura por respostas sobre a criação da humanidade e isso nos leva a uma lua distante, a bordo da nave que dá nome ao longa-metragem, onde nos deparamos com momentos de terror e mortes violentas. É exatamente a tentativa de misturar essas profundas questões com a obrigação de dar sustos e ter cenas chocantes gratuitas que impede o filme de ser melhor do que é. O interessante é que desde o início ''Prometheus'' procura se distanciar de Alien (é importante saber disso ao ir ao cinema), porém recicla muitos elementos que deram certo no clássico de 1979 e, sem vergonha de beber da mesma fonte, constrói aos poucos uma atmosfera de tensão e paranoia. Só que em nenhum momento a coisa fica tão séria quanto a bordo da Nostromo (nave onde Ripley era tenente), pois as motivações dos personagens são claras demais quando não deveriam e obscuras quando não precisavam ser – o que dá um tom artificial em alguns momentos – principalmente porque Alien já fez tudo isso antes. No entanto, isso não impede que tenhamos atuações sólidas e convincentes. Michael Fassbender rouba a cena mais uma vez, como já havia feito em X–Men: Primeira Classe. O ator interpreta o androide David de uma forma assustadora e bizarra, sem sentimentos, ao ponto de incomodar o espectador que observa, passivo, decisões importantes serem tomadas por uma máquina sem medo e sem consideração pela vida humana. A personagem de Noomi Rapace (Os Homens Que Não Amavam As Mulheres), a arqueóloga Elizabeth Shaw, não chega aos pés da eterna tenente Ripley (Sigourney Weaver), porém consegue conquistar o público com seu jeito sonhador, aparentemente frágil e muito mais feminino. Charlize Theron (Branca de Neve e o Caçador) mais uma vez está bem, desta vez no papel da inescrupulosa e bela Vickers. Uma pena que a executiva da Weyland Corp. seja um tanto dispensável para a trama – se melhor explorada, seria capaz de contribuir para o clima de paranoia, tão importante em Alien - O Oitavo Passageiro. É claro que o grande astro do filme é o show de imagens, sons, luzes e efeitos. Os cenários são realistas e detalhados, a sala com a cabeça humana gigante dá calafrios e o clima de Alien aparece com força em alguns deles – ponto para o quesito nostalgia. É impressionante a forma com que os motores da nave ''Prometheus'' fazem o cinema tremer – a intensidade é assustadora. As criaturas e, consequentemente, as cenas de sustos são exatamente como esperamos – coisa de quem sabe o que está fazendo. Até o 3D vale o ingresso. Quem curte sci–fi vai perceber que a ciência ficou de lado e a tecnologia – muito mais clean e avançada do que no filme que se passa 30 anos no futuro – funciona apenas como ferramenta narrativa, sem muito embasamento, mesmo dentro do gênero. Os problemas aparecem até durante a simples analise do material genético de um extraterrestre, cujo resultado não é convincente, e olha que não sou especialista em DNA. No final das contas parece ser uma forma gratuita de negar as teorias de Charles Darwin e justificar o US$ 1 trilhão (que em 90 anos nem será tanto assim) investido na construção da nave. Como fã de ficção científica, é impossível não gostar de Prometheus, um dos poucos bons filme do gênero dos últimos anos, que teve alguns destaques como o suíço Cargo, A Origem e Star Trek. Entretanto, é inegável que a aventura futurista de Ridley Scott patina um pouco do meio para o final, é previsível e, às vezes, dá a sensação de que existiam certas obrigações (impostas pelo estúdio?) a serem cumpridas – como a explosão de uma criatura nojenta saindo do peito de alguém. Ainda assim, seu magnífico visual, boa trama e atuações fazem do longa uma obra que vale a pena ser vista. Só não vá ao cinema esperando assistir a algo tão impactante como Alien – O Oitavo Passageiro.'' (Daniel Reininger)

85*2013 Oscar

Twentieth Century Fox Dune Entertainment Scott Free Productions Brandywine Productions

Diretor: Ridley Scott

360.302 users / 93.399 face

Soundtrack Rock = Stephen Stills

CHeck-Ins 175

Date 02/06/2013 Poster - #####

[Mov 03 IMDB 4,9/10 {Video/@} M/42

PERDIDOS NO ESPAÇO - O FILME

(Lost in Space, 1998)

''Na segunda metade do século XXI, as fontes de energia de origem fóssil estão para serem esgotadas. Na tentativa de salvar a raça humana os cientistas construíram um portal que permite que a viagem na velocidade da luz possa ser possível, mas só se existir um outro portal para receber os viajantes. Com isso, um cientista (William Hurt) e sua família são escolhidos para viajar em velocidade normal até o local onde o segundo portal deve ser construído, numa viagem que durará dez anos e onde os tripulantes ficarão criogenicamente congelados até chegarem em Alpha Prime, o único planeta habitável conhecido. Porém, um outro cientista (Gary Oldman) sabota a espaçonave para que um robô mate os tripulantes dezesseis dias após a partida, mas acaba sendo vítima da própria trama, pois ele é traído por seus comparsas e fica preso na nave. Assim, colabora com os demais tripulantes para poder salvar a si mesmo, mas quando a espaçonave é atraída para o sol em virtude do forte campo gravitacional a chance deles sobreviverem é ativarem a hiper velocidade, mas sem um portal do outro lado são arremessados a lugar desconhecido do espaço sideral. Totalmente perdidos, eles se defrontam com uma infinidade de perigos que os ameaçam constantemente e tentam encontrar Alpha Prime para construírem o segundo portal, que é a única esperança da população da Terra." (Filmow)

New Line Cinema Saltire Entertainment Irwin Allen Productions Prelude Pictures

Diretor: Stephen Hopkins

52.064 users / 898 face

Soundtrack Rock = Apollo 440 + The Propellerheads + Death In Vegas + The Crystal Method

Check-Ins 192

Date 08/06/2013 Poster - #

[Mov 01 IMDB 3,9/10 {Video/@} M/24

PIRANHA 2

(Piranha 3DD, 2012)

''Desta vez, as vorazes criaturas pré-históricas invadirão um lotado parque aquático, o Big Wet Water Park , bem no meio da temporada de verão.' (Filmow)

"Muito superior ao primeiro pois tem um par de cenas genuinamente engraçadas. Mas não deixa de ser outro grande WTF!" (Alexandre Koball)

Top 200#157 Cineplayers (Bottom Usuários)

Dimension Films Mark Canton Productions Intellectual Properties Worldwide (I) Neo Art & Logic

Diretor: John Gulager

26.456 users / 14.605 face

Check-Ins 198

Date 10/06/2013 Poster - #

[Mov 04 IMDB 5,9/10] {Video/@@@} M/39

PERCY JACKSON E O MAR DE MONSTROS

(Percy Jackson: Sea of Monsters, 2013)

TAG THOR FREUDENTHAL

{esquecível}

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Sinopse

''Percy e seus amigos estão na busca pelo Velocino de Ouro, o único artefato mágico capaz de proteger o Acampamento Meio-Sangue da destruição. É com essa missão que ele e outros campistas partem para uma eletrizante viagem pelo Mar de Monstros, onde deparam com seres fantásticos, perigos e situações inusitadas, que põem à prova seu heroísmo e sua herança. Está em jogo a existência de seu refúgio predileto e, até então, o lugar mais seguro do mundo para eles.''

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[Mov 05 IMDB 7,3/10 {Video/@@@@@}

PLANETA TERROR

(Planet Terror, 2007)

"Em "Planeta Terror", Quentin Tarantino é produtor e ator. Aliás, Tarantino sempre dá uma força para Robert Rodriguez. Deve ser para que, pela comparação, todos possamos renovar nossa admiração por ele mesmo quando não dirige o filme. Em "Planeta Terror", o enigma sugerido é: como arranjar as peças para chegar a um horror tão pouco memorável. Se é para levar a sério, as possibilidades são mínimas. Existe, para começar, um grupo de mutantes (vítimas de uma história na Guerra do Golfo) que precisa inalar gás para não se dissolver e que sai de uma base militar comendo os passantes. Há, em seguida, um hospital, onde são recebidas vítimas dos mutantes e onde há um casal de médicos perversos (em relação aos pacientes e em relação a um ao outro). E existe o herói El Wray (Freddy Rodríguez), um fora-da-lei disposto a reconquistar sua amada, a dançarina Cherry (Rose McGowan). Os clichês se acumulam fazendo lembrar uma multidão de filmes -de zumbi, de médicos dementes e outros. Não são mais do que clichês que, à força da obviedade, Rodriguez -como em outros de seus filmes- parece querer nos fazer acreditar que está acima deles. Pode-se pensar então em um efeito cômico. Também não dá pé. Se comparado aos filmes de Ivan Cardoso, por exemplo... Não dá nem para comparar: a diferença, para começar, é que este abacaxi é lançado nos cinemas; já os filmes mais recentes de Cardoso, não. Do que se poderia rir, afinal? De um bar de estrada nojento que aspira a ganhar o título de melhor churrasco? De um estuprador mutante cujos órgãos se decompõem na hora de estuprar uma mulher? Talvez a única tirada aceitável ao longo de todo o filme seja a de Cherry, a garota bonita da história, que, após ter a perna devorada por um mutante, acaba recebendo, como implante, uma metralhadora. Isso rende dois ou três risos amarelos. "Planeta Terror" tende, no entanto, a encontrar um mercado em espectadores que apreciam os exercícios paródicos aos quais alguns intitulam -tão gastos quanto o humor do filme - de metalinguagem." (* Inácio Araujo *)

''Fãs do mais clássico cinema trash norte-americano já podem começar a comemorar: Planeta Terror é sensacional, atendendo ao apetite dos famintos por banhos de sangues, carnificina e piadas espertas. Nascido do projeto Grindhouse, concebido pelo diretor e por Quentin Tarantino (Kill Bill), ''Planeta Terror'' é um longa originado a partir do média-metragem exibido nos cinemas norte-americanos junto a À Prova de Morte, sob a direção de Tarantino - que tem uma divertida participação como ator neste filme. O projeto é uma homenagem aos filmes estilo exploitation, populares especialmente nos anos 70, misturam sexo e violência numa forma sensacionalista. O Grindhouse que nomeia o projeto era dado às salas que costumavam exibir os filmes do gênero. Nos EUA, Grindhouse foi um fracasso de bilheterias; para o lançamento internacional, os dois médias chegarão aos cinemas como longas independentes. Nos EUA, eles eram ligados por dois trailers falsos; aqui, ''Planeta Terror'' será antecedido pela ótima prévia de Machete, também dirigida por Rodriguez. Pincelado por polêmicos temas atuais - como militarismo, o terror envolvendo armas biológicas, conflitos bélicos no Oriente Médio e Osama Bin Laden -, Planeta Terror mostra o que acontece quando produtos químicos detidos e negociados pelo exército norte-americano caem nas mãos erradas. Como resultado, grande parte da população de uma pequena cidade texana vira zumbi. Todos sedentos por carne fresca e, claro, miolos. Paralelamente, acompanhamos a história dos renegados Wray (Freddy Rodríguez) e Cherry (Rose McGowan, extremamente sensual). Ele é um fora-da-lei que namorou Cherry, go go dancer que sonha em ser comediante. Os dois se reencontram quando os zumbis pestilentos tomam conta da cidade e se unem para liderar um bando de sobreviventes. Planeta Terror'' traz os elementos que formam uma típica produção com zumbis: criaturas se arrastando, humanos sendo devorados violentamente, tiros e abrigos incomuns para os sobreviventes. Pense nessas características e adicione altíssimas doses de violência e você terá idéia do que é o filme. O sangue jorra na tela (literalmente) enquanto zumbis caminham, exibindo enormes feridas na pele, daquelas que até se mexem sozinhas, até. Em meio a tiros e jatos de sangue, a produção também traz diálogos espertos, divertidos e repletos de palavrões, característicos dos filmes de Robert Rodriguez, que também assina o roteiro. Definitivamente, ''Planeta Terror'' não é para os estômagos fracos. Ao dosar zumbis, ótimas cenas de ação, humor e até toques de romance, este é um filme bastante divertido, que certamente agradará aos fãs de filmes B, sem ser, necessariamente, um longa mal produzido, muito pelo contrário." (Angelica Bito)

''Existe uma palavra que define perfeitamente ''Planeta Terror'': Nojento. Mas não, esta palavra não quer dizer que o filme é ruim, muito pelo contrário. É claro que você precisa apreciar o gênero, ter estômago forte e senso de humor. Sendo assim, o filme se transforma em diversão minuto a minuto, em um terrir trash B que Robert Rodriguez dirige com louvor. Utilizando clichês já batidos do gênero e transformando-os em piada, o filme se inicia com um acidente de carregamento do governo, que acaba transformando a população da cidade em zumbis. Mas o que diferencia este dos outros filmes é o eclético grupo de rebeldes sobreviventes: o xerife da cidade, babás gêmeas, um latino, e, é claro, a famosa stripper com um calibre .45 no lugar de uma das pernas. É então que a diversão corre solta, com muito pus, sangue, explosão e zumbis bastante diferentes. O elenco se diverte: Rose McGowan, a garota com arma ao invés da perna, está melhor que o de costume, e mantém o senso de humor que a personagem requer. Freddy Rodriguez e Marley Shelton também se destacam, além de consagradas participações de atores como Bruce Willis e Quentin Tarantino. ''Planeta Terror'' surpreende ao final, e vale a pena cada segundo de filme. Mas vai difícil não soltar, em diversas cenas, o famoso Que Nojo." (Renato Marafon)

''Quando Grind House ainda era dois longas-metragens pelo preço de um, antes do esquartejamento para o lançamento fora dos Estados Unidos, um crítico de lá fez o comentário fundamental: em seu segmento, À Prova de Morte, Quentin Tarantino filma como quem passou a adolescência inteira frequentando as grindhouses, os cinemas setentistas com sessões duplas de filmes trash-malditos, enquanto Robert Rodriguez filma o seu Planeta Terror (Planet Terror, 2007) como quem só ouviu falar de grindhouse. Não há, essencialmente, um demérito aí, mas uma constatação. Como diz Marley Shelton a Rose McGowan em cena de Planeta Terror, todo talento inútil um dia serve para alguma coisa. E o talento inútil de Rodriguez é justamente o da mimetização. Ele não precisava ter assistido a nenhum film noir para reproduzir o porte de uma mulher fatal em Sin City - o mundo de signos do noir já é parte do imaginário popular, como também é o universo do faroeste revisitado pelo cineasta na trilogia do mariachi. Da mesma maneira, Rodriguez pode até ter ignorado a era de ouro dos exploitations, mas isso não o impede de saber como se alastra um contágio zumbi. A saber: os zumbis canibais de ''Planeta Terror'' não são desmortos propriamente ditos (pelo menos não todos eles), mas pessoas infectadas por um gás tóxico que o exército dos Estados Unidos utilizou sem medida nas campanhas no Oriente Médio. Por um acaso, o gás se alastra em uma cidadezinha, daquelas com dançarina go-go, xerife e dinner de beira de estrada. O grupelho de sobreviventes, que tem alguns cartuchos para gastar com a horda de alvos lacerados, é mais eclético do que o de costume: tem babás gêmeas, amante latino, anestesista com filho a tiracolo e a já famosa moça com a perna calibre .45. Se o cinema de Tarantino é o da homenagem, o de Rodriguez é o da reciclagem, frequentemente pela via da paródia. O primeiro infectado a surgir na tela ainda não desenvolveu nenhum sinal visível de alteração física; daí o médico pede para ele abrir a boca e o cara está com a língua cheia de pústulas. Depois, o próprio Tarantino aparece em cena, como um militar sádico que pretende estuprar a heroína - o problema é que o gás transformou seu pênis em um mingau. É da colagem dessas pequenas sacadas, com fio dramático mínimo e muita borracha, sangue falso e maquiagem, que Planeta Terror tira a sua força. O problema é que piada, especialmente paródica, tem vida curta. E a obra de Robert Rodriguez, definitivamente, não foi feita para durar. (A não ser que você seja fã de carteirinha do cineasta - daí tem citações e auto-referências a se encontrar em ''Planeta Terror'' por um loooongo tempo, sem contar as ligações com À Prova de Morte." (Marcelo Hessel)

{Acerta altura da vida, você encontra utilidade para seus talentos inúteis} (ESKS)

"Meu Rodriguez preferido. Metralhadora na perna já é clássico!" (Daniel Dalpizzolo)

"Quem compra a proposta de Rodriguez tem tudo para se divertir imensamente. Sangue e tripas para todo lado, mulheres seminuas, diálogos engraçados de tão ridículos e cenas realmente criativas. Concordo com o Dalpizzolo: metralhadora como perna é genial." (Silvio Pilau)

"Aperitivo bem 'saboroso' para o que seria o ótimo projeto Grindhouse." (David Campos)

Dimension Films Troublemaker Studios Rodriguez International Pictures Weinstein Company, The

Diretor: Robert Rodriguez

141.119 users / 6.234 face

Soundtrack Rock = Nouvelle Vague

Check-Ins 241

Date 01/08/2013 Poster - ######

[Mov 07 IMDB 6,6/10 {Video/@@@@} M/59

PROCURA-SE UM AMIGO PARA O FIM DO MUNDO

(Seeking a Friend for the End of the World, 2012)

"Atmosfera de cinema indie, quase que forçadamente, desenvolvendo-se em um filme mais frio do que o normal. Mas o final é deveras corajoso e coerente." (Alexandre Koball)

Nostalgia de um passado recente.

"O filme de apocalipse - e seu subgênero do terror de mortos-vivos - nunca esteve tão vivo na cultura pop. A ideia de uma sociedade em frangalhos, em que tudo o que as pessoas têm é o outro, sem o apoio de tecnologia, governo ou mídia, demonstra uma certa nostalgia de um passado recente, em que o convívio existia de maneira física, sem a interferência tecnológica que vivemos diariamente hoje. Com as facilidades do contato digital, da substituição da conversa pelo chat e com o papo para colocar as novidades em dia sendo suprido pelo acompanhamento da "atualização de status", milênios de convívio físico são deixados de lado... uma evolução rápida demais para ser absorvida. Daí a produção cada vez maior de obras em que o tema é a necessidade de contato. ''Procura-se Um Amigo Para o Fim do Mundo'' (Seeking a Friend for the End of the World, 2012) leva essa melancólica constatação a um novo patamar. Nele, dois estranhos - Steve Carrell e Keira Knightley - encontram-se por acaso às vésperas da chegada que um asteroide à Terra que vai acabar com toda a vida do planeta. Parte do apelo do filme é a ambientação criada pela roteirista e diretora Lorene Scafaria (de Nick & Norah - Uma Noite de Amor e Música). Na situação criada por ela, o mundo se divide entre as pessoas que buscam viver intensamente depois de anos de marasmo, os deprimidos incapazes de aceitar seu destino e as turbas revoltadas, que decidem se aproveitar da situação. Mas há também aqueles que continuam vivendo como se nada estivesse acontecendo - que seguem na mesma toada de desilusões, de rompimentos amorosos e parecem alheios ao fim de tudo, focados apenas em lamentar seus próprios problemas. Com o reforço de um elenco de apoio de qualidade (que inclui Martin Sheen, Mark Moses, Adam Brody, William Petersen e Patton Oswald), os protagonistas vividos por Carrell e Keira integram exatamente esse último grupo. Ele, um vendedor de seguros solitários. Ela, uma imigrante inglesa de espírito livre. O filme acompanha-os em em uma jornada de aceitação. A nostalgia do contato é sentida ao longo do filme, que aproveita para reforçar a regressão tecnológica também através da música. A personagem de Keira anda o tempo todo abraçada aos seus LPs - e explica como reconhecer um bom vinil: quanto mais grosso o disco são mais fundos os sulcos, o que melhora a qualidade do som. Quanto mais físico, melhor. Ora levemente cômico, ora romântico e dramático, mas sempre satisfatoriamente equilibrado - sem forçar a barra para extrair emoção -, ''Procura-se Um Amigo Para o Fim do Mundo'' é também surpreendentemente bem estruturado, com uma inesperada e honestíssima reviravolta, que não afronta os personagens ou a situação criada. Em tempos em que lamentamos nosso destino através do terror, quando temos nossos pés puxados por mortos-vivos para lembrar-nos do quão anti-natural é a socialização por telas, é revigorante assistir a um filme assim." (Erico Borgo)

''O fim do mundo é o cenário ideal para as pessoas cometerem as maiores loucuras de suas vidas, frutos de suas fantasias mais obscuras. É também uma grande oportunidade para reatar um velho romance ou começar um novo. ''Procura-se um Amigo para o Fim do Mundo'' busca mostrar exatamente isso, ao acompanhar os últimos 14 dias de vida na Terra compartilhados por dois desconhecidos, interpretados por Steve Carell e Keira Knightley, e sua jornada de autoconhecimento e de acerto de contas com o passado. Este não é o primeiro filme, muito menos o mais original, a mostrar como a sociedade encararia o apocalipse. Melancolia, de Lars Von Trier, é um exemplo de como fazer isso bem feito, assim como o mais antigo A Última Noite. Fugindo ao ambiente das comparações, a diretora Lorene Scafaria (Nick & Norah - Uma Noite De Amor E Música) pega esse conceito e o transforma em um interessante road movie. Na trama, Dodge (Carell) é um vendedor de seguros que falhou em alcançar seus sonhos. Para piorar, sua mulher o abandona para ficar com o amante após o fracasso da última esperança de salvação da Terra, uma missão espacial que deveria interceptar o gigantesco asteroide, bem a la Armageddon (aquele com Bruce Willis e música do Aerosmith). Sem rumo, o personagem continua com seu dia-a-dia monótono à espera do fim. Tudo muda quando seu caminho cruza com o de Penny (Knightley), vizinha jovem, interessante, livre e com uma paixão louca por discos de vinil, que está em crise em seu relacionamento e deprimida por ter perdido o último voo comercial que a permitiria rever sua família. Depois de chorar as mágoas, ela devolve a Dodge três anos de correspondências entregues na caixa postal errada, entre as quais está uma carta enviada pelo amor de adolescência dele há apenas três meses. Está armada a aventura mais inesperada possível, tudo graças ao apocalipse iminente. Não é difícil perceber, logo de cara, que o filme não pretende tratar do fim do mundo (em nenhum momento o asteroide é mostrado), nem do amor impossível, mas sim da banalidade da vida humana, uma alegoria à futilidade da busca por status e do cumprimento das expectativas de uma sociedade cada vez mais consumista e rasa. Impossível não refletir sobre quão irônico é o fato das pessoas decidirem viver sem medos, resolverem questões do passado ou fazerem tudo o que sempre sonharam, como largar empregos sem sentido e relacionamentos falidos, apenas quando estão diante da iminência da destruição completa de tudo que conhecem. Existe aqui uma semente de crítica, mas nada mais aprofundado, afinal, trata-se de uma típica produção hollywoodiana. Só que o cinismo do começo do filme, que inclui a festa de uma pacata famíia suburbana que se torna uma orgia regada a heroína, perde o fôlego e o tom crítico na segunda metade. Personagens tomam decisões inexplicáveis, que parecem até terem sido impostas para transformar o longa em uma comédia romântica e fazer a audiência chorar a qualquer custo, comprometendo a história e sua credibilidade. Sorte que o final chega a tempo de manter a boa impressão inicial. ''Procura-se um Amigo para o Fim do Mundo'' deixa de cumprir a expectativa criada de início e fica claro que havia potencial para algo muito melhor. Ainda assim, trata-se de um longa interessante que vai dividir opiniões, deixar muita gente deprimida na saída do cinema e, quem sabe, resultar em boas discussões." (Daniel Reininger)

Focus Features Mandate Pictures Indian Paintbrush Anonymous Content

Diretor: Lorene Scafaria

68.021 users / 21.590 face

Soundtrack Rock = The Beach Boys + Ray Davies + INXS + Wang Chung + Scissor Sisters + The Selecter + P.M. Dawn + Frank Black + Lions + The Hollies + The Walker Brothers

Check-Ins 333

Date 30/09/2013 Poster - ######

[Mov 06 IMDB 6,1/10 {Video/@@} M/36

PODER PARANORMAL

(Red Lights, 2012)

''A partir de O Sexto Sentido (1999), o cineasta M. Night Shyamalan cristalizou um modelo de suspense sobrenatural: ao longo da narrativa, ele deixa discretas pistas sobre o mistério central; no final, reagrupa esses elementos em uma espécie de clipe expositivo. Desde então, muitos cineastas tentaram repetir o modelo, sem o mesmo sucesso. A razão é simples: eles pegaram o que havia de pior em Shyamalan (a artificialidade da fórmula), mas nunca igualaram o que tem de melhor (a originalidade audiovisual). Esse é o problema que aflige "Poder Paranormal". O diretor Rodrigo Cortés (Enterrado Vivo) segue à risca o padrão celebrizado por Shyamalan, mas o estilo funcional do espanhol está longe da sofisticação do colega. O filme se apoia no embate entre crença e razão, e sua premissa tem lá seu interesse -ainda mais em tempos de onda espírita no cinema. Uma professora de psicologia (Sigourney Weaver) e seu assistente (Cillian Murphy) se especializam em desmascarar pessoas que se passam por paranormais. A tarefa costuma ser simples: os investigados são, em geral, charlatões primários. Mas aí aparece em cena o médium cego Simon Silver (Robert De Niro), uma lenda da paranormalidade, que havia se aposentado há 30 anos. Ele se revelará um desafio muito maior -e mais perigoso- para o ceticismo da dupla de investigadores. Há alguma sabedoria na escolha de De Niro para interpretar o médium: a canastrice que o ator desenvolveu nos últimos anos se encaixa bem no papel. Weaver e Murphy também são opções corretas. Mas os méritos de Cortés não vão muito além do casting. "Poder Paranormal" sofre com uma contradição básica: para tornar mais chamativa a história de pessoas que investigam truques mediúnicos, o filme recorre a uma série de truques narrativos -sobretudo esconder informações essenciais sobre os personagens. Quando elas finalmente são reveladas, fica a sensação de engodo, como se o diretor fosse também um charlatão -e o espectador, sua vítima. É algo que se sente também nos filmes menos interessantes de Shyamalan, como Sinais (2002) ou A Dama na Água (2006). Mas, nesses caos, são a sobremesa de uma refeição cinematográfica farta, e não do arroz com feijão de "Poder Paranormal"." (Ricardo Calil)

"Fazia um bocado de tempo que um suspense não me surpreendia tanto." (Alexandre Koball)

''O truque dos ilusionistas, diz Tom Buckley (Cillian Muprhy) em ''Poder Paranormal'' (Red Lights), é conduzir o olhar do espectador para longe do ponto onde ele está fazendo sua mágica. Se o filme passa, desde o começo, a impressão de que o diretor espanhol Rodrigo Cortés está deixando pistas falsas para o público, depois desse diálogo a armação então fica mais do que evidente. Tom trabalha ao lado da professora de psicologia Margaret Matheson (Sigourney Weaver) desmascarando fenômenos paranormais e supostos psíquicos. Ela faz disso sua cruzada pessoal porque seu filho vive em estado vegetativo há anos, e Margaret não quer desligar os aparelhos até que encontre evidências do sobrenatural - indícios de que existiria vida além de um coma irreversível. Quando o vidente cego mundialmente renomado Simon Silver (Robert De Niro) reaparece na mídia depois de 30 anos, Tom fica obcecado em desmascará-lo, mas Margaret proíbe o auxiliar de seguir adiante. Quais seriam as motivações da personagem? Simon tem mesmo poderes? Por que o filme se chama luzes vermelhas? São as perguntas que Poder Paranormal levanta para despistar a audiência enquanto aplica seu golpe (que obviamente não será entregue aqui). Se em Enterrado Vivo, o primeiro longa hollywoodiano do diretor espanhol, o desafio era rodar um filme inteiro num espaço fechado, agora Cortés se propõe fazer o jogo - bastante popular, diga-se - dos suspenses de reviravolta. Em certo plano, a câmera avança lateralmente e mostra uma fileira de jornalistas atentos à ação, tomando notas. É a imagem-síntese da brincadeira de adivinhação, que pede mais atenção do espectador para o acúmulo de pequenas pistas do que para a narrativa em si. Muita gente reclama da revelação final no desfecho de Poder Paranormal, mas ninguém pode dizer que foi enganado; Cortés já deixava claro no começo, naquele diálogo do ilusionista, a sua intenção lúdica. A questão é: Poder Paranormal tem algo a oferecer, a reter, depois que o truque é desvendado (em providenciais flashbacks explicativos)? Tem, sim. A resposta de Cortés para os dilemas levantados no filme é apaziguadora, em sintonia com o pensamento liberal americano (cada um pode ter sua verdade, o que importa é a busca individual), mas sua recusa dos dogmas religiosos é frontal e não deixa de ser bem-vinda hoje em dia. Na verdade, Poder Paranormal é violentamente antidogmático; a cena em que Tom apanha no banheiro por ser questionador é tão forte que chega a destoar do resto, e isso num filme que tem na grandiloquência a sua principal ferramenta. O único dogma que Cortés não renega, no fim das contas, é a obrigatoriedade da reviravolta..." (Marcelo Hessel)

''Os chamados Filmes B de antigamente ganharam status diferente nos dias de hoje. Como no caso deste, costumam ser edulcorados por grandes nomes do cinema, já sem tanto prestígio como antes, para driblar a desconfiança do público e levá-lo às salas de cinema. Na maioria das vezes, funciona. Em ''Poder Paranormal'', dirigido por Rodrigo Cortés, do bom Enterrado Vivo, temos Sigourney Weaver e Robert De Niro tão somente como chamarizes para uma trama improvável sobre paranormalidade e seus truques baratos, que leva o público a uma viagem de quase duas horas de sustos e revelações pretensamente surpreendentes. Weaver é Margaret Matheson, cientista taciturna que vive de refutar publicamente charlatões que se dizem detentores de poderes sobre-humanos. Seu fiel escudeiro é o jovem doutor em Física Tom Buckley (Cillian Murphy, de A Origem), que parece tão ou mais cético que sua mentora. Quando renomado médium Simon Silver (Robert De Niro) volta à cena, depois de anos de afastamento após um episódio nebuloso, Buckley se sente tentado a investigar seus métodos, mas encontra a resistência de sua chefe. Segredos improváveis são, então, revelados e ameaçam por em perigo a vida de todos os envolvidos. A percepção de se estar assistindo a apenas uma distração rasa não vem logo. ''Poder Paranormal'' tem um início promissor e nos leva a crer, ao menos por algum tempo, estarmos diante de algo diferente. Não demorar muito, no entanto, para essa impressão fugaz ser desfeita por um enredo frágil que envolve um jovem em coma e segredos não revelados que parecem inseridos a fórceps no filme para manter a atenção do espectador presa, enquanto nada de realmente importante acontece. Weaver, destaque do filme, contribui para acreditarmos estar diante de um thriller de atmosfera assustadora e enredo acima da média. Sua personagem é reservada e ambígua e sugere ao público uma mulher que esconde importantes segredos. O problema é que os tais segredos não são tão importantes e reveladores como se supõe. E nesse crescendo de frustração, chegamos a um final inverossímil do qual, da empolgação do início, só resta um tédio decepcionante como um filme cheio de possibilidades, mas fracamente desenvolvido." (Roberto Guerra)

Nostromo Pictures Cindy Cowan Entertainment Antena 3 Films Attitude Pinículas y Films A.I.E. Televisió de Catalunya (TV3)

Diretor: Rodrigo Cortés

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Date 29/09/2013 Poster - ####

[Mov 07 IMDB 7,6/10 {Video/@@@}

PERFUME DE MULHER

(Profumo di Donna, 1974)

''O capitão Fausto perdeu a visão e uma das mãos num acidente com uma granada, tornando-se um homem amargurado e cínico. Sua tia contrata Giovanni, o jovem recruta de uma escola militar, para escoltar o cego em uma viagem pela Itália, de Turim a Nápoles. Sem que o rapaz saiba, o velho capitão tem planos secretos para o final da viagem. Refilmado nos Estados Unidos como "Perfume de Mulher" (1992).'' (Filmow)

{O 11 de espadas. Uma carta fora do baralho que não entra no jogo} (ESKS)

{As putas que acham alguém mais infeliz do que elas viram mães e eu já sou bem filho da puta} (ESKS)

''Depois do Adeus ao realizador e argumentista italiano Dino Risi, vem a jeito da review semanal lembrar uma das suas obras mais conhecidas, Profumo di Donna (1974). Pode-se rapidamente classificar o cinema do cineasta milanês como pertencendo ao género cómico: um artifício necessário para disfarçar uma abordagem crítica às disparidades sociais da vida quotidiana na Itália, através de um olhar cínico e cru. Depois do lançamento em DVD ter sido tardio (como já é costume por parte das distribuidoras), ''Perfume de Mulher'' é, em muitos aspectos, mais negro, mais austero, mais severo e mais envolvente que o remake de 1992 – esta última versão galardoou Al Pacino com Oscar de Melhor Actor Principal. Na visão de 74 do romance de Giovanni Arpino, Vittorio Gassman (premiado em Cannes) é o protagonista: um reformado militar cego, maneta, alcoólico, melancólico e sorumbático, um porco sexista que leva consigo um jovem soldado para o último fim-de-semana de deboche antes de executar um planeado suicídio colectivo com a ajuda da sua companheira – uma também reformada e incapacitada arma do exército. Apesar do filme de 92 ser visivelmente inspirado no seu predecessor, diferem bastante em pequenos detalhes. Enquanto o filme de Hollywood mostra um carismático protagonista de bom coração escondido por debaixo de uma camada exterior bruta, Gassman interpreta a personagem sem qualquer pingo de compaixão, um miserável bêbedo rejeitado pela sociedade. Em vez de dançar o tango e proclamar monólogos moralistas e intolerantes perante as opiniões de outras pessoas, Gassman limita-se a estar na companhia de afectuosas companhias, raparigas jovens e atraentes, comprometendo-se em fúrias consequentes de muito álcool e a abusar emocionalmente de quem quer que se aproxime dele. Não quer dizer que o capitão Al Pacino não o faça também, embora prevaleça de sobremaneira incontornável o atraente e bruto espírito mediterrânico. Esta personalidade, sob a sua aparente força, abuso verbal, intransigência, irreverência e desdém pelas convenções de compaixão das quais é refém, esconde um profundo desespero e vulnerabilidade. Este é o interesse fundamental do filme que Dino Risi filma magistralmente: a verdade dos efeitos pós-guerra, o menosprezo e a falta de apoio para com os soldados da pátria.Agostina Belli interpreta Sara, uma jovem rapariga apaixonada, é a única que conhece todas as facetas do capitão e não se conforma com a sua enfermidade. Residem maioritariamente nos close-ups.Agostina Belli as imagens mais belas do filme. Se o filme permanece, em certa medida actual, é a fotografia de Claudio Cirillo que lhe dá um certo ar de vintage look e algo de temporalmente característico dos filmes dos anos 70." (Pedro Xavier)

48*1975 Oscar / 1975 César / 1974 Palma de Cannes

Dean Film

Diretor: Dino Risi

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Date 16/10/2013 Poster - ######

[Mov 10 Favorito IMDB 7,4/10] {Video/@@@@} M/78

PROFISSÃO: LADRÃO

(Thief, 1981)

TAG MICHAEL MANN

{intenso}

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Sinopse ''Frank (James Caan) é um ex-presidiário que ganha a vida de fato realizando roubos ousados de jóias e arromabando cofres. Solitário, ele nunca se apegava a ninguém até conhecer Jesse (Tuesday Weld), uma garçonete que pratica pequenos golpes. Obcecado a mudar o rumo de sua vida, ele faz um pacto com Leo (Robert Prosky), chefe do crime organizado, e concorda em participar de um perigoso golpe, mas acaba envolvido em uma trama que coloca sua vida em risco.''

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[Mov 06 IMDB 4,4/10 {Video/@@} M/18

PARA MAIORES

(Movie 43, 2013)

"Humor escatalógico com elenco requintado tem [raros] momentos inspiradíssimos (a primeira gag é fenomenal), mas fora isso é uma bagunça dispensável." (Alexandre Koball)

"Se anteriormente os motivos para uma reunião de atores famosos no mesmo filme giravam em torno de datas comemorativas, cuja graça (ou falta dela) era ver suas tramas se conectarem em plenas metrópoles americanas, como em Idas e Vindas do Amor e Noite de Ano Novo, agora ela não é mais necessária. Desta vez, astros e estrelas de Hollywood estão envolvidos em pequenos curtas-metragens sem qualquer relação entre si, a não ser pelo fato de exibirem e abordarem obscenidades e escatologias bem além do suportável e recomendável, fazendo deste “Para Maiores” nada mais do que uma mancha eterna e desnecessária na carreira de alguns deles ou mais um fracasso no currículo de outros menos seletivos.Halle Berry, Anna Faris, Uma Thurman, Jason Sudeikes, Sean Williams Scott, Johnny Knoxville e Gerard Butler são alguns dos vários nomes reconhecidos mundo afora envolvidos neste vergonhoso projeto. Mas tudo estaria relativamente normal, já que escolhas ruins têm sido a tônica na carreira de todos os citados, se Liev Schreiber, Naomi Watts, Hugh Jackman, Richard Gere e até Kate Winslet (o que ganhar um Oscar não faz, hein?) não integrassem o filme. Juntos eles protagonizam uma série de esquetes cômicas, em sua maioria, mal contadas e de mau gosto, que bebem incessantemente da fonte do non-sense e que terminam subitamente ou cujo desfecho pode fazer os com estômagos mais sensíveis desejar vomitar. Iniciado com uma trama que mostra dois adolescentes e seu computador buscando armar uma pegadinha para uma nem tão ingênua criança, a película tenta encontrar um filão que una os curtas que virão adiante. Mas a fragilidade da história e o amadorismo da direção de Bob Odenkirk é tão notório que a necessidade de sua existência pode e deve ser questionada, piorando sua qualidade à medida que suas pretensões medonhas aumentam e uma respiração entre os segmentos se mostra essencial. Fingindo que compramos a justificativa oficial da existência de “Para Maiores”, passamos a acompanhar, então, um desfile de atores famosos em situações embaraçosas. As primeiras vítimas são ninguém menos que Kate Winslet e Hugh Jackman, que protagonizam uma história que mais parece saída de um filme dos irmãos Wayans. Algumas risadas de espanto podem acontecer, mas ao nos acostumarmos com a falta de limites dos curtas, elas vão cessando e cada vez mais se transformando em caretas de desconfiança, raramente gerando momentos hilários novamente. Não se espante, então, ao deparar-se com um conto amoroso celebrado a base de fezes, com pais beijando filhos ao ensinar-lhes como curtir a vida sem sair da própria casa ou gatos animados pervertidos masturbando-se com fotos de Josh Duhamel. Não falta também preconceito, com as mulheres sendo desrespeitadas em quase todas as tramas, mas especialmente no segmento iBabe, e com os negros, reduzidos a homens sem confiança, mas donos de dotes invejáveis, como mostra o segmento Victory’s Glory. Os melhores momentos do filme (o mais apropriado seria dizer menos ruins) acontecem quando os exageros são deixados de lado e um pouco de inteligência e humor negro são incluídos. Logo, ver a personagem de Chloe Grace Moretz ter de encarar a primeira menstruação na masculina casa do paquera de colégio soa como uma boa dose de inocência neste projeto sem escrúpulos. Também é inevitável não achar graça nas falsas publicidades Tampax e Machine Kids que trazem piadas eficientes e que ajudam a pontuar o longa-metragem com suas ainda mais curtas durações. Super-heróis desbocados e fadas pervertidas, porém, tratam de elevar novamente a péssima qualidade da película. Mais parecendo um programa humorístico super-produzido, mas de gosto duvidoso, “Para Maiores'' suja o nome ainda de seus roteiristas e diretores, dentre eles Peter Farrelly e Brett Ratner, bem como o de Elizabeth Banks, ainda em início de carreira na função. Soando muito mais como um projeto que tinha como objetivo fazer seus atores se divertirem durante as filmagens, o filme falha até em exibir tal fato, como tenta fazer em seus créditos finais. E ao final destes, a pergunta que fica é o que eu acabei de assistir?. Logo, passe longe, bem longe!" (Darlano Didimo)

"O ano mal começou, mas o posto de pior filme de 2013 já tem fortíssimo candidato. Ou teria, caso “Para maiores” pudesse ser considerado um filme. Produzido pela turma de Quem quer ficar com Mary e Débi & Lóide, dividido entre uma dúzia de diretores, como Peter Farrely (Passe Livre) e Steve Carr (Uma casa de pernas pro ar), e estrelado por nomes de ponta como Kate Winslet, Halle Berry, Naomi Watts, Richard Gere e muitos outros, “Movie 43” (no original) não passa de uma sucessão primária de pegadinhas constrangedoras alinhavadas por um fiapo de história envolvendo três adolescentes em busca de aberrações na internet. A colheita é farta, com ênfase em escatologia, bizarrices sexuais, comportamentos esdrúxulos e o que mais não se puder imaginar envolvendo adultos, crianças e super-heróis como marionetes de um quadro social agressivo e infantilizado.Alguns exemplos: Hugh Jackman (concorrendo a Oscar de melhor ator por Os miseráveis) tem testículos pendurados no pescoço e não está nem aí, digamos, para esta marca pessoal. Outro: uma namorada deseja uma suprema prova de amor do namorado, que ingere poderosos laxantes para lhe atender. E por aí vai, com apelações grotescas visando o riso do espectador. Quando se pensa que o calvário terminou, após uma lista de créditos intermináveis, surge o golpe final: um triângulo formado por um casal e um gato de animação, objeto de mil e uma utilidades para o rapaz. A única façanha deste não filme é o imenso desperdício de elenco, sabe-se lá por que motivos envolvido no projeto. E não vale a desculpa do politicamente incorreto. Trata-se apenas de mau gosto - sem atenuantes." (Susana Schild)

"Todos já sabem que os cineastas estão apelando e atirando para todos os lados, mas “Para Maiores” ultrapassa todos os limites que um filme exibido em cinema poderia ultrapassar. O filme é compostos de curtas, cada um como uma história mais louca o possível, desde o Hugh Jackman (vulgo Wolverine) com testículos no lugar do gogó, até Halle Berry (diversos personagens em A viagem / Tempestade na franquia X-men) introduzindo pimenta super forte na vagina. O filme tem como história base uma sátira à tão falada Deep Web. Para quem ainda não conhece, é um lugar da internet em que você pode comprar drogas, órgãos e crianças, além de contratar um assassino de aluguel ou mesmo ter acesso aos mais bizarros vídeos já feitos. E é justamente nessa última função da Deep Web em que se baseia o filme. Dois rapazes que resolvem fazer uma pegadinha com o irmão mais novo de um deles, o plano é ocupar o menino fazendo-o buscar um vídeo que não existe, na internet, para que o mais velho possa colocar diversos vírus no notebook do mais novo. Era para o filme 43 ser apenas uma invenção dos dois mais velhos, mas descobre-se que o filme de fato existe. Enquanto navega em diversos sites em busca do tal filme, o jovem hacker encontra os mais bizarros filmes já vistos. Incluído o que acredito ser uma menção a redublagem de antigos episódios de Batman." (EMJ)

Relativity Media Virgin Produced GreeneStreet Films Wessler Entertainment Witness Protection Films

Diretor: Elizabeth Banks Steven Brill Steve Carr Rusty Cundieff James Duffy Griffin Dunne Peter Farrelly Patrik Forsberg Will Graham James Gunn Brett Ratner Jonathan van Tulleke Bob Odenkirk

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Date 23/12/2013 Poster - #

[Mov 07 IMDB 7,1/10 {Video/@@@@}

PETÚLIA - UM DEMÔNIO DE MULHER

(Petulia, 1968)

''Baseado em romance de John Haase. Em uma festa de caridade, um jovem médico recém-divorciado conhece uma recém-casada jovem da alta sociedade e eles acabam se envolvendo." (Filmow)

''Antônio Gonçalves Filho me chamou agora na redação do Estado para dizer que está saindo em DVD um filme ‘da nossa juventude’. Perguntei qual, já que são tantos. É o Petúlia, do Richard Lester, lançado pela Magnus Opus. Lester foi aquele diretor que absorveu as lições de corte-e-montagem na célebre cena do assassinato na ducha em Psicose e inventou o videoclipe, ao fazer de Os Reis do Ié-Ié-Ié um falso documentário sobre um dia na vida de uma certa banda em Londres, em 1964, os Beatles – vocês já ouviram falar? (Brincadeirinha…) Na seqüência, Lester dirigiu de novo os Beatles em Socorro! e o filme é tão ‘desestruturado’ que o cineasta o dedicou ao inventor da máquina de costura. Seguiram-se A Bossa da Conquista, que ganhou a Palma de Ouro em 1965; Um Escravo das Arábias em Roma, com uma participação memorável de Buster Keaton; Como Ganhei a Guerra, com John Lennon, e só então, em 1968, Lester fez Petúlia, que no Brasil recebeu um acréscimo ao título original – ficou "Petúlia, Um Demônio de Mulher". Faz muito tempo que não revejo Petúlia, mas guardo a lembrança de um filme brilhante, que aplica a ‘descontinuidade (ou desestrutura) dos filmes com os Beatles a uma história sobre médico divorciado que se envolve com mulher complicada em São Francisco, nos loucos anos 60. Julie Christie faz a personagem-título, George C. Scott é o médico e Richard Chamberlain é o marido pirado da protagonista, mas quem rouba a cena, se a memória não me falha, é Shirley Knight. Lester foi decisivo na minha juventude e na de qualquer um que foi jovem, na época. Seu humor, sua irreverência tinham a cara dos anos 60, mas acho que foi nos 70 que ele fez seus melhores filmes. Acho Robin e Marian, com Sean Connery e Audrey Hepburn, sobre o herói que volta das Cruzadas e encontra a amada num convento, um dos filmes mais melancólicos que já vi. Há uma tristeza tão grande na história dos mitos que vão envelhecendo. Paradoxalmente, a Robin e Marian segue-se, na obra do diretor, A Juventude de Butch Cassidy, em que ele percorre o caminho inverso e conta a história dos verdes anos dos personagens interpretados por Paul Newman e Robert Redford no western de George Roy Hill, de 1970. Para concluir, lembro sempre da história que Joseph Losey contou a Tom Milne, no livro com a entrevista que deu ao crítico e historiador. Losey atravessava não sei que apuro durante a conclusão de Estranho Acidente, um de seus filmes escritos por Harold Pinter (com Dirk Bogarde, Stanley Baker, Jacqueline Sassard e Delphine Seyrig). Lester, gentilmente – e sem qualquer ônus, nem crédito –, fez a mixagem de som para ele, para ajudar numa obra que lhe parecia tão importante (e é). O artista a gente avalia pelos filmes. Essa história eu acho que revela o homem." Luiz Carlos Merten)

Petersham Pictures Warner Brothers/Seven Arts

Diretor: Richard Lester

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Soundtrack Rock = Janis Joplin and The Big Brother and the Holding Company + The Grateful Dead

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Date 02/03/2014 Poster - #####

{Video} M/82

PARA SEMPRE LILYA

(Lilja 4-ever, 2002)

''Lilya (Oksana Akinshina) tem 16 anos e vive em um subúrbio pobre, em algum lugar da antiga União Soviética. Sua mãe mudou-se para os Estados Unidos, com seu novo marido, e Lilya espera que ela lhe envie algum dinheiro. Após algum tempo sem receber notícias nem qualquer quantia dela, Lilya é obrigada a se mudar para um pequeno apartamento, que não possui luz nem aquecimento. Desesperada, ela recebe o apoio de Volodya (Artyom Bogucharsky), um garoto de apenas 11 anos que de vez em quando dorme no sofá de Lilya. A situação muda quando Lilya se apaixona por Andrei (Pavel Ponomaryov), que a convida para iniciar uma nova vida na Suécia. Apesar da desconfiança de Volodya, Lilya aceita o convite e viaja com Andrei.'' (Filmow)

''Chega ao Brasil mais um filme do sueco Lukas Moodysson. ''Para Sempre Lilya'' não é seu filme mais recente, mas com certeza irá tocar mais o público. Recentemente, o polêmico diretor chocou a platéia no Festival do Rio 2004 com Um Vazio no Meu Coração. A produção era tão bizarra que nos pontos de venda dos ingressos e nos cinemas programados para exibi-lo, havia (pasme!) cartazes com avisos para os espectadores mais distraídos. Em Para sempre Lilya, vencedor de diversos prêmios, o tema abordado também é polêmico, mas dessa vez Lukas preferiu não ser explícito e com isso conseguiu atingir os espectadores. É impossível sair da sessão sem pensar ou falar sobre a produção. Nas primeiras cenas acompanhamos uma jovem perturbada e com hematomas correndo por entre automóveis. Ela pára em cima de um viaduto com a nítida idéia de que irá se jogar. Acontece um corte e o filme volta três meses e assim começamos a descobrir os motivos que levaram aquela moça a tamanho desespero. Ela é Lilya, uma jovem de 16 anos que mora num pobre e melancólico subúrbio em algum lugar da antiga União Soviética. Sua mãe se mudou para os Estados Unidos com o novo marido e Lilya espera que ela lhe mande dinheiro para viajar ao seu encontro. Quando não recebe nem cartas nem o dinheiro, fica claro que Lilya foi abandonada. Ela é obrigada a se mudar para um minúsculo apartamento sem luz ou aquecimento. Desiludida e sem dinheiro, a jovem se desespera. Seu único amigo é Volodya, um garoto de apenas 11 anos de idade que volta e meia dorme em seu sofá. Ela, então, conhece e se apaixona por Andrei, que a chama para começarem juntos uma nova vida na Suécia. Volodya desconfia que tudo acontece rápido demais, mas Lilya viaja mesmo assim. Lukas posiciona a câmera de tal forma que sofremos todas as dificuldades ao lado da protagonista, mesmo não vendo as cenas. Tudo é feito implicitamente, mas de forma tão poderosa que comprova que a sugestão atinge mais que a imagem explicita. O sofrimento de Lilya é marcado por estupro, prostituição e violência. Oksana Akinshina no papel principal consegue uma interpretação digna de um Oscar. Artyom Bogucharsky também não fica muito atrás como Volodya. A história relata que pais negligentes e instituições governamentais de auxílio ao menor são os verdadeiros responsáveis pela situação de Lilya e, claro, de milhares de outros jovens. O espectador tem a certeza que o mundo é cruel e que é habitado por homens e mulheres repugnantes. As crianças que existem são as vítimas dessa maldade. Não há momentos de redenção ou personagens ambivalentes. Mesmo sendo tosco, em certas cenas Lukas cria imagens de pura emoção. Ele começou sua carreira como poeta e utiliza esse formato para construir seqüências artísticas misturando sonho com realidade. Em uma das seqüências mais belas vemos Lilya e Volodya retratados com asas de anjos num paraíso perpétuo. Com isso apresenta que a vida é o inferno e o paraíso é a liberdade. O filme abre e fecha com Mein Herz Brennt (My Heart is Burning), uma canção poderosa da banda Rammstein. Com isso aprendemos que dissonância em vez de harmonia é o tema predominante e que bonecas, lápis de cor e bichos de pelúcia não farão parte da vida dessas crianças. A música é utilizada como uma intensificadora dessa característica durante o filme. Como sempre as produções de Lukas Moodysson são atreladas com algum tipo de mensagem. No caso de Para sempre Lilya é dedicado às crianças que são envolvidas no tráfico sexual escravo. Às vezes até parece um documentário pelo crescimento dessa prática na Suécia, já que a legislação de lá só considera ilegal comprar sexo e não vender. Jovens russas e dos países bálticos viajam para a Suécia com passaportes falsos e promessas de casamento e trabalho, mas acabam encontrando seus piores pesadelos. Percebemos essa ênfase no filme quando os clientes de Lilya são filmados esbaforidos e em close no momento do coito. Parece um espelho da forma como a prostituição é encarada na Suécia. Há também uma denúncia de que a globalização nos levou a um apetite frenético por mercadorias e comodidades, enquanto milhões de pessoas são abandonadas a uma existência amarga, em que as crianças são as vítimas mais vulneráveis. Os valores norte-americanos continuam sendo as maiores influências no planeta. Nos poucos momentos de alegria de Lilya, ela sonha em morar na América, conta com orgulho que nasceu no mesmo dia que a cantora Britney Spears e sua felicidade reside em lanchar no McDonalds. É triste, mas infelizmente é a realidade atual." (Mario “Fanaticc” Abbade)

Top Dinamarca #19 Top Suécia #42

Date 11/01/2015 Poster - ########

[Mov 03 IMDB 5,8/10 {Video/@@@} M/41

PREMONIÇÃO 3

(Final Destination 5, 2011)

"Mary Elizabeth Winstead (*__*) e uma brincadeirinha aqui e outra acolá." (David Campos)

"Merece créditos por tentar trazer alguma novidade para uma fórmula já visivelmente desgastada, embora essa própria novidade seja um tanto difícil de engolir. Algumas mortes também soam forçadas, embora outras sejam deliciosamente divertidas." (Rafael W. Oliveira)

Mesmo que não tenha sido prevista uma trilogia, o terceiro filme da franquia chega aos cinemas.

"Vamos ser francos: uma pessoa que vai ao cinema assistir à segunda seqüência do relativo sucesso Premonição está esperando o quê? Mortes, engenhosas mortes, nada de diálogos inspirados, atores competentes ou direção inteligente, certo? Se a resposta for sim, esta pessoa tem grandes chances de se divertir, mesmo que as mortes sejam mais atamancadas que as dos dois primeiros. Agora, se a resposta for negativa, é bom passar bem, mas bem longe desse filme. Se no primeiro filme o estopim da trama era um acidente de avião e, no segundo, um acidente rodoviário, neste é uma montanha-russa que desencadeia a ação. Sem Devon Sawa e Ali Larter, devidamente exterminados pela Dona Morte nos anteriores, é a desconhecida Mary Elizabeth Winstead quem vai confrontá-la dessa vez. Seguindo novamente o esquema narrativo dos anteriores, ela tem a premonição, salva alguns amigos, para depois ocorrer o acidente. Mas como todo mundo sabe, Dona Morte nunca é ludibriada e vai atrás dos sobreviventes. O que mais impressiona nessa franquia é que a cada exemplar as mortes vão ficando gradativamente mais explícitas e chocantes. Portanto, espere tripas expostas, corpos mutilados e sangue, muito sangue. Afinal, não é importante quem, e sim como determinado personagem vai morrer. Infelizmente, o maquinismo que tanto funcionava nos anteriores aqui é meio capenga. O roteiro até tenta disfarçar isso instigando o espectador a tirar conclusões errôneas, como sugerir que um personagem vá morrer, quando na verdade algum outro próximo é quem bate as botas. Mas fica bastante claro que as idéias não foram tão férteis dessa vez. Por isso mesmo algumas cenas soam mais cômicas que assustadoras. Uma destas, envolvendo cabines de bronzeamento (não estou contando nada de mais, afinal logo no início desta já se adivinha o desfecho), parece saída diretamente de um filme trash qualquer. Ao som de uma música cuja tradução seria Montanha-Russa do Amor, patricinhas nuas e siliconadas são fritadas literalmente. Para uma pessoa com um mínimo de intelecto, o mais difícil de agüentar – tirando as mortes, claro, para quem tem estômago fraco - é ouvir as verdadeiras pérolas que os personagens vão soltando ao longo da projeção. Ainda no início a personagem principal solta um ‘É frio e assustador’ sobre seus pressentimentos (claro que emoldurado por ventos estranhos, folhas voando e velas se apagando), culminando com um Eu não morrerei! proferido por um personagem que é limado logo depois. O ator que o interpreta, um tal de Texas Battle (!), não seria aceito nem no elenco de Malhação, definitivamente. Mas nenhuma frase supera o que um dos protagonistas diz ao se dar conta da situação: É bom fazer algo pelos amigos. Tentando trapacear os espectadores assim como os personagens em relação a morte, o roteiro escrito por Glen Morgan (do bizarro A Vingança de Willard) e pelo criador da série James Wong (que dirigiu este e o primeiro da série) não se furta de soltar informações desencontradas – aliás, nada mais sem nexo que a (falta de) lógica no encadeamento das mortes. Sem nexo também a relação dessas com as tais fotos digitais que a protagonista descobre ser uma espécie de pista sobre como os fatos se sucederão, ou os letreiros do parque formando avisos. Esse filme, na verdade, não forma um conjunto homogêneo com os anteriores. Duvido muito que a intenção original dos criadores fosse criar uma trilogia (ou mais continuações, mesmo que esse não deixe ganchos para um posterior), até porque ninguém esperava que o primeiro fosse fazer algum sucesso. Mesmo assim, um dos personagens faz a conexão com os anteriores, que se tornou uma saída para os roteiristas deixarem a par os protagonistas do que está para acontecer – mesmo que os espectadores já saibam disso." (Andy Malafaya)

''De todas as franquias de suspense adolescente que existem, Premonição é uma das minhas preferidas. Ela funciona como um álbum de figurinhas em que a surpresa de cada pacotinho é uma morte estapafúrdia diferente. O grande mérito da série é assumir-se como uma bobagem divertida de humor negro e não tentar tornar-se mais inteligente, apenas mais criativa - o que dá a ela um certo status de Filme B. Isso é basicamente tudo o que existe para falar do filme, mas como eu tenho um mínimo de parágrafos pra escrever aqui, preciso encher um pouco de lingüiça (no espírito do suspense, também assuma este texto como um artigo dispensável e divertido já que do tema não vai sair nenhuma obra de arte). A história de "Premonição 3" (Final destination 3 - quantos destinos finais podem existir?) é a mesma - mesmíssima - dos filmes anteriores. O roteirista e o diretor do original, Glen Morgan e James Wong, retornam ao comando da franquia e deixam tudo do jeitinho que estava. No mote da série, um jovem qualquer tem uma premonição de morte e impede que seus amigos sigam no que estava fazendo. Mas a morte não pode ser enganada e todos começam a morrer exatamente na ordem que empacotariam se não tivessem sido interrompidos. Desta vez a sortuda é Wendy Christensen (Mary Elizabeth Winstead), que vê ela e seus amigos morrendo num terrível acidente de montanha-russa de parque de diversões, gerado por uma série de coincidências bizarras (eu já tive uma dessas, mas a minha foi ativada por um sujeito com uma marreta dando porradas numa engrenagem de uma roda gigante. Achei melhor não entrar, mas a premonição era furada. O marreteiro era bom e arrumou o brinquedo. Ninguém morreu. Ainda). Ao tirar seus amigos do destino fatal, Wendy e alguns outros, incluindo seu colega de classe Kevin (Ryan Merriman), forçam o destino a agir contra eles. Todos os sobreviventes devem morrer... e cabe aos dois amigos descobrirem pistas que os levem à próxima vítima. Se conseguirem parar o processo, serão salvos. As mortes são tão morbidamente bacanas quanto às dos primeiros filmes e outras produções que têm a encapuçada esquelética e sua foice como tema, como as finadas (ah, a infâmia) Dead like me e A sete palmos. Mas uma é particularmente apetitosa aos fãs: a seqüência em que duas patricinhas estúpidas passam do ponto numa máquina de bronzeamento artificial e transformam-se em torradas. Essa aí vale o filme e parece muito mais bizarra que a cena da montanha-russa descarrilada, que é um tanto inferior às cenas iniciais de Premonição 1 (o avião - memorável) e 2 (o realista acidente rodoviário). Mas se é tudo igualzinho aos longas passados, por que conferi-lo? Pra colecionar as figurinhas, claro. Ou você gosta de largar álbum pela metade?" (Erico Borgo)

''O diretor James Wong, responsável pelo primeiro filme, volta ao comando da franquia neste “Premonição 3'', também como co-autor do roteiro. Mesmo sem poder contar com a ajuda do fator surpresa, esta seqüência tem o mérito de manter o ritmo e o suspense que garantiram o sucesso das duas produções anteriores. A história começa com as festividades de um grupo de formandos em um parque de diversões. Como em todos os filmes da série, um engenhoso desastre – neste caso numa montanha-russa - irá interferir no destino de parte dos jovens, mas alguns deles conseguirão escapar vivos (pelo menos temporariamente) graças à premonição da estudante Wendy (Mary Elizabeth Winstead, de O Chamado 2 e Super Escola de Heróis). A partir daí, o filme segue em ritmo acelerado, enquanto os jovens, agora perseguidos por uma espécie de ajuste de contas da morte, tentam escapar de novos acidentes. Para inovar no suspense, os roteiristas decidiram incluir na história pistas das próximas mortes em uma série de fotos digitais que a protagonista tira do grupo no parque. As fotos digitais foram inseridas no roteiro para dar ao público a oportunidade de interpretar as pistas junto com os protagonistas e tentar descobrir quem será o próximo a morrer. À medida que vamos para uma nova seqüência, o público é armado com um punhado de pistas para que possa se envolver de uma forma que não era possível nos dois primeiros filmes. A estratégia funciona em partes, já que alguns acidentes são por demais mirabolantes, impossibilitando que o público desempenhe a contento sua função Sherlock Holmes. Mas o conjunto da obra garante um bom entretenimento. Detalhe: apesar de ser eficiente, o desastre na montanha-russa não é tão impressionante quanto o do avião e o do engavetamento na estrada, dos filmes anteriores. No final, um outro acidente de grandes proporções acontece, contrabalançando a favor desta seqüência." (Edson Barros)

''Imagine a seguinte situação: um sujeito transitando desatento em frente à sua residência deixa cair um bilhete de loteria que, graças à ação do vento, entra pela janela e pousa em seu colo. Suponha ainda que, nesse mesmo dia, o sorteio do tal concurso seja realizado e você acaba sendo premiado com uma pequena fortuna. Para completar, imagine que os números contidos nesse bilhete são sequenciados, algo como 01 - 02 - 03 - 04 - 05 - 06. Agora responda: quais são as chances de essa série de eventos ocorrer com você? Ora, correntes de vento de fato conseguem elevar objetos leves a alturas razoáveis, ao passo que números sequenciados têm exatamente a mesma probabilidade de serem sorteados que qualquer outra combinação - e, por isso, a resposta correta para a pergunta é: as chances de tudo isso ocorrer são mínimas - mas repare, elas existem. Caos, desordem, entropia ou qualquer que seja a terminologia utilizada caracterizam o princípio da improbabilidade de eventos favoráveis consecutivos acontecerem ao acaso - ou no caso da franquia Premonição, eventos bastante desfavoráveis. Após as premonições que evitaram mortes na explosão de um avião no primeiro filme e em um acidente rodoviário no segundo, agora vemos a colegial Wendy (Mary Elizabeth Winstead) prevendo um acidente fatal na montanha-russa de um parque de diversões segundos antes de ela mesma partir para uma volta na atração. Apavorada com o realismo da visão, a garota consegue sair do carrinho antes que este deixe a estação e, na confusão, faz com que uma série de amigos também abandonem o brinquedo - que acaba de fato descarrilando e matando alguns de seus colegas, inclusive seu namorado Jason (Moss). Porém, quando duas colegas salvas do acidente acabam falecendo dias depois sob misteriosas circunstâncias, Wendy e o amigo Kevin (Merriman) passam a desconfiar que suas vidas correm risco, já que teriam atrapalhado o plano da Morte e esta cedo ou tarde retornaria para concluir o serviço inacabado. Depois de introduzir o conceito com base no suspense no primeiro filme e explorar o potencial cômico das mortes elaborados no segundo, a franquia finalmente acha o tom ideal nessa terceira parte que, assim como o ótimo Zumbilândia, estabelece um parque de diversões como o cerne de sua trama, num indicativo claro de que, em ambos os filmes, a diversão será a válvula de escape para o suspense. Por isso, por mais fúnebre que possam ser, as mortes vistas aqui não deixam de ter um viés cômico, graças a uma ponta de exagero que encontra equilíbrio no eficiente clima de suspense desenvolvido no restante da projeção. Por outro lado, é admirável que, excetuando uma ou outra ventania, luz piscante ou interferência eletromagnética, boa parte dos eventos que precedem as mortes dos personagens são consequência não exatamente de um plano ambicioso e complexo de uma entidade maligna, mas sim de diversas atitudes displicentes e irresponsáveis tomados pelas vítimas, que assumem a todo momento uma série de riscos - como o desprezo por regras das garotas e do funcionário na clínica de bronzeamento artificial, os precários padrões de segurança do show de fogos de artifício ou o comportamento desleixado dos personagens em um depósito de materiais de construção. Dessa forma, ''Premonição 3'' é um filme que se diverte explorando até as últimas consequências todas aquelas chances remotas citadas no primeiro parágrafo já que, em última instância, não há indícios concretos de participação de entidades paranormais nas mortes de seus personagens. E esse é um dos grandes méritos dos realizadores, que concebem com competência e riqueza de detalhes os ambientes e as circunstâncias em que as mortes ocorrem, tonando ainda mais interessante, dinâmico e intrigante o conceito introduzido a respeito da possibilidade de prever através de fotografias os causas mortis. E já que toquei nesse assunto, é importante ressaltar que, ainda que ligeiramente episódicos, os óbitos desse exemplar não ferem nenhuma lógica e soam naturais dentro dos limites cabíveis, o que é extremamente positivo e surpreendente para uma franquia como essa. Nesse sentido, o retorno de James Wong (do Premonição original) se revela uma grata surpresa, já que o diretor consegue, com o auxílio do montador Chris Willingham, criar o clima de inquietação através de diversos planos-detalhe em objetos supostamente perigosos que, em última análise, representam muito mais a paranóia de seus personagens (e naturalmente, a nossa também) do que ameaças reais - e de fato, apenas como exemplo, nenhum evento anterior ao embarque na montanha-russa apresenta algum caráter realmente macabro, mas a sensação é transmitida graças à trilha sonora de suspense, à crescente inquietação de Wendy e ao fato de termos consciência de estar assistindo a mais um filme da série Premonição. Pecando apenas nos efeitos especiais deficitários e em certas inconsistências narrativas oriundas de uma estrutura fechada e limitada, ''Premonição 3'' é um esforço bem sucedido para dar uma cara nova e definitiva à franquia, resultado de uma acertada lapidação do que já tinha sido testado nos dois primeiros filmes. É uma pena, portanto, que necessidades comerciais hollywoodianas enxerguem no "modo Jogos Mortais de se fazer filmes" uma mina de ouro. Vide Premonição 4." (Eduardo Monteiro)

New Line Cinema Hard Eight Pictures Kumar Mobiliengesellschaft mbH & Co. Projekt Nr. 1 KG (in association with) Matinee Pictures Practical Pictures Zide-Perry Productions

Diretor: James Wong

88.174 users / 1.701 face

Soundtrack Rock = The Sounds + Ohio Players + The Lettermen + Hed Planet Earth

Check-Ins 473

Date 28/02/2014 Poster - #

{Video/@} M/72

PIETA

(Pietà, 2012)

"Do mistério de seus primeiros filmes, Kim Ki-Duk se transformou no cineasta da violência e polêmica gratuitas, uma espécie de mistura entre Miike e Kitano, mas sem o talento destes dois. Pietá pode ter ganho Veneza, mas é bem mais vazio do que aparenta." (Régis Trigo)

"Diretor desmistifica o milagre econômico coreano nessa fábula macabra, desnecessariamente violenta e politicamente questionável. Ki-duk Kim não é adepto a sutilezas nem a nuances: quer mesmo é chocar, o que diminui um pouco seus filmes." (Demetrius Caesar)

A tragédia solitária sul-coreana.

''Como nos seus dois filmes mais conhecidos – os clássicos recentes Casa Vazia e Primavera, Verão, Outono, Inverno... e Primavera – Duk conta a história de um indivíduo solitário que passa por uma transformação ao encontrar alguém que catalisará numa série de eventos que lentamente o expulsarão de sua vida alienada. Se antes era um jovem arrombador à procura de um local para dormir que tinha sua rotina transformada ao encontrar uma mulher com quem se identificava ou então um jovem discípulo de um monastério que, ao conhecer uma mulher, conhecia toda a sorte de sentimentos que iam contra os ensinamentos de seu mestre, aqui conhecemos Gang-Do, um jovem que vive de cobrar de trabalhadores o dinheiro que eles emprestaram de um agiota. Sua cobrança é brutal e insensível: ele aleija pessoas com uma expressão vazia no rosto, para que o seguro pague as dívidas delas. O jovem, que vive da rotina violenta e de momentos de tédio onde na maior parte do tempo apenas come e se masturba de maneira silenciosa e algo desesperada, tem seu cotidiano interrompido pela misteriosa Mi-Son, uma mulher que diz ser sua mãe que o abandonou quando ele ainda era recém-nascido. Apesar da agressividade inicial – tanto pelo sentimento de dúvida quanto pelo posterior de raiva, Gang-Do acaba se afeiçoando pela mulher e querendo torna-la parte de seu cotidiano – e o problema, agora, é ver o feitiço virar contra o feiticeiro: após arruinar tantas famílias que caíram em desgraça por suas pedras fundamentais terem se tornado aleijados miseráveis, o mesmo agora tem que proteger sua mãe da vingança. Dessa forma, Gang-Do acaba conhecendo o peso dos seus atos violentos – o doloroso processo de humanização pelo qual passam todos os personagens da carreira do cineasta. É quase impossível entre ocidentais não associar o nome do filme diretamente com o tema Pietà da arte cristã, sendo a mais famosa a escultura de Michelangelo que reside no Vaticano; a representação de um Cristo morto nos braços da Virgem Maria encontra um paralelo quase perverso e para lá de psicologizado nesse filme sul-coreano. Não há o Cordeiro de Deus, mas um homem violento que procura pelos braços maternos a sua vida toda. Não há a Virgem Maria, a santa mãe dos cristãos, mas uma mulher covarde, confusa mas ao mesmo tempo obstinada pela redenção. Kim Ki Duk, para o bem e para o mal, encontrou uma maneira de filmar inconfundível: seu formalismo seco, trabalhando com uma paleta cromática dura e demarcada cria em conjunto com sua câmera tensa e inconstante uma atmosfera personalíssima, claustrofóbica e quase irrespirável, se valendo tanto de planos parados que apostam em uma composição simples mas extremamente pensada de dois ou três elementos proporcionais marcantes quanto de uma movimentação de eixo errada para os padrões clássicos, quase feia, mas que, em muitos momentos, reforçam visualmente a tensão psicológica que emana de seus personagens – sempre de maneira expansiva, como manda a escola de atuação coreana. Sem muitos filtros ou grandes efeitos, a violência de Duk é maltratada, praticamente anti-estilizada: os estragos físicos só são vistos por detalhes ou por conseqüência, mas o ato violento é sempre filmado de maneira direta, sem cortes ou alteração na velocidade da filmagem que valorizem cada ação: como a violência real a qual pouco nos acostumamos, ela é repentina, explosiva, surge do silêncio e some em um outro instante. Essa compreensão da violência como um ato gratuito em sua existência mais profunda é o que torna Duk – e tantos de seus compatriotas – diretores tão impactantes no trato dado a ela. Mas talvez, assim como acontece no cinema de Chan-Wook Park, essa maneira tão única de se filmar também tem seu lado negativo: se o formalismo direto e agressivo é sempre o mesmo, há também o risco do conformismo estético-narrativo. Os filmes de Kim Ki-Duk, com o passar do tempo, apresentam cada vez mais como maior ponto fraco a sensação de homogeneidade. Não a homogeneidade que sabe se manter heterogênea, de diretores como Brian De Palma ou John Carpenter ou mesmo o conterrâneo de Duk e Park, Bong Joon-Ho, que sempre souberam se renovar mesmo sempre filmando temas muito parecidos; Duk padece da sensação samba de uma nota só. Assistir seus filmes isoladamente talvez seja mais interessante do que acompanhar sua carreira como diretor, que não de hoje vem apresentando desgastes por uma excessiva repetição. Claro que o filme passa longe de ser ruim – ainda que não seja das melhores obras do diretor, continua sendo, no mínimo, uma experiência impactante mesmo que o seu ato final descambe para uma melodramática e até desnecessária história de vingança que traía um filme tão interessante – onde o rito de humanização de Gang-Do se dá através de um estupro incestuoso; a violência, como princípio alienante, isola seus indivíduos do resto do mundo e essa é uma desgraça recorrente no universo do cinema coreano, tanto do icônico vingador Oh Dae Su de Oldboy ou do seu companheiro de desgraça mais desconhecido Soo-Hyun, de Eu Vi o Diabo; é justamente essa ultraviolência tanto o catalisador da desgraça e da solidão de seus personagens quanto sua única maneira de se revoltar, expressar seus medos, angústias e carências. Não é de hoje que o cinema da Coréia do Sul marca presença, praticamente todo ano com uma obra notável, como um dos mais interessantes estética e narrativamente surgidos nesse início de século. Pietá talvez não seja um dos seus melhores exemplares, mas só reafirma esse grupo de realizadores como singulares e únicos na abordagem tanto temática – vingança, violência e amor são um trinômio constante e desesperado desses filmes – os modos singulares que essas histórias foram narradas já se tornaram até um padrão qualitativo no inconsciente popular. E Duk, um dos primeiros da leva, ainda se mantém em forma – Pietá ganhou o Leão de Ouro como outro atestado inegável de uma leva de filmes que, daqui a poucas décadas, serão lembrados como uma das grandes gerações do cinema recente." (Bernardo D.I. Brum)

''Como às vítimas da moda, o impulso do espectador de cinema mais informado de consumir tudo que se destaca nas passarelas dos grandes festivais costuma provocar congestões estéticas. O caso do cineasta coreano Kim Ki-duk é exemplar. Depois de obter espaço com as "transgressões" de "A Ilha", a cada filme seguinte conquistou prêmios com uma mistura de exotismo oriental e efeitos de profundidade. Em "Pietá", inexplicável Leão de Ouro no último Festival de Veneza, Kim combina o tema da vingança e overdoses de violência com uma pretensiosa releitura do imaginário e da moral cristãos. Um jovem solitário vive de brutalizar excluídos, atuando como cobrador de dívidas e, literalmente, arrancando pedaços dos inadimplentes. A chegada de uma senhora que diz ser sua mãe introduz em seu cotidiano uma afeto que ele primeiro recusa, mas de que torna-se dependente. Esse impacto da mudança na rotina de indivíduos é um tema comum do cineasta. Em "Pietá", contudo, Kim se desfaz do abrigo da subjetividade, que mal ou bem sempre ofereceu proteção a seu cinema, para se arriscar numa cruzada contra os malefícios da ordem capitalista. O que é o dinheiro? O começo e o fim de todas as coisas, diz um personagem. Com esse discurso, feito para encontrar a receptividade de quem crê no poder da indignação, "Pietá" busca ocupar um nicho de mercado. Não parece bastante. É preciso explorar a violência como forma de provocar incômodo e inserir um verniz psicanalítico para denotar inteligência. O que se consegue de fato é gerar uma sensação equivalente à indigestão." (Cassio Starling Carlos)

2012 Lion Veneza

Top Coréia do Sul #32

Date 12/02/2015 Poster - ####

{Video/@@@@} M/39

POMPEIA

(Pompeii, 2014)

"Como um Gladiador/Ben-Hur de baixo orçamento, Pompeia se sai muito bem, considerando-se que abusa (e depende) de estereótipos e clichês do gênero aventura para avançar em sua ponta de enredo." (Alexandre Koball)

Arena e vulcão.

"Há filmes que se destacam pelo que sabiamente evitam. ''Pompeia'' é livre da grandiloquência que esperaríamos de um Ridley Scott em suas investidas nos épicos similares. E suas sequências de combates dos gladiadores e entre romanos e bárbaros transformados em escravos, apesar de sanguinolentas, tampouco remetem ao jeito MMA em voga no novo marco civilizatório dos esportes nesses nossos tempos (e cujo alcance é refletido em filmes ou séries abjetas de TV como a Spartacus: Blood and Sand). As consequências podem ser medidas tanto na rejeição de um público que sente falta desses elementos há muito transformados em vícios de linguagem, acusando o filme de Paul W.S. Anderson de insuficiência, como no louvor de uma parcela de críticos e espectadores que distinguem obsessões estéticas recorrentes na filmografia do realizador. Há um cuidado suficiente de produção e efeitos visuais para que Pompeia passe longe de ser visto como trash (acusação a que nenhum detrator seu chegaria), e ao mesmo tempo o emprego natural das tendências de Anderson em lidar com o cinema de gênero e filmar a vulgaridade com a ideia que o diretor tem de elegância. Ainda assim, é um reconhecimento um tanto duvidoso, como se estivéssemos elogiando um individuo por ele saber o que está colocando em prática, por não tropeçar nos próprios cadarços. Longe de um típico filme histórico, com algum espaço à intriga política e o contexto apenas o suficiente para nos localizarmos na Pompéia do século I d.C. em que o escravo celta Milo (Kit Harington) é feito gladiador e a nobre Flavia (Emily Browning) é prometida pelo seu pai a um senador romano (Kiefer Sutherland) para que este invista na arena de gladiadores da cidade. Tudo é resumido ligeiramente como numa graphic novel, com uma preocupação maior para em tomadas diversas, muitas delas aéreas, visualizarmos como o imaginário de uma cidade perdida reconstruída pela nossa época, e as distâncias entre os locais em que transcorrem as ações. Por outro lado, há figuras que parecem retiradas de personagens idênticos de Peter Ustinov e Woody Strode em Spartacus (idem, 1960), como o gladiador negro que divide a mesma cela com o protagonista com o qual poderá lutar até tornarem-se amigos. ''Pompeia'' se mantém razoavelmente forte em dois arcos dramáticos principais, os dos combates na arena e a explosão do vulcão perto do final, e a passagens de um para o outro garante o reforço de nossa atenção. Acostumado a realizar adaptações mais ou menos dentro de sua visão particular de cinema em cima de festejados jogos de videogame, Anderson utiliza tanto as cenas de lutas quanto as de fuga e desespero pela sobrevivência provocada pelas larvas jogadas pelo vulcão para transformar suas figuras em personagens de um jogo, onde o essencial é resistir e passar de fase, ainda que fugindo sempre da estética visual ofensiva aos não-adeptos de games convertidos em cinema. O romance em ''Pompeia'' é um de seus elos ruins, e com ele Anderson não perde tanto tempo, servindo apenas para reforçar o drama pelo prenúncio da morte iminente com a erupção do vulcão. Muito filme B e de gênero resistiu bem a atores fracos, no entanto os que interpretam aqui o casal principal são de uma inexpressividade que anula a possibilidade de os vermos como figuras especiais. O fogo vindo do alto do Vesúvio como se proveniente do céu atingindo e incendiando os corpos, estatuas de pedras e os locais de um mundo prestes a ruir injetam fortes cargas de adrenalina O melhor é a sensação experimentada em ter visto um museu histórico cuidadosamente erigido para vê-lo desabar logo após. É o velho filme de catástrofe que irresistivelmente nos prende, mas de efeito com prazo de validade expirado pouco depois do seu fim. Tudo se desvanece, sem que nos instigue o retorno ao objeto conhecido. Experiência longe do memorável." (Vlademir Lazo)

''Os filmes que têm grandes desastres como focos de suas tramas não são exatamente novidades. Apenas para citar um exemplo contemporâneo, o diretor Rolland Emmerich fez sua carreira justamente com este gênero, que é deveras popular. Há um estranho canto das mentes humanas que gosta de ver o fim de tudo. Melhor ainda quando existe alguma veracidade no fato, por menor que seja a verossimilhança do resultado final. Dirigido por Paul W.S. Anderson, “Pompeia” pega como mote a destruição da cidade-título, que ocorreu com a erupção vulcânica do monte Vesúvio na segunda metade do século I. Como o mero espetáculo pirotécnico não é o suficiente para um longa, o roteiro do casal Lee Batchler e Janet Scott Batchler (Batman Eternamente) e Michael Robert Johnson (Sherlock Holmes) ainda encaixam – ou ao menos tentam fazê-lo – lutas de gladiadores, busca por liberdade, crítica política e, obviamente, uma história de amor para enrolar o público até a devastação chegar. Não entendam mal, situações dramáticas são essenciais para os filmes-desastre. A força dramática da tragédia em si só existe se o público se importar com as vítimas/personagens. O plot principal, que é o amor proibido entre o escravo gladiador Milo (Kit Harrington) e a bela nobre Cássia (Emily Browning), jamais decola e muito disso deve-se à inexpressividade do casal principal. Harrington certamente foi escolhido por seu papel como o bastardo Jon Snow em Game of Thrones e o rapaz certamente tem o visual e a experiência para executar cenas de ação competentes, mas apresenta zero de química com Browning. A bela, por sua vez, tem um estilo de atuação mais introspectivo (vide Beleza Adormecida) que realmente não funciona aqui, resultando em uma participação apagada e sem paixão. Adewale Akinnuoye-Agbaje, o eterno Mr. Eko da série de TV Lost, oferece aqui sua imponente presença física como o parceiro de Milo, o gladiador Attico, que sonha com sua prometida liberdade. Carrie-Anne Moss e Jarred Harris, ambos praticamente em participações especiais, dão vida aos pais de Cássia, chantageados pelo cruel Senador Corvo (Kiefer Sutherland) para dar a mão da jovem em casamento para ele. O problema é que, mesmo tentando empurrar goela abaixo todo esse contexto no guião, o longa quase não dá motivos para que a audiência se importe com a sobrevivência e a felicidade dos heróis, embora até acerte em criar um vilão odioso com Sutherland, certamente a figura menos esquecível do elenco principal, a despeito do seu forçado e atroz sotaque britânico. Com seu carisma habitual e uma atuação que deixa claro que seu personagem é o mal encarnado desde o primeiro quadro em que aparece, Sutherland parece ser um dos únicos a entender que esse tipo de longa não necessita de sutileza nenhuma e que precisa apenas dar o mínimo de pano de fundo – leia-se, personagens minimamente interessantes – antes de partir para o que interessa, que é o caos destrutivo. E é aí que Anderson falha. Antes de chegar aos finalmentes, o diretor perde muito tempo com sequências de batalhas que, mesmo bem realizadas, não possuem qualquer força porque o público sabe o que está por vir, inclusive sendo disso pontualmente lembrado pelo próprio filme. Como vamos nos preocupar com o resultado de uma luta se, horas depois, bolas de fogo vão cair do céu e potencialmente matar todos os combatentes queimados? No terço final da projeção, quando finalmente o Vesúvio faz o seu trabalho, os efeitos são competentes, mas nada revolucionários, e as cenas de destruição se mostram um tanto quanto breves. Anderson, mesmo com algumas mudanças bruscas de foco, é um dos cineastas que melhor se utiliza do 3D e se aproveita dos ambientes e das partículas postas em movimento pela devastação para criar eficientes ilusões de profundidade. Quando todas as cinzas assentam e os créditos começam a rolar, uma pena que sintamos mais pela destruição dos belos cenários e figurinos que pelos destinos dos personagens em si. Nisso, “Pompeia” mais parece um espetáculo vazio que, ainda que visualmente eficiente, demora para começar e termina muito rápido." (Thiago Siqueira)

''Uma das maiores catástrofes naturais da história, a erupção do vulcão do Monte Vesúvio dissipou a população de Pompeia em 79 d.C. e espalhou uma nuvem de rochas, cinzas e fumaça a mais de 30 quilômetros de distância. Trata-se de uma passagem trágica. Se a boa intenção de Paul W. S. Anderson em recordar esse fato fosse mais dedicada ao evento em si, talvez seu longa Pompeia fosse um filme interessante, e não apenas o relato de um romance impossível entre menina rica e garoto pobre com uma catástrofe ao fundo. Inspirado na história da destruição de Pompeia, o filme começa relembrando passagens sobre a dominação dos povos celtas da Europa ocidental durante ascensão do Império Romano. Neste contexto, Milo é apenas um garoto quando vê sua família ser brutalmente assassinada pelo exército do senador Corvis, um ambicioso e sanguinário representante da dominação. Mais de quinze anos depois de vagar sozinho pelo mundo, é capturado como escravo e transformado em gladiador, que segue então a caminho de Pompeia, onde enfrentará novos e velhos inimigos e encontrará o amor. Originário de uma tribo cavaleira, Milo, com seus cabelos selvagens e olhos contemplativos, é um herói mais apático do que sua história promete. Mesmo nos pontos altos do filme, o gladiador celta de Kit Harington faz mais cara de coitadinho do que qualquer outra expressão que demonstre sua natureza revolucionária. Sua valentia não convence, e tampouco sua paixão pela bela Cassia, filha de um rico empreendedor de Pompeia com ambições comerciais. Embora a trama sobre um gladiador em busca de vingança e libertação, em tese, prometa batalhas repletas ação, o filme de Paul W. S. Anderson também não entrega boas cenas de luta. No coliseu de Pompeia, os lutadores repetem aqueles embates coreografados que ganharam fama no passado em filmes como Troia. Lembram dos saltos do Aquiles de Brad Pitt no emblemático confronto com seu inimigo Hector, vivido por Eric Bana? Eles também estão nas batalhas de Pompeia. Não são detalhes que prejudicam as cenas de luta, mas demonstram a falta de criatividade do diretor em elementos importantes da construção. Para seu público jovem, no entanto, talvez passe até desapercebido. A dimensão dos personagens do longa é outro ponto fraco do filme de Anderson, que aposta em clichês e exagera nas caricaturas. O núcleo familiar da jovem Cassia, por exemplo, reproduz um modelo bastante conhecido em Hollywood: pai (relativamente) justo e benevolente, mãe dedicada e compreensiva, bela e única filha pela qual mocinho e vilão irão travar sua guerra. Todos reféns de um sistema político que agregaria muito mais interesse à trama do que a simples relação entre garoto pobre e menina rica a que o filme se resume. Como o previsto, o clímax acontece durante a erupção do vulção, que cospe rochas e lava por toda a cidade e aniquila sua população gradualmente. A exibição em 3D pode melhorar a experiência, mas não representa nada visualmente muito expressivo. Com roteiro ingênuo e preguiçoso, Paul W. S. Anderson parece ter escolhido a maneira mais simples que podia para ambientar grandes fatos históricos: entregar uma trama romântica, uma porção de cenas manjadas de luta e atribuir o clímax do filme ao evento em si - neste caso, à própria erupção do vulcão do Monte Vesúvio. O resultado é um filme morno, com atuações pouco convincentes e caricaturas desnecessárias. Sem novidades. (Ana Carolina Addario)

Date 17/02/2015 Poster - ####

[Mov 04 IMDB 6,4/10 {Video/@@@@} M/35

POR UMA VIDA MENOS ORDINÁRIA

(A Life Less Ordinary, 1997)

"Por um Filme Menos Ordinário." (Heitor Romero)

''Robert Lewis (Ewan McGregor) é um sujeito de pouca sorte. Desacreditado em suas tentativas de tornar-se escritor de um romance trash, ele, no mesmo dia, é abandonado pela namorada (que o deixa pelo professor de aeróbica) e demitido do emprego de faxineiro de uma empresa (sendo substituído por um robô). Indignado com sua situação desesperadora, ele invade o escritório de seu chefe e, ao perceber que nada fará o frio empresário mudar de ideia a respeito de sua dispensa, faz a única coisa que lhe passa na cabeça: sequestra sua filha, a dondoca Celine Naville (Cameron Diaz). A moça, revoltada com o fato de ser obrigada a trabalhar para pagar por seus luxos, une-se então a Robert para arrancar dinheiro de seu pai. O que os dois jovens nem de longe sonham, porém, é que dois anjos bastante atrapalhados - O'Reilly (Holly Hunter) e Jackson (Delroy Lindo) - tem a difícil missão de fazê-los se apaixonarem um pelo outro, para que não sejam obrigados a viver na Terra pra sempre.Com essa premissa de novela das sete, a dupla Danny Boyle (diretor) e John Hodge (roteirista) voltou às telas depois do estrondoso sucesso crítico de Trainspotting, que colocaram seus nomes no mapa da indústria hollywoodiana. Contando ainda com o ator Ewan McGregor (com quem haviam trabalhado ainda em "Cova rasa"), Boyle e Hodge experimentaram, para seu desgosto, o amargo sabor do fracasso. Ignorado pelo público e malhado pela crítica, "Por uma vida menos ordinária" nem de longe causou o mesmo impacto de seus trabalhos anteriores e, pior ainda, foi rechaçado até mesmo pelos fãs mais fiéis do time até então vencedor. Mas afinal de contas, a comédia romântica de Boyle mereceu todo essa vaia generalizada? É preciso saber se o público - e até mesmo a imprensa - entendeu a proposta do cineasta e seus fiéis asseclas. O que se pode esperar de uma comédia romântica cujos autores deram ao mundo um suspense recheado de humor negro e um drama sobre drogas que foi acusado de glamourizá-las? Obviamente não há, em "Por uma Vida Menos Ordinária'', cenas daqueles romances melosos que Hollywood costuma empurrar a plateias sedentas por escapismo sentimental. Quando acontece de falarem de amor, logo somos lembrados - pela trilha sonora propositalmente piegas ou pelos absurdos do roteiro - de que estamos diante de um filme que fala de amor, sim, mas da maneira menos convencional possível. Robert e Celine não formam um típico par romântico ele é quase um banana, capaz de desmaiar ao ver sangue, e ela é uma riquinha mimada cujo hobby é brincar de Guilherme Tell (mesmo que corra o risco de ferir o próprio ex-namorado). E o fato de estarem à mercê de dois anjos nada dados a sentimentalismos e capazes de violência física para atingir seus objetivos apenas reitera o tom de brincadeira absoluta. É preciso que se compre a proposta de Por uma vida menos ordinária. E o público, infelizmente, dessa vez não comprou. Logicamente nem tudo são flores... É necessário admitir que há muitos erros em "Por uma Vida Menos Ordinária", a começar pelo roteiro que, apesar de alguns bons momentos, não chega nem aos pés do brilhantismo de Trainspotting e Cova rasa. As personagens são mal delineadas (talvez de propósito, mas isso não fica exatamente claro) e certas situações não se desenvolvem a contento, dando a impressão de uma colagem de desventuras sem muita conexão. Mas Danny Boyle é visivelmente um diretor muito criativo e isso fica nítido em soluções visuais bastante interessantes, como o céu de um branco absoluto e na sequência musical em que Ewan McGregor e Cameron Diaz parecem se divertir a valer (McGregor inclusive voltaria a demonstrar seus dotes vocais nos filmes Velvet Goldmine e Moulin Rouge). Somados à atuação delirante de Holly Hunter (de longe a melhor coisa do filme) e à trilha sonora impecável (característica das obras do diretor), esses momentos de criatividade fazem do filme uma agradável experiência. Pode não ser um Danny Boyle dos melhores, mas está longe de ser um dos piores. E tem a simpatia contagiante de Ewan McGregor." (Clenio)

''Quando ''Por Uma Vida Menos Ordinária'' entrou em cartaz nos cinemas em 1997, provavelmente, não tinha o menor conhecimento de quem era Ewan McGregor ou Danny Boyle. Só mesmo depois de conferir o excelente suspense Cova Rasa que comecei a acompanhar a carreira de ambos. Cameron Diaz já tinha lugar cativo no meu coração (e olha que nem tinha feito Quem Vai Ficar com Mary? ainda). Sabem aqueles filmes praticamente impossíveis de alguém (principalmente os romanticos modernos) chegar e dizer que não suporta? Danny Boyle conseguiu a proeza com o seu ''Por Uma Vida Menos Ordinária'', que logo no começo já surpreende: um autêntico SAC divino atolado de tarefas e funcionários (e paredes) de branco. E o personagem de Ewan McGregor, um faxineiro sonhador, aparece explicando que a personagem principal do romance que está escrevendo é uma filha bastarda de Marilyn Monroe e John Kennedy. É a prova de que Danny Boyle e John Hodge (que também escreveu o roteiro em Cova Rasa, Trainspotting e A Praia) não perdem a oportunidade de usar e abusar de citações pop’s em suas obras. Não há duvidas de que Boyle criou um universo mágico para o romance entre dois personagens tão opostos: a ricaça sociopata e mimada e o faxineiro perdedor. Sem falar na dupla de cupidos que tem a missão de juntar o casal, custe o que custar. Apesar de não ter sido um sucesso de público e crítica, este é um dos meus filmes favoritos do diretor Danny Boyle. Além de mostrar Cameron Diaz em atuação inspirada. Muito bom! E são três caipirinhas!" (Tullio Dias)

Channel Four Films Figment Films Polygram Filmed Entertainment

Diretor: Danny Boyle

28.167 users / 768 face

Soundtrack Rock = The Supremes + Sneaker Pimps + Elastica + Underworld + Alabama 3 + The Shirelles + Beck + Orbital + The Prodigy + R.E.M. + Faithless + Ash + The Folk Implosion + The Cardigans + Elvis Presley + Squirrel Nut Zippers + Dusted + Gladys Knight + Luscious Jackson

Check-Ins 496

Date 25/03/2014 Poster - ###

[Mov 07 IMDB 7,5/10 {Video/@@@@} M/71

PARADISE NOW

(Paradise Now, 2005)

"A urgência dos conflitos no Oriente Médio pelo prisma dos terroristas, seu cotidiano pacato, uma vida familiar. Pessoas distintas (um mais esfuziante, outro pacífico), e normais. Panorama exposto com discrição, prezando pela reflexão. Pequena obra-prima." (Rodrigo Torres de Souza)

''No centro de "Paradise Now" há dois rapazes, Said e Khaled, ambos palestinos e voluntários a morrer como mártires, ou seja, como homens-bomba, explodindo em algum lugar de Israel. Algumas coisas chamam especialmente a atenção neste filme de Hany Abu-Assad. A primeira é que ele nos põe em contato com rapazes nada fanáticos. São normais, digamos assim. Sonham muito menos com o paraíso do que com as questões terrenas. O segundo ponto é que a religião não joga o papel tão preponderante nas decisões dos palestinos que nos levam a crer os lugares-comuns da informação sobre os povos muçulmanos. Ou, como diz um dos rapazes, a respeito do seu destino, estar sob ocupação já é estar morto. É um filme político que mereceria atenção, sobretudo das autoridades israelenses." (* Inácio Araujo *)

"A questão básica de "Paradise Now"; classificação indicativa não informada) é: como rapazes pacíficos, cuja primeira preocupação é viver, acabam se deixando recrutar para tarefas do tipo tornar-se homem-bomba? As imagens de Hany Abu-Assad ajudam, de certa forma, a responder. Ele segue os últimos dois dias de dois rapazes recrutados por uma organização palestina para se tornarem homem-bomba em Israel. A honestidade do filme consiste em mostrar um panorama amplo e ambíguo da questão do Oriente Médio. Sua agudeza se fixa muito mais em aspectos cotidianos nos territórios palestinos do que em questões políticas. Mas elas existem e se misturam com particularidades religiosas a que o filme não fica indiferente. É a questão humana, no entanto, que mais chama a atenção do realizador. Como para tantos outros, o conflito, aqui, parece um fenômeno antes de tudo estarrecedor, porque serve muito mais à política do que às pessoas." (** Inácio Araujo **)

***** ''O que faz a atualidade aparentemente eterna de "Paradise Now" é a incapacidade ocidental (Israel aí incluído, claro) de tratar com os palestinos. Sabemos que o problema já não é mais apenas palestino: espalha-se por todo o Oriente Médio e mais um pouco. Chama-se Al Qaeda ou Estado Islâmico. Cada vez mais essa parte do mundo se assemelha ao filme do diretor Hany Abu-Assad. Aqui, os dois rapazes, Said e Khaled, quando os olhamos, não têm nada de facínoras capazes de fazer de tudo em nome da fé, como vários que o EI tem recrutado mundo a fora. Said e Khaled, porém, dispõem-se a morrer e a matar quem estiver por perto. É possível maldizê-los com o estigma da palavra terrorista. Isso não os mudará, nem aos seus inimigos: o cinema aqui entra como agente de uma tolerância cada vez mais ausente da história.'' (*** Inácio Araujo ***)

Representante oficial da Palestina no Oscar de 2006, fita aborda com habilidade o tema do eterno conflito entre israelenses e palestinos.

''É uma triste realidade constatar que estas manchetes já nem nos chamam mais a atenção. Nem tanto pelo fato de elas retratarem uma realidade muito distante da nossa, mas sim – e o que é pior – porque elas se tornaram lugar comum dentro dos noticiários. Uma espécie de pauta padrão a ser cumprida diariamente pelos jornais. Fico imaginando as redações do principais meios de comunicação do mundo, ao repassar os principais notícias do dia, o editor pergunta “Bem, e o Oriente Médio, como foi o dia? Alguma bomba explodiu por lá hoje? Já sabem quantos são os mortos?”. Perdemos a dimensão trágica do evento. Seja por já estarmos vacinados pela violência que assola o nosso cotidiano (vide os últimos atentados comandados pelo PCC, no Estado de São Paulo), seja pela contínua repetição dos atentados (que se prolongam há pelo menos 5 décadas), seja até mesmo porque não compreendemos quem luta pelo quê, o fato é que encaramos o conflito entre Israel e a Palestina como algo banal, quase monótono. Diante desta contraditória banalidade da tragédia, nos esquecemos das dezenas de mortos e feridos gerados por cada um destes ataques. Com o passar do tempo, estas pessoas viram apenas números no interior das manchetes, que se diluem dentro do jornal ao lado da frieza de outros dados estatísticos como percentuais de inflação, cotação do dólar, saldo de gols dos times no campeonato nacional e a temperatura que a meteorologia prevê para o dia seguinte. Se deixamos de pensar nos inocentes fulminados pelos atentados, o que dizer então dos próprios terroristas? Em princípio, representantes do que há de pior na face da Terra, personificação do mal em sua essência, preferimos achar que eles nem mesmo existem. Como se os explosivos plantados em ônibus ou latas de lixo tivessem sido lá colocados por mãos invisíveis ou os carros-bombas, guiados por motoristas fantasmas. E se parássemos um só minuto para analisar a figura destas pessoas, homens suicidas que entregam suas vidas em nome de uma crença, que se sentem honrados por terem sido escolhidos para o trabalho, que têm a certeza de estarem a caminho do paraíso. Como será o dia destes indivíduos momentos antes da execução? E a véspera? Sua relação com os familiares? Com Paradise Now, o diretor Hany Abu-Assad tenta trilhar por este espinhoso caminho, levantando tais questões, sem ter a preocupação de buscar respostas definitivas. O debate é o que importa. Por mais acirrado que seja o conflito, a solução diplomática ainda será sempre a melhor alternativa. É a mensagem que, afinal de contas, o cineasta parece querer passar. Paradise Now'' acompanha a vida de dois amigos de infância, Said (Kais Nashef) e Khaled (Ali Suliman). Ambos moram numa cidade próxima à Tel Aviv, passam o dia trabalhando numa funilaria de fundo de quintal e, no tempo livre, ficam se drogando e vendo a cidade do alto das montanhas. Abu-Assad faz questão de nos mostrar seus protagonistas despojados de qualquer fanatismo ou disciplina. Pelo contrário: Said e Khaled levam suas vidas de forma até mesmo desleixada, quase irresponsável. Logo no início, uma desavença fútil com o patrão faz com que Khaled quebre o pára-choque do carro de um cliente. Na cena seguinte, nenhum dos dois parece muito preocupado com o fato. A narrativa muda seu curso quando Said é procurado por Jamal (Amer Hlehel). Said é avisado que ele e Khaled foram escolhidos para a execução de um ato suicida, em Tel Aviv. O roteiro não se preocupa muito em expor os detalhes e objetivos do plano. Apenas ressalta que a estratégia vinha sendo estudada há 2 anos e que, naquele momento, era chegada a hora de partir da teoria para a prática. Inicialmente as reações são diferentes: ao receber a notícia, Said fica em silêncio. Não parece entusiasmado. Para ele, mesmo tendo sido doutrinado na cultura palestina desde a infância, é difícil acreditar que aquela será sua última noite na face da Terra. Ao contrário, Khaled não se contém em si. Esfuziante, sente-se honrado com o convite e não vê a hora de partir para a ação. Esse conflito interno dos personagens vai pontuar todo o terceiro terço do filme, quando os detalhes da operação são revelados e colocados em prática. Abu-Assad, palestino de nascença, passa seu recado com algumas belas e enigmáticas seqüências: no momento em que Khaled grava o vídeo, anunciando as razões de sua conduta, a câmera apresenta problemas técnicos, que fazem com que o discurso tenha que ser refeito por duas vezes. Na primeira, o operador comenta: Não funcionou!. Na segunda, Jamal, que assiste a gravação, diz: “Calma Khaled! Agora você poderá fazer de novo. Terá uma nova oportunidade!”. Sutilmente, o diretor mostra a dificuldade para encontrar o equilíbrio entre a solução diplomática e a bélica. Na primeira interrupção, o aviso do operador de câmera funciona como desabafo de que toda aquele palavreado sobre a opressão de Israel sobre a Palestina já não dá mais resultado. Na segunda, a frase de Jamal revela uma esperança de que, por intermédio de uma nova tentativa de diálogo, as partes consigam chegar a um consenso. Particularmente, esta seqüência me fez lembrar uma passagem de Munique, um dos melhores e mais subestimados filmes de Spielberg dos últimos anos, com quem Paradise Now, por razões óbvias, tem pontos de contato. Num determinado momento de Munique, palestinos e israelenes (integrantes do Mossad) precisam dividir o mesmo esconderijo. O conflito é estabelecido pela escolha da estação de rádio. Ao final, a solução é dada pelo meio termo, uma canção que agrada a ambas as partes. A seqüência é toda realizada sem diálogo, como uma espécie de duelo de espadas. Simbolicamente, Spielberg está dizendo que é possível sim, sem fazer uso das armas – a rigor, até mesmo das palavras – encontrar a paz para o conflito.

Mais tarde, em Paradise Now, na noite da véspera do ataque, todos os participantes da operação – não só os executores, mas o pessoal de auxílio, chamado internamente de colaboradores – reúnem-se à uma mesa, todos de frente para a câmera. A cena é rápida mas o cineasta atinge seu objetivo: Abu-Assad reproduz o quadro de Da Vinci, A Santa Ceia. Pode parecer exagero. Afinal de contas, o diretor está explicitamente comparando Jesus e seus apóstolos a pessoas que, no fundo, carregam bombas em suas cinturas. No entanto, a inusitado da situação é que é justamente assim que elas se vêem. Verdadeiros mártires, messias escolhidos por Alá para desenvolver a missão que lhes foi imposta na Terra. Outra ironia está no próprio título, que nos remete a Apocalypse Now. No clássico de Coppola, a busca pelo Coronel Kurtz no interior da selva vietnamita é também uma descida ao inferno, literal e metaforicamente. No caso de Paradise Now, o efeito é o inverso: ser o escolhido para a execução do plano de ataque, é o caminho mais curto para a subida ao Paraíso, para o tão esperado encontro com os anjos do céu. Neste sentido, e revelador o diálogo entre Said e Jamal: